ROBERT RODRIGUEZ, EL REY DEL VIDEOCLUB

Siempre es un buen momento para hablar sobre Robert Rodríguez pero ahora aún más con el estreno de "Sin city, a dame to kill for" a la vuelta de la esquina y con este póster tan molón que se ha regalado el director a si mismo, porque sí, porque se gusta. Pero no quiero repasar la filmografía de este hombre alabando sus virtudes y hablando de sus films y tal, lo que quiero es reivindicar la figura de Robert Rodríguez como el gran director videoclubero que es en realidad, porque lo es y vosotros no sabéis verlo pero la esencia está ahí.

Desde su "Mariachi" de los noventa hasta su "Machete" de los dosmiles Robert Rodríguez ha creado una fauna de personajes, de situaciones y de películas muy de videoclub, muy de sesión golfa, que muchos han visto como exceso y tapadera para su nula creatividad pero que otros, como es mi caso hemos visto como un verdadero deleite de la chabacanería y la cercanía con el espectador de a pie, no quiero que esto suene reivindicativo ni nada en plan Rodriguez nos anima a alzarnos con su cine palomitero loquer, sino como el director que ama el disfrute de antaño, el de las pelis de Dolph Lundgren y Charles Bronson, el de productoras como la Cannon o la amada por un servidor Carolco. Robert Rodríguez es el director que mejor entiende el concepto de entretenimiento de los últimos años, sabe lo que gusta y lo explota hasta límites a veces excesivos, no porque no sepa contenerse sino porque no quiere.

Cojamos así al azar una película de este hombre, quizá su film más celebrado "Abierto hasta el amanecer", dentro de lo "elegante" que se puede considerar a esta película, debajo de un guión rápido de Tarantino subyace esa esencia de cine de taberna sudoroso, alcohólico y sexy que tan bien se le da a Rodríguez y que tanto muestra en sus films; una esencia de videoclub, de película cochambrosa de serie B con tiros, sangre, vísceras y sexo gratuito, no es el exploit al uso del que tanto se enorgullece Tarantino en revitalizar (que lo hace y muy bien) sino que es algo diferente, es brillante en sus homenajes y es brillante también en su energía y su ritmo, heredado del cine de John Carpenter o si nos queremos poner en plan cochambres, un Roger Corman con más presupuesto.

Ahora hablemos de su penúltimo film estrenado "Machete kills" el concepto Machete ya es bastante videoclubero y bastante Grindhouse ¡que narices! de hecho nació en aquel proyecto lascivo y sucio que fue la sesión doble que rodó junto a Tarantino, un desparrame gratuito de sangre y diálogos bestias a más no poder que rememoraba las sesiones golfas setenteras. En ese contexto de dos amigos medioborrachos pero con mucho cine en sus venas que se montan dos películas geniales por excesivas y burras, nace el señor Machete, ya visto en la trilogía de "El Mariachi" pero aquí elevado a su máximo exponente, cine de explotación, eso era el tráiler, en lugar de blackexplotaition es mexicaexplotaition (ahí estamos, inventando nuevos términos) un jugoso divertimento para buscadores de rarezas, que se pudo quedar ahí, como una broma pero que Rodríguez convirtió en realidad y en orgasmo para amantes de la comedia más bizarra. El primer "Machete" no fue ni más ni menos que alargar la broma y le salió bien a Robert, estiró la gracia durante noventa minutos y le quedó un remedo de películas de videoclub de barrio, de producciones ochenteras de la Cannon y de su propio estilo muy molón, porque Machete solo se puede definir con la palabra "molona" porque lo es y mucho.
Pero entonces llega su secuela y lo que para muchos es un exceso desmesurado de un director que ha perdido el norte, para mi es la obra cumbre de un director en el punto álgido de su carrera. "Machete kills" como su predecesora han hecho más por el revival ochentero cinematográfico que toda la carrera de Tarantino y todas las tiendas vintage del mundo; todo es más grande, más loco, más sinsentido y más explotaition que en la anterior entrega, es más reivindicativa de un tiempo pasado y tiene más cine y más morriña en sus escenas que cualquier programa de deshechos televisivos de antaño. Si al final Robert Rodríguez termina su tilogía sobre Machete yo lo celebraré viéndolas del tirón porque es la carta de amor de un director al cine que ama y que echa en falta.

Pues por todo eso Robert Rodríguez es un director a reivindicar más allá de sus delirios con "Spy kids" o sus momentos artísticos con "Sin city", porque la verdadera esencia de este hombre radica en sus obras pequeñas, en Machetes que nos hacen recordar que cualquier tiempo pasado fue mejor y más si desprende ese tufillo a peli de acción cutre en una estantería de videoclub de barrio.

trailer de "EL HOBBIT, LA BATALLA DE LOS CINCO EJÉRCITOS"

Pues eso, el tráiler y el póster del capítulo que se presenta como el más épico de la saga:

Y el póster que si es más legendario se rompe:

trailer español de "50 SOMBRAS DE GREY"

Queridas mamás, señoras casadas, señoritas solteras, señoras ancianas, señoras divorciadas y todo tipo de señoras, de la novela que mojó sus bragas llega la película que mojará sus ragas again, es obsceno sí, pero es la mejor manera de presentar este desastre:

Si el fenómeno literario en todo el mundo me parecías ridículo solo por el mero hecho de que en una novela un tío que está bueno sodomiza a una mujer, que ahora se convierta en película me parece aún más ridículo. Mucho ojo a ese momento del tráiler en que pasa de ser una comedia romántica a convertirse en un "American pshycho" XDDDD la risión.

Y de postre un poster:

Entrevista a JOAQUÍN CALVO

Pocas veces tiene uno la ocasión de compartir la tarde con un amigo charlando sobre cine y más si se trata del director y guionista Joaquín Calvo y te cuenta tantas cosas interesantes sobre el séptimo arte. Pero no os preocupéis que a continuación podréis leer la charla completa que compartimos Joaquín y un servidor con fotos de Manuel López.

Microcríticas: Hola Joaquín, ha pasado un año desde que nos encontramos por primera vez para hablar sobre "El vínculo" ¿Cómo va ese proyecto?

Joaquín Calvo: El proyecto de "El vínculo" empezó con mucha ilusión en el año 2010, cuando acaba de escribir la historia. Para llevarlo a cine, la producción necesitaba un Teaser y para realizarlo estuve buscando a profesionales en diferentes compañías de Valencia que quisieran co-producir conmigo. Contacté con una que estaba interesada y rodamos el Teaser. Fue una experiencia interesante, estoy bastante agradecido a todos los que participaron en el Teaser. Gracias a ellos fue posible que se viera lo que iba a ser "El vínculo" visualmente, ayudó a ver ese nuevo universo de terror. 
Más tarde fui a Latinoamérica, con un equipo internacional que movería El Vínculo en distintos destinos. Con mi director de logística Andrés Nolasco y quien se encarga de mi imagen profesional, César Caracas director de Marketing. Estuve en República Dominicana, en Mexico y Nuevo York y allí hablé con Ángel Muñiz, entre otros contactos. Le comenté mis proyectos con el mercado internacional y me ofreció su apoyo. Viniendo de quien promovió el cine en República Dominicana, me sentí halagado. El Vínculo no es una película que se pueda hacer con un crowfunding ya que el presupuesto estimado ronda los 48 millones de dólares. No es un presupuesto tan elevado si vemos la producciones que se suelen hacer en Estados Unidos, la media allí está entre los 80 o 100 millones de dólares aproximadamente. Pero de todas formas el presupuesto podría bajar, claro que sí, dependiendo de los recursos y dependiendo también de lo que cómo se quiera producir. Si se pretende hacer "El vínculo" de una manera mucho más comedida se puede convertir en una película de diez o quince millones; en todo caso lo que yo entendí es que no era una película que se pudiera hacer con diez mil euros, que creo es a lo máximo que uno puede aspirar en un momento de gloria en un crowfunding.
Como en varios países ya se conocía la historia de El Vínculo, el guión tuvo que ser registrado internacionalmente para su protección intelectual. Teniendo en cuenta que este próximo año voy a emprenderme en la escritura del primer libro de esta historia, fue lo más apropiado siguiendo el consejo de mi equipo, que están trabajando para que el proyecto pueda hacerse de la mejor manera profesional. Hemos contactado con Del Toro Films en EEUU, la productora de Guillermo del toro, el director de "Pacific Rim" y "El laberinto del fauno" y les contamos la historia de la película, que roza mucho con el estilo de este director. Así que, bueno dejando a un lado esa producción que está gestándose y por la que otras productoras también se han interesad, la intención es llevar a cabo otras producciones que abran paso a la posibilidad del rodaje de El Vínculo. Ahora sigo trabajando en muchos otros proyectos, porque aunque lleve más de nueve años dedicado a esta profesión no me conoce nadie (risas) porque nunca he hecho un largometraje para cine. Sí me puedo jactar de haber trabajado en otros oficios dentro del audiovisual, de haberme formado en
Barcelona y haber trabajado con grandes profesionales, de haber hecho mucho teatro, de haber realizado trabajos para televisión y cine. Estoy entrando en esta industria poco a poco y con ilusión. Así que estoy muy agradecido a todos los seguidores que tengo, la cantidad de personas que me siguen de otros países, no solamente en España. Aunque lo importante es que uno trabaje, que se vaya formando producción a producción y vaya logrando un reconocimiento por su trabajo.

MC: ¿Cómo fue el rodaje del teaser?  J.C: El rodaje del teaser fue muy bien, me gustó mucho porque fue como una superproducción pero en pequeño, hubo un despliegue impresionante, más de 30 personas trabajando de un lado para otro. La verdad es que estoy muy orgulloso tanto de los actores como del resto del equipo. Trabajé con Pepe Mediavilla, doblador del personaje de Gandalf, entonces qué puedo decirte, a mi cuando Pepe me llamó por teléfono, bueno, el estudio SonoDigi de Barcelona donde Pepe dobló las frases de Válvadron en el Teaser, me pregunta si me gusta cómo estaba quedando. Y yo pues le dije que estaba estupendo, qué le vas a decir, es un profesional y lo hizo perfectamente. Su humildad era tanto como su grandeza; estoy muy contento porque salió rodado, también estoy agradecido al ayuntamiento de Aldaia y al de Gilet que apenas les pedimos los permisos de rodaje nos abrieron las puertas en las localizaciones. El rodaje en los bosques de Gilet fue bastante duro porque trabajamos todo el día: por la mañana rodábamos, comíamos, seguíamos trabajando y por la noche hasta las 4 o 5 de la madrugada, y eso después de los tres días de rodaje. Utilizamos máquina de humo, para el rodaje en el pero no gustó y se volvió a rodar sin humo, pero tu imagínate que a unos pocos metros hay casas y estarían viendo salir humo entre los árboles, lo que podrían pensar; pero bueno, que teníamos todos nuestros permisos y estábamos allí legalmente. El rodaje fue muy interesante para mí como autor de El Vínculo, fue un primer encuentro con ese universo que había creado, fue una primera toma de contacto con ese mundo y que nunca imaginas realmente como va a quedar y el Teaser fue algo mágico. Quedé muy contento porque era muy fiel a lo que había creado y a como había dirigido la trama, el estilo, el ritmo, la fotografía durante el rodaje y la postproducción, aunque hubiese puesto más oscuridad en muchas escenas, pero eso a Edu Esteban, que fue el director de fotografía del Teaser, le chirriaba pero yo soy muy lúgubre para esas. Finalmente quedó perfecto.

MC: Bueno, ahora te quiero preguntar sobre la obra de teatro en la que estás trabajando "3 poemas de mujer" ¿cómo surgió y qué tal va?

J.C: La verdad que el título "Tres poemas de mujer" ya dice mucho. Este proyecto me llegó a través de Gemma Sánchez, que está dentro del sector jurídico en Madrid. Da la casualidad que en mitad de una de las producciones en las que estaba trabajando En Alicante, contactó conmigo a través de Facebook y me ofreció la dirección de una obra de teatro de Fernando Alonso Barahona, un prestigioso analista cinematográfico con más de 40 publicaciones, y yo acepté al leer la obra de este señor; "Tres poemas de mujer" supune un regreso a mis inicios porque yo empecé en el teatro, me formé en Barcelona en la compañía Lluna Plena, trabajando en el arte de la escritura, interpretación y dirección, así que fue muy bonito esta dirección para mí, además de que la obra me apasiona, vuelvo a mis inicios; el cine está muy bien, pero yo pienso que la magia, ese duende, en el teatro cobra más vida tanto para el actor como para el director. Es una obra muy compleja, no solo porque sea un drama sino porque hay que mostrar el amor de una madre que es el caso de Alfonsina Storni, el amor de una joven de 1980 como es Alejandra Pizarnik y el amor de una mujer hacia su marido como en el caso de Delmira Agustini y mostrando en todo esto, suspense, acción y violencia. Las tres poetisas del siglo XX cuentan su historia al mismo tiempo. Como director no quería caer en la extravagancia del decorado para contar algo tan efímero, ya sabemos que eso en el teatro es habitual pero tampoco quería caer en una escenografía tan simbólica, porque pretendía acercar a un público más amplio, fue muy difícil. Enfocar esta obra de una forma femenina sin caer en el pastelón, fue un reto, leer la obra y después de esos lazos de conexión con el autor todo salió exitoso. Ahora mismo estamos hablando de varias posibilidades para esta producción, como dónde la estrenamos para poder representarla. Sí que hemos hablado ya con algunas actrices reconocidas para que interpreten a estas tres poetisas y, evidentemente, tener un mercado aún más abierto pero de momento no se pueden decir nombres de estas artistas y en cuanto a la posibilidad de teatros, pues sí que hay teatros que se han interesado por la obra pero también debemos pensar en el presupuesto con el que podamos contar. Yo estoy segurísimo, como director, que esta obra va a ser una explosión social, un éxito. Es nueva, es fresca, no son remakes de otras obras y no olvidemos que hablamos de una poetisas que tuvieron una repercusión mediática dentro del ámbito literario mundialmente; las tres transmiten lo mismo, no les importa morir porque no son felices con su vida. Yo pienso que hoy en día nadie es feliz en su totalidad, creo que todos nos acostumbramos o nos aferramos a una vida que más o menos nos gusta, pero ellas no eran felices en su vida porque no las dejaban vivir su poesía. La poesía o el arte en sí ha tenido mucha represión antaño para quienes lo practicaban y eso muestra la obra de F.A.Barahona, entre otros temas; como yo lo concibo es que ellas acaban convergiendo en un mismo punto al final de la obra, como
yo lo reflejo en mi adaptación del guión es que ellas pretenden ser inmortales con su obra, es decir: “nosotras vamos a morir pero la poesía nos hará inmortales” y de hecho es así porque "Tres poemas de mujer" es la búsqueda de la inmortalidad, si no hubiese existido la poesía de estas tres poetisas no hubiera existido una memoria de ellas en obras o en libros biográficos. Creo que la literatura provoca eso, provoca que se reflejen grandes personajes de la historia y ese también sería una especie de resumen de la obra, que va más allá de la historia de ellas tres. Estos personajes van más allá del materialismo, nos morimos pero “en realidad los que están más muertos que nosotros son los que no crean arte” y creo que esa frase sirve para definir muy bien el carácter de la obra. Y yo en su momento estaré encantado a de invitaros a ver la obra y a que veáis una escenografía que, sin ser tan estrambótica, remarca muy bien lo que las tres poetisas querían transmitir en sus poesías.

MC: Y ¿cómo ha ido la gira por Latinoamérica buscando financiación para tus proyectos?

J.C: Hombre, buscando tampoco. Desde luego yo no haría diez horas de viaje en avión sin tener nada concreto. Da un poco de miedo. He viajado el año pasado a Amsterdam, Venecia, Praga, Polonia, he ido también a la India pero nunca había atravesado el Atlántico y nunca me había parado a pensar que sería como si estuviera dando la vuelta al mundo, como Willy Fog (risas). Es sorprendente, es grandioso, porque yo creo que uno nunca se piensa que vaya a encontrar lo que yo pude encontrar allí y lo que encontré, muy a mi pesar por mi tierra, fue las posibilidades de la industria que aquí no encuentro, allí yo tenía unas reuniones previas, otras las conseguí a través de algunos contactos que tenía previos, pero realmente, cuando llegué a América me abrieron las puertas y pude presentarles muchos proyectos, no solo "El vínculo", llevé dos o tres guiones de comedias, un par de terror, una o dos de acción, es decir, que llevé varios proyectos y estuvimos hablando de grandes producciones porque son películas importantes que requieren un gran trabajador; aquí en España estuve hablando con un compañero de la profesión, un gran profesional de modelaje para cine, y me dijo algo que me gustó; me dijo que en España hay muchas ganas de hacer cosas en cuanto al cine, al arte. Eso hace que estemos, creo yo, como años atrasados en cine. No quiero desprestigiar a nadie porque hacer una película conlleva mucho trabajo y mucha ilusión, pero hay películas cuya fotografía parece estar ausente y eso me impresiona. En Latinoamérica me he encontrado con mucho trabajo y he venido a España con mucho más trabajo aun, con grandes metas y casi sin tiempo para realizarlas. Trabajando por la noche hasta las seis de la mañana, día sí y día también; entonces yo creo que en definitiva se trata de mejorar en la medida de lo posible, porque todos estamos en el mismo barco, todos podemos beneficiarnos en gran medida si trabajamos más allá de nuestra tierra. Pienso que el cine es un arte mundial que requiere que se eliminen las barreras o el patriotismo, el cine debe transmitir el enfoque de las vivencias del director, juntos con los actores que luego
vuelcan en sus personajes esa realidad. En México me he reunido con grandes empresas de televisión, en República Dominicana me he reunido tanto con empresas de televisión como de cine y ha sido muy gratificante, podría decir que Latinoamérica es la tierra para el nuevo artista, porque allí se fomenta mucho el arte en general dentro de un concepto empresarial.

MC: He leído que estuviste en México en el I Certamen de cine internacional Vitascope. ¿Cómo fue esa experiencia?
J.C: Fantástica. Estuve arropado por ellos desde el primer momento, ya habíamos mantenido conversaciones desde mucho antes y estaban interesados en que fuera porque les interesaba el proyecto en el que estaba involucrado. Era su primera edición como certamen internacional por lo que les doy mi enhorabuena. Han sido muy profesionales y ha sido un evento muy interesante, van haber más eventos por lo que tengo entendido y estaré allí apoyándoles. De hecho, puede que lo esté de una manera más especial en un futuro. Durante estos nueve años me he desarrollado dentro de la industria y también creo que la juventud que me caracteriza me ha ayudado en esa época de aprendizaje que ahora espero dejar atrás, en una nueva etapa ya como profesional y empezar proyectos que son muy interesantes para muchas productoras. Vitascope pues, como te digo, me pareció un evento muy necesario, que no es por desmerecer a festivales europeos o españoles, aquí tenemos San Sebastián, Sitges, Cannes que yo creo que se fomenta mucho el cine pero que al final no se apuesta por él, por eso en el Vitascope además de fomentar el cine también se apuesta por él, de hecho allí llevaron a Amat Escalante que fue galardonado en el festival de Cannes, un profesional de los pies a la cabeza y para mí fue un lujo poder compartir la experiencia con ellos. 

MC: Y para terminar, después de todas las reuniones y encuentros que has tenido supongo que habrás sacado muchas cosas en claro ¿qué podemos esperar de Joaquín Calvo en los próximos meses?

J.C: Lo primero que se puede esperar de mi es un momento de desconexión en Agosto para poder disfrutar de mi y de mi tierra que amo y que tengo gente aquí que me quiere y quiero mucho. Y lo que se puede esperar pues es trabajo, estoy trabajando muchísimo con los guiones, ahora mismo estoy en la etapa de guionista. Mi viaje a América fue mi etapa de empresario que es lo que toca, un director muchas veces tiene que tener su etapa de empresario y ahora sí que estoy en mi etapa de guionista, pero muy pronto espero arrancar con proyectos de teatro e incluso proyectos de televisión y cine que tengo a la vista. He ido a Barcelona y he estado allí hablando con algunos contactos del sector televisivo y viendo proyectos. Ya en Latinoamérica están esperando que les mande mis primeros borradores de un par de guiones de películas, así que posiblemente se pueda ir viendo el trabajo que estoy realizando muy pronto. En principio no sé si en Septiembre ya estaré en Madrid con la obra de teatro, no sé, tengo varios destinos de interés profesional como Atenas, Marbella, Madrid por supuesto, Cantabria, mi vuelta a República Dominicana y luego pues también a Nueva York posiblemente y puede ser que a Los Ángeles. Así que por el momento estoy en Agosto en mi tierra, descansando porque yo no sé cómo voy a plantearme todo esto, no tengo nada en claro de cual va a ser el primer proyecto que se va anteponer a los demás. La incertidumbre de la producción no te deja saber qué proyecto va por delante de otro, pero eso forma parte de la vivencia del arte y del cine en particular que es a lo que me dedico yo. Por el momento me lo paso genial en este mundo con estos altibajos, con estas emociones, que de momento puedo disfrutar porque aún soy joven pero que con el paso del tiempo y con la edad pues ya veremos (ríe).

Crítica "EL ABUELO QUE SALTÓ POR LA VENTANA Y SE LARGÓ"

Tenía toda la pinta de ser la peli buenrrollera del verano y SORPRESA así es, un "Forrest Gump" sueco con aires de realismo mágico a lo Jean Pierre Jeunet, muy bien, todo muy bonito pero inofensivo.

"El abuelo que saltó por la ventana y se largó" a parte de tener un título eterno resulta mucho menos graciosa y loca de lo que se cree, que sí que algunas risas se sueltan pero no porque la película meta el dedo en la llaga en ningún momento. La historia de Allan Karlson tenía mucho más jugo del que le han sacado, un anciano de cien años que ha vivido los momentos más trascendentes del último siglo y que ha pasado por todos ellos, según la película de puntillas y sin molestar, porque eso es la película, tan inofensiva como un pezqueñín y tan preocupada por gustar a todo el mundo que pierde una oportunidad de oro para ser una crónica cínica y divertida de los acontecimientos que marcaron el siglo XX.

El viejo Allan que paralelamente a los flashbacks sobre lo que ha sido su vida vive una aventura que huele a Barón Dandy y que no resulta nada interesante ni intrigante, inicia un viaje loco y senil en el que conoce a unos dispares personajes que le acompañan en sus aventuras y que solo sirven de entradilla a sus batallitas buenrrolleras, tan buenrrolleras como que Franco bailaba flamenco o que Stalin era un enfadica, en fin que se deja la mala leche en el cajón de los calcetines a favor de una historia facilona que gustará a todo el mundo por inofensiva y vacía.

Crítica "EL AMANECER DEL PLANETA DE LOS SIMIOS"

En uno de los momentos cumbre de esta epopeya épica uno de los simios aparece montado a caballo con dos metralletas en las manos disparando a cascoporro ¿cómo se llega a eso? pues descomponiendo el blockbuster de toda la vida y vitaminándolo para hacerlo más grande, más vistoso y más atontante, porque si una sensación provoca esta película es la de dejarte atontado con su pirotecnia excesiva que esconde un guión con huequecitos que sí, que complementa el viaje hacia "El planeta de los simios" de Heston pero no tanto como la primera parte, aquí se lleva la hostiaca y mola.

La historia, al menos en los primeros tres minutos va como un tiro, demasiado como un tiro, porque el tránsito de la anterior entrega a esta es tan interesante que bien se merecería una trilogía a parte, pero no es así, se lo saltan a la torera y se centran en una historia más convencional, que no molesta pero podrían ser simios igual que podrían ser ñues. El honor, la jerarquía militar, la familia, la venganza, la raza, la batalla, la épica, todos estos puntos en "El amanecer del planeta de los simios" están perfectamente desarrollados, el film funciona como un más que entretenido e interesante crescendo que estalla en una escena de acción que me dejó boquiabierto. El factor humano de la película pues son personajes de tinta gruesa que van de aquí para allá siguiendo los parámetros de sus estereotipados caracteres, tan solo un Gary Oldman recordando tiempos mejores (en plan: "una vez fui "Dracula"") buscando discursos emotivos, que podrían ser una mezcla entre los de Leónidas y un coach en plena motivación que quedan bien pero que el simio César resume en un "familia" y en un "humanos fuera" o sea que no tiene mucha profundidad.

Una película que atonta por saturación, por momentos emotivos entre simios, con escenas de acción espectaculares y con un CGI para el recuerdo (Oscar para Andy Serkis ya) con esa escena inicial en la que los simios persiguen a un grupo de ciervos, solo ese momento tiene más nervio que todo el cine de acción de los últimos diez años. Cojea con un guión demasiado predecible y típico pero triunfa caminando con paso firme en un ritmo y un sentido del espectáculo como no veía en muchos años.

Hoy arranca el FESTIVAL NITS DE CINEMA ORIENTAL DE VIC 2014

Por segundo año me muerdo las uñas de la rabia por perderme el Festival Nits de cinema oriental de Vic y no sabéis que esta edición además viene cargadita de títulos interesantes.

A continuación os paso un resumen de la programación porque a mí escribirlo me cuesta mucho y todo el rato me tengo que llevar las manos a la cabeza por perderme tanta película chula:

Unas Nits de cine
El Festival Nits de cinema oriental de Vic se prepara para comenzar una undécima edición, del 15 al 20 de julio, con nuevos alicientes pero con el mismo espíritu de siempre: acercar el cine asiático inédito a sus espectadores y ofrecer una pincelada de otras manifestaciones culturales del continente. Todo ello, apostando por la diversidad tanto en la oferta que se ofrece, como en el público que la recibe.
A todo esto, hay que añadir la función de mercado que ha activado el certamen en los últimos años, convirtiéndose en un punto de encuentro entre los productores y las distribuidoras españolas interesadas en adquirir filmes proyectados en la sección oficial del Festival Nits.

Y de repente, Filipinas
Filipinas es el país invitado del Festival Nits 2014 y parte de la programación se dedica a su cinematografía. El que fuera el tercer país productor de cine del mundo durante los setenta, vuelve a vivir una época de gran creatividad, no sólo en su reconocida vertiente de cine de autor y experimental, sino también en la producción y distribución de filmes mucho más populares, de géneros tan preciados por el gran público como la comedia, el terror o la acción.
En la jornada inaugural de las Nits se podrá ver una muestra de este nuevo cine filipino accesible y de calidad con títulos imprescindibles como los dramas Graceland y Kabisera, o una comedia evocadora como Blue Bustamante.
También habrá una mirada retrospectiva a la época dorada que mencionábamos, cuando las películas de serie B inundaban las salas. Veremos un filme de aquellos maravillosos años y dos documentales recientes que revisan y explican por qué Filipinas fue el centro del mundo cinematográfico más loco. Andrew Leavold, director del documental sobre el mítico Weng Weng, el actor más bajito del mundo (80cm), será a Vic para ofrecernos una nutritiva Master Class.

Nits de todos los colores
Como decíamos, la diversidad es la palabra que define esta edición del Festival Nits. Por países participantes, por géneros, por estilos y, sobre todo, porque hay propuestas para todo tipo de público.
Hong Kong tendrá un día entero -el viernes 18 de julio- dedicado a su cine, en el que destacarán la acción y el terror con títulos como The White Storm, Once Upon a Time in Shanghai, la reconocida Unbeatable o la saga de historias de terror Tales from the Dark I y II.
Desde la India llegan cuatro títulos que muestran su fructífera variedad cinematográfica: el film más taquillero de la historia del país, Dhoom 3; la delicada Lootera; i los filmes de acción D-Day o BCN Knockout!, una producción rodada mayoritariamente en Barcelona que supondrá una de las sorpresas del festival.
Las Nits han llevado varias veces a Vic el cine chino de éxito que se escapa de la doctrina de su gobierno. En este caso disfrutaremos de la intriga judicial Silent Witness y del film familiar Fake Fiction, una pequeña joya que presentarán en Vic su director y uno de los actores protagonistas.
Japón también tiene una buena representación en el certamen con la nueva comedia del director de Afro Tanaka, Daily Lives of the High School Boys; las extremas y divertidas Gun Caliber (premiere mundial en las Nits!) y Gothic Lolita Battle Bear; y piezas de anime para fans como Berserk III o Buda 2: Camino a la iluminación.
Corea del Sur nos descubrirá uno de los thrillers del año, Cold Eyes, y una cinta de animación que encanta allá donde va, Lifi, una gallina tocada del ala. Tailandia estará representada con la mezcla de terror y humor de Pee Mak, Malasia con la segunda parte de KL Gangster y Taiwán con la sencilla y cautivadora A time in Quchi. Singapur es este año el país debutante en el festival y lo hará con el biopic musical That girl in Pinafore.
También habrá matinales infantiles y las sesiones grindhouse, donde se podrán ver películas de culto hace tres décadas en su formato original. En total, 33 películas repartidas entre la Bassa dels Hermanos, el Cinema Vigatà y el Espacio ETC. Entre ellas hay una premiere mundial y algunas premieres internacionales y europeas.

Crítica "OPEN WINDOWS" Abriendo ventanas y horizontes cinematográficos.

Decir que entré a ver la nueva película de Nacho Vigalondo con una sonrisa de oreja a oreja es evidente, ya que soy un gran Vigalonder, pero salir de verla con la misma sonrisa es algo de lo que me alegro.

El creador de "Los cronocrímenes" y "Extraterrestre" se mete aquí de lleno en el thriller más enrevesado y espectacular. Rodada de una manera muy innovadora, estamos viéndola desde la pantalla de un ordenador con ventanas que se abren frente a nosotros y en ellas se va desarrollando la trama, es algo que no se había hecho antes y a Vigalondo esa forma de rodar le ha venido de maravilla porque le ha salido una jugada casi redonda, sí casi.

Sería un delito desvelar algo de un argumento tan intrigante y por eso no voy a decir nada. La película camina con paso firme y seguro durante sus 100 minutos, un thriller firme y con un trabajo de guión muy elaborado hace que por momentos te olvides de la fragmentación en pantallas de la historia.

Un reparto sólido con unos Elijah Wood en su papel de poner cara de susto (como ya hiciera en "Grand piano") que tan bien le queda y que tanto aporta a la película; pero sobre todo una Sasha Grey espectacular, no me refiero al físico, porque para los que ya tengan la mano en el miembro les daré la noticia de que sí, enseña cacha, pero Sasha demuestra que es mucho más que eso marcándose un personajazo superbien construído. 

Y esto me duele, no porque sea una enorme pega sino porque no me gusta criticar el impecable trabajo de Vigalondo pero en el tramo final la película se pierde en giros argumentales que más que sorprender acaban haciéndose cansinos, no por poco sorprendentes sino porque subyace un poco de trampilla en la película al dar tantas vueltas a un final, por otro lado muy bien rodado.

Otra película de Vigalondo que me guardo dentro y que hace que este Nick Chambers y esta Jill Goodard ya formen parte de mi propio imaginario junto a Héctor 2 o Julia y Julio. Lo dicho que no os la podéis perder.

Crítica "TRANSCENDENCE" El quiero y no puedo tecnológico.

A finales de los 70 y durante gran parte de la década de los 80 nació un subgénero al que muchos denominaron como thriller tecnológico y que se resumía en la paranoia de que con un disquete de 8 bytes se podia dominar el mundo. Bueno pues han pasado casi 30 años de aquello y ahora aparece esta "Transcendence" en nuestras carteleras con el propósito de rememorar aquel subgénero llevándolo al siguiente escalón de la paranoia tecnológica: la inteligencia artificial, que sí, que ya se ha hablado mucho de esto pero esta película se plantea la idea del superhombre tecnológico y fracasa estrepitósamente en su intento.
La película se puede dividir en dos partes: una primera muy interesante en la que se plantean preguntas y teorías sobre las que se podría mantener un film durante 2 horas sin aburrir ni caer en el ridículo, bien pues esa parte dura 40 minutos. luego esta la segunda parte, en la que al film simplemente se le va la olla y fallece por sobresaturación de pretensiones. La historia gira en torno al personaje de Johnny Depp, un científico/informático y su fiel esposa que lo sigue con una pasmosa ceguera, ambos, debido a acontecimientos (al menos en mi opinión) superficiales e irrelevantes y que solo sirven para el personaje de Depp se conecte a la red y se convierta en un dios tecnológico (no al estilo Steve Jobs) pudiendo asi curar la ceguera y haciendo andar a los paralíticos, suena absurdo... Lo es.
La trama en lineas generales es esta, un interesante punto de partida que tira por el camino equivocado para convertirse en otro rollo de ciencia ficción de saldo con una más que interesante historia de amor que muere por cansina. Si a todo el despropósito le añades unos desganados Johnny Depp y Morgan Freeman con unos estereotipados Paul Bettany y Cillian Murphy pues tienes el cóctel perfecto para una siesta deliciosa.
En fin, un quiero y no puedo que se toma demasiado en serio para ser una expansión de aquellas divertidas pelis ochenteras en las que con un disquete se podia dominar el mundo.

"ERASERHEAD" David Lynch en plan kamikaze en mi puta cabeza.

Pocas cosas se pueden decir a estas alturas de la vida sobre "Eraserhead" que no se haya dicho ya y posiblemente lo que escriba ahora lo habréis leído en otros artículos mucho mejores que este, así que lo mejor que puedo hacer para llamar vuestra atención es meter un taco en el título del post (risa maligna).

La historia de Henry Spencer me apasionó, nunca había tenido el placer de disfrutar de esta película, se podría decir que el destino nos separó durante muchos años, como esperando el momento adecuado para unirnos en el universo y que yo me derrita de gusto con ella. El debut en el largometraje del gran David Lynch es sin duda la GRAN declaración de intenciones que un director puede poner sobre la mesa. Un hombre con pesadillas horribles, una novia neurótica, un hijo feto monstruoso y lo que posiblemente será la mejor escena de la carrera de Lynch y una de las mejores de la historia del cine, sí me refiero a cuando Spencer pierde la cabeza, un niño la encuentra y la lleva a una empresa en que la convierten en gomas de borrar para lápices, eso es la belleza del cine.

Creo que nunca una película me había mantenido tan pegado al asiento como esta, me impresiona su fotografía, lo parco de la producción y como con ese escaso presupuesto Lynch da a luz un film único e irrepetible que servirá como antesala a las pesadillas que nos presentará en sus futuros filmes y que tiene una fuerza arrolladora para dejarte la cabeza jodida durante mucho tiempo. Bien por Lynch (nunca pensé que diría esto de verdad, sin ironía).

Entrevista a FRANCISCO AVIZANDA director de "SAPOS Y CULEBRAS"

El pasado día 19 de Junio se estrenó la nueva película de Francisco Avizanda "Sapos y culebras" en la que se trata el tema de la crisis y perderlo todo desde el punto de vista de su protagonista interpretada por Ariadna Cabrol.

Microcríticas: Hola Francisco, para empezar ¿de qué va "Sapos y culebras"?

Francisco Avizanda: Rebeca ha perdido a su padre y por tanto al que le pagaba las facturas.  Pero entre las cosas que tenía su progenitor descubre algo a lo que puede sacar partido y que a lo mejor le permite volver a ser quien era.

MC: ¿Como hablas de la crisis en la película?


F.A: Desde el incómodo punto de vista de un personaje que es en parte víctima y causante de la crisis. Hay miles de Rebecas de clase media en nuestro país.

MC: ¿Como fue el trabajo con los actores?

 
F.A: Ensayamos a lo largo de cinco semanas. Intenso y siempre interesante. Con ellos empiezas a ver la película, ves aparecer los personajes.

MC: ¿Al ser tu segunda película ya no tienes ese miedo al debut, o si?

 

F.A: No. Pero tal vez porque es el segundo largometraje de ficción, no mi segunda película. Me gustaría que el público pasara un buen rato con ella. Se estrena pronto en la red, en Filmotech.

MC: ¿Qué reacciones esperas despertar en el publico cuando vea tu película?

 
F.A: Un poco de catarsis, esa pacífica colisión entre la película y la intimidad del espectador que tan saludable es y que lleva a la reflexión. Porque cuando se involucra uno en este tipo de tramas, cuando sigues a Rebeca y demás personajes con el cómplice temor a sufrir sus penurias, entiendes mejor que la cadena de decisiones que toman los personajes nos conducen a un destino incierto.

MC: ¿Crees que en plena crisis en este país, se puede vivir de hacer cine?

 
F.A: Muy difícil. Pero es que la cultura no vende, le da lo mismo a la administración a los medios de comunicación… y además tiene que ser gratuita, es decir, tiene que desaparecer. Llevamos años en una creciente analfabetización que ya nadie discute. Y el cine se resiente, claro.

MC: Y para terminar, ¿cuales son tus próximos proyectos?

F.A: Acompañar el estreno de la película en Francia y un largometraje.

Crítica "TOKAREV" Cage tan Cage como siempre.

Existe un momento en la vida de todos los actores en que deciden reinventarse y dar un giro a su carrera, hacen algo nuevo y rompen el encasillamiento al que tanto años han sido relegados, que lo hacen muy bien en su papel de siempre pero siempre hace el mismo papel. Pues eso no pasa con Nicolas Cage, él siempre hace de hombre torturado, en plan Liam Neeson pero sin talento, lo tuvo pero ahora solo lo tiene para peinarse. Nicolas Cage necesita de proyectos que potencien su principal baza: la exageración y el histrionismo que supura por cada poro de su piel y en esta "Tokarev" el español Paco Cabezas sabe sacarle ese jugo.

Una historia que podría encajarle muy bien al antes citado Neeson y sus Venganzas es lo que le pasa a Cage en este film: un hombre reformado al que su pasado le persigue en forma de mafia rusa y al que debe hacer frente. Nada nuevo bajo el sol. Pero Cabezas con una soltura espectacular sabe hacerla entretenida y hace que "lo mismo de siempre" no sea haga pesado ni huela, al menos no durante todo el metraje, a ya visto.

Que sí, que es otro monumento al gigantesco ego de Nicolas Cage para que nos enseñe lo bien que se peina, que sí, pero por lo menos no es "Señales del futuro" ni "Bangkok dangerous". Esto es bastante más digno.

Hablando sobre OPEN WINDOWS con NACHO VIGALONDO.

El próximo Viernes llega a nuestras carteleras la última película de Nacho Vigalondo "Open windows" y Microcríticas hemos quedado para charlar con él sonre ella, sobre las últimas medidas del ministro Montoro y sobre hacer cine en este páis.

Microcríticas: Hola Nacho te voy a contar más o menos de que va a ir la entrevista, te voy a preguntar por la película, por Montoro...

Nacho Vigalondo: (se lleva las manos a la cabeza) Argh, Montoro...

Micro: Ya sabía yo que lo de Montoro.

N.V: (Ríe) No, realmente lo de Montoro no es que no te vaya a decir nada nuevo pero es que no hay nada nuevo que decir, lo más importante ya lo ha dicho Enrique Lavigne en un artículo

Micro: Sí, en El Mundo...

N.V: Sí. Yo creo que a veces existe una percepción inconsciente a un nivel casi animal en que prevalece la noción de que el cine es lo que está delante de la cámara: los actores, los efectos especiales, entonces la gente inconscientemente cree que los gastos del cine es la ampulosidad frente a la cámara y los sueldos de los actores, se quedan con lo que hay delante, pero si te esperas a los créditos es donde realmente sabes donde va el dinero de una película.

Micro: Hace poco oí que si ves los créditos de la última de X-Men ves los 15000 puestos de trabajo que habían creado.

N.V: Claro, los de X-Men o los de cualquier película española. Constantemente intentas luchas contra esa noción de que una película es lo que hay delante de la cámara, lo que ves que pasa. Pero bueno.

Micro: Bueno y ¿qué opinas? ¿cómo está el tema para hacer cine en este país ahora mismo?

N.V: Yo ahora mismo acabo de terminar esta película, esta promoción, bueno no la he terminado todavía; no sé si esta película se podría hacer hoy en día como está la cinematografía en España, sería muy complicado. Es evidente que he disfrutado de una inesperada vida internacional a través de mis películas con una dimensión internacional de mi trabajo puedo considerarme con un pie fuera, pero no es un consuelo que me relaje, ni que me colme, ni que me tranquilice, a mí me gustaría hacer una película al año aquí en España tranquilamente, pequeña, no necesariamente grande y ese sueño creo que a veces es complicado.

Micro: Entrando en materia, hablemos de "Open windows" ¿cómo nace la película?

N.V: Pues nace de una propuesta que me hicieron los productores, una película en la que estuviera todo el rato Internet en pantalla y yo les ofrecí una película que ocurría íntegramente dentro de un ordenador y a partir de ahí construir una historia que encajara con el formato de la película. No quise hacer otra película cuya historia puede contarse bajo otros parámetros.

Micro: Y ¿cómo transcurrió el rodaje?

N.V: Fue muy complicado, un jaleo. Había secuencias en las que habían grabando quince cámaras, habían secuencias que había que repetir para cambiar el ángulo de la cámara, había secuencias que había que repetir enteras porque toda ella era un plano subjetivo muy largo, había escenas que había que planificar con dos cámaras solamente; por ejemplo la secuencia de la persecución automovilística que tenemos en vez de cubirlo desde todos los ángulos posibles solo tenemos el ángulo frontal y el izquierdo con lo cual ya no solo tienes que coreografiar una secuencia así sino que además tienes que pensar que todo lo que salga en la escena que contenga expresividad solo puede venir desde delante o desde la izquierda.

Micro: Claro, porque rodar así te limita bastante.

N.V: Evidentemente.

Micro: ¿Fue fácil y agradable el trabajo con Elijah Wood y Sasha Grey?

N.V: Pues realmente como es rodar con un ser humano culaquiera, el hecho de que sean actores norteamericanos con un caché diferente o más alto que el mío no coarta la situación, no resulta nada traumático.

Micro: Las críticas en Estados Unidos la comparan con "La ventana indiscreta" de Hitchcock incluso opinan que es una obra neohitchockiana ¿qué opinas de eso?

N.V: Hombre, pues yo no lo he dicho, de hecho yo no lo diría. Suelo ser más discreto con mis influencias pero lo que sí que soy consciente es que tomo ciertas cosas de Hitchcock, precisamente por eso el hecho de coger ideas de Hitchcock ya hace que no sea una película de Hitchcock porque Hitchcock no tomaba cosas de Hitchcock. No es que no haya dicho esa frase es que tampoco la hubiese usado en la promoción. Pero bueno yo ahí no pinto nada, eso son cosas de marketing.

Micro: Tengo una curiosidad y es que en "Los cronocrímenes" el personaje de Karra Elejalde y el de su mujer terminan la película sentados en unas hamacas mirando al horizonte y en "Extraterrestre" el personaje de Julián Villagran y el de Miguel Noguera terminan la película sentados en unas sillas de playa mirando al horizonte...

N.V: ¿Me estás preguntando si termina igual esta?

Micro: Sí.

N.V: ¿Me estás pidiendo spoilers antes de estrenar la película? (Ríe) Venga, te lo voy a decir, no hay dos hamacas pero el espíritu permanece ahí.

Micro: Y para terminar ¿qué proyectos tienes para el futuro?

N.V: Pues nada, tengo un guión escrito y presentado, estoy escribiendo, estoy leyendo, a ver que sucede, no hay nada concretado todavía, pero bueno yo voy a intentar poner algo en marcha antes que termine el año. No quiero tomarme un año sabático, ni siquiera quiero tomarme un día sabático.

Micro: Y el proyecto con Mark Millar "Supercrooks"...

N.V: Bueno, pues depende de muchas cosas, entre otra de ver como funciona "Open windows", así que si tenéis muchas ganas de que haga "Supercrooks" id a ver "Open Windows".

Y muchas gracias al amigo Manuel López que se ha currado una fotos muy chulas.

Pues esta ha sido a entrevista con Nacho Vigalondo y nada mejor para terminar que un postercico chulo y un trailer molón molón para poner la guinda a esto:

El final de AÍDA

Primero fue Walter White y ahora es Aída García quien se despide de la tele forever, el símil la verdad que da cierta risilla pero la comparación es bastante resultona. Si "Breaking bad" era el serión de los sibaritas televisivos, "Aída" era el serión del populacho, de la gente de la calle y si bien al principio solo iba de Carmen Machi pegando gritos en las últimas temporadas los guiones habían aumentando de calidad considerablemente.

Como en las buenas series, al igual que en las buenas películas debe haber una boda sí o sí y aquí (ojo SPOILER) hay dos, la anunciada y la que todos deseábamos. Hay humor, hay cierres de tramas abiertas desde hacía años y hay emoción, porque otra cosa no pero esto huele a despedida desde el minuto 1 y no es hasta la aparición de Machi que la serie no explota en emotividad. Y eso me gusta, la verdad que gocé la despedida de Esperanza Sur, no solo porque la he seguido desde el inicio sino porque da cierta penilla despedirse de estos personajes a los que se les coge cierto cariño por lo bien construídos que están, más allá de la propia Aída del título personajes como Mauricio, Paz, Luisma, Mauricio, Soraya o incluso Machupichu han hecho las delicias de los espectadores y poco a poco han ido cuajando en la audiencia por estar muy bien definidos.

Pero (porque siempre hay algún pero) el cierre fue de manual, ni se rompieron la cabeza ni quisieron innovar, dieron las dosis justas de "lo que la gente espera" y nada más. Pero bueno, para una serie que nació de otra serie como era "7 vidas" y que ha sido tan longeva por su diversión desenfrenada es muy de agradecer que haya terminado en todo lo.

Yo echaré de menos "Aída" los domingos por la noche y frases como: "Claro, como el Luisma es tonto" o el "Turu, turu, turu" de Mauricio resonarán en mi mente aún durante un tiempo. Adiós.

Evento fin de temporada de EL BUNKER Z

Los amigos de El Bunker Z han lanzado una nota de prensa con motivo del evento que tendrá lugar el 27 de Junio en Fuenlabrada con motivo del final de la temporada. A mí me pilla un poco lejos, ya que estoy en Valencia pero los que estéis cerca no os lo podéis perder. A continuación os dejo la nota de prensa íntegra con toda la información:

NOTA DE PRENSA
EVENTO FIN DE TEMPORADA
El Bunker Z anuncia el Evento Fin de Temporada con invitados, entrevistas y sorteos en directo. Tendrá lugar el 27 de junio a las 17.39 en el Espacio Joven La Plaza (Fuenlabrada). Los invitados son Abel Murillo, Alberto Morán Roa y un tercer autor que se anunciará más adelante.

El Bunker Z termina su temporada y eso significa que, un año más, tiene lugar el evento-fiesta de Fin de Temporada, tradición iniciada el año pasado y que fue todo un éxito. Este año se celebra su segunda edición con nuevos invitados y en un nuevo espacio.

Tras varias semanas de trabajo, el evento va tomando forma y, entre las novedades de este año, contaremos con una sesión de firmas (Conoce a los autores) con los autores invitados. También, como forma de apoyar a los autores se abre la posibilidad de que, cualquier autor que quiera, pueda sentarse a firmar junto con los invitados. De esta forma, se ofrece la oportunidad de dar visibilidad a aquellos autores que quieran venir como público. La sesión de firmas tendrá lugar al finalizar el programa, a las 20.00.   

El Fin de Temporada es un evento interactivo. Los asistentes podrán participar en los sorteos y concursos que tengan lugar, además de poder realizar preguntas a los autores durante las entrevistas.  El público es uno más durante toda la tarde.

La organización corre a cargo de El Bunker Z, con la inestimable ayuda de Abel Murillo (El Legado de la Profecía) y el Ayuntamiento de Fuenlabrada, que están aportando lo necesario para que este eventos sea todo un éxito.

Importantísima también la aportación de las editoriales, que ejercen de patrocinadoras y que están aportando material para la realización de los sorteos. Muchas gracias a todas ellas.

LA CULPA, UN SENTIMIENTO MUY CINEMATOGRÁFICO.

Dice la Wikipedia acerca de la culpa: "voluntaria omisión de diligencia en calcular las consecuencias posibles y previsibles del propio hecho" y creo que las dos películas que voy a poner como ejemplo sobre la culpa como subgénero cinematográfico no pueden ser más cercanas a esta definición. En este post voy analizar dos films muy relevantes sobre la culpa y el sentimiento de culpabilidad, visto desde dos prismas diferentes pero que acaban confluyendo en un mismo punto: la culpa como explosión de las tramas y derrumbamiento de quienes la llevan a cuestas. 

Las películas son "Muerte de un ciclista" de Juan Antonio Bardem y "La soga" de Alfred Hitchcock dos ejemplos sobre la culpa cinematográfica que pienso desmenuzar como el señor Bretodeau hacía con su pollo en "Amelie" una película que no viene a cuento para nada aquí pero que siempre da gustico mencionar.

EL CRIMEN.

En el film de 1948 de Alfred Hitchcock, dos estudiantes perpetran lo que para ellos es "el crimen perfecto" y no se esconden a la hora de dejar al cadáver escondido en un arcón sobre el que sirven la cena, hasta ahí todo bien. La culpa está presente en uno de ellos que en los primeros momentos consigue frenarla mientras los invitados a dicha cena van llegando, pero no es hasta la aparición del astuto profesor de infancia de los protagonistas y criminólogo interpretado por un soberbio James Stewart que estalla la culpa en todo su esplendor, pero ese tema pertenece a otro punto.
En la película de Juan Antonio Bardem del año 1955, Alberto Closas interpreta a un profesor de universidad que, durante un fin de semana romántico con su amante, una dama de la alta burguesía casada con un hombre importante en la sociedad, atropellan a un ciclista que pasaba por allí. El miedo a ser descubiertos despierta la culpa en el primer acto en ambos personajes, en el caso de la amante interpretada por Lucía Bosé por miedo a perder el estatus y el rango social al que pertenece no solo por el crimen sino por la infidelidad y en el caso del profesor la culpa se limita al hecho del crimen, el atropello al susodicho ciclista del título. El detonante que hará estallar la chispa de la culpa vendrá dada por un amigo experto en arte de la pareja del personaje de Lucía Bosé que sabe algo que puede desmontar la historia de los dos amantes.

Puntos de partida muy diferentes pero que incluyen un crimen, en un caso voluntario y en otro involuntario que cambiará para siempre la vida de los protagonistas.


EL DETONANTE.

Volvamos por un instante a la definición de Wikipedia de la culpa: habla sobre la voluntaria omisión al calcular las consecuencias de un hecho y en estas dos películas no puede estar más claro que los actos pueden tener consecuencias horribles e inesperadas si no están perfectamente planificados.
Los protagonista de "La soga" pensaban que habían cometido "el crimen perfecto" y que nunca los pillarían, error y además gordo, el crimen perfecto es aquel que no se comete, una vez que lo has cometido, por muy bien que creas que lo has hecho puedes estar seguro que algún cabo se quedará sin atar y aunque los cabos queden bien atados será nuestra protagonista: la culpa, la que delate a los criminales. Y la culpa viene dada por un detonante, en el caso de los estudiantes universitarios el detonante es el personaje de James Stewart que tensa la cuerda durante todo el metraje para al final confesar que sabe toda la historia, que los nervios y la culpabilidad los delatan, incluso aunque tengan la sangre fría de esconder el cadáver en el arcón sobre el que se sirva la cena, pensando así que nadie lo encontraría, al ser tan evidente. 
En "Muerte de un ciclista" es el amigo del marido de Lucía Bosé el que funciona como detonante de los sentimientos de los protagonistas, durante la película suelta pildoritas sobre un dato que conoce, dato que Closas y Bosé relacionan inmediatamente con la muerte del ciclista. La película avanza y la tensión crece, el personaje de Alberto Closas empieza a estar cada vez más nervioso y a tomar decisiones erroneas en su trabajo, como la de suspender a una alumna que le acarrea grandes problemas durante el film; mientras que el personaje de Lucía Bosé lucha por permanecer entre los altos estamentos de la burguesía y esconder el crimen. Hasta que se descubre el pastel: el amigo del marido no sabe nada del crimen, solo conoce la relación entre ellos y amenaza con contarla al marido ¿Un suspiro de alivio que llega demasiado tarde?


LAS CONSECUENCIAS.

Al final todos se derrumban, la culpa es implacable y ataca a los culpables sin piedad. En el caso de "La soga" los protagonistas se derrumban ante la revisión de los hechos que realiza el personaje de James Stewart, comprenden que les han pillado y tras un monólogo antológico Stewart concluye en entregar a los protagonistas a la policía. Un final cruel pero justo para estos insolentes que se creyeron unas eminencias del crimen pero que hicieron de su altivez su mayor error.
Y en "Muerte de un ciclista" la culpa puede con los protagonistas hasta la muerte (disculpad el...SPOILER) pero si hablamos de consecuencias de la culpabilidad no se puede omitir el final de este film. El profesor decide contarlo todo a la policía porque ya no puede más, así se lo hace saber a la dama aburguesada y esta no reacciona muy bien, planea un crimen en el mismo sitio en el que ocurrió el primero e involutario y así ocurre, el profesor interpretado por Alberto Closas muere atropellado por la hija de la burguesía Lucía Bosé que huye en la noche y que, al esquivar a un ciclista (a veces el destino es divertido, justo y cruel al mismo tiempo) encuentra la muerte al caer por un puente. 

Y nada mejor para despedirme que hacerlo recordando la escena final de la película de Bardem: un ciclista interpretado por Manuel Alexandre, al ver que la dama burguesa ha muerto por su culpa decide esconder el crimen involuntario que él mismo ha provocado y huir con su bicicleta, a la espera de que la culpa lo destroce por dentro como el buen círculo vicioso que es la vida.