MEN IN BLACK 3

Los Men in black han vuelto ¿mejorando lo que era la saga hasta ese momento? Pues la verdad es que lo tenían fácil. Este film recupera el espíritu gamberro de la primera parte, sin ser aquella película de referencia pero para ser otra secuela la verdad que da ejemplo.

Al principio de los tiempos, allá por 1997 se estrenó una película de ciencia ficción con Will Smith y Tommy Lee Jones que mezclaba a la perfección lo que viene siendo la sci fi antigua con una acción y unos efectos especiales modernísimos, de última tecnología; la idea, dirigida por Barry Sonnefield salió de maravilla, todo el mundo estaba encantado con el invento. Pero entonces llegó la secuela en el 2002, una película para el exclusivo lucimiento de Smith y su ego que por aquel entonces ya alcanzaba cotas bastante altas; ¿el film? una castaña, se perdió la chispa de la primera parte y lo que quedaba eran los efectos y la acción, además de una mala muy muy floja.

Pero ahora, con toda la crisis que hay llega esta tercera parte y no digo lo de la crisis por nada, Smith, que llevaba unos años desparecido con el director ese italiano haciendo dramones de telefilm de Antena 3 necesita volver a reconciliarse con la crítica, que le dio la espalda hace unos años con sus fiascos de lucmiento propio, ahora que su ego es más alto que él y más largo que El príncipe de Bel Air, la taquilla la tiene ganada porque a la gente cuando a Will Smith se le cae un moco o se tira un pedo todos corren como bobalicones a ver que hace, que tampoco culpo a la gente, el tío lo vende bien y por eso nos lava el cerebro. Pero bueno, a la peli que me voy del tema, es que me cae muy mal.

La película es una auténtica gozada, la verdad es que iba con las espectativas bastantes bajas, estaba convencido de que la fórmula ya se había terminado y que el film sería un blockbuster más de usar y tirar y no, mira tu por donde. Los hombres de negro han vuelto y Sonnefield nos de muestra que son humanos, que hay personas dentro de esos trajes, personas que se relacionan y que tienen unas vidas. Mola Barry, ahora sí que le has dado.

En la película J debe viajar a los 60 para salvar a K de un malote muy feo que lo va a matar. Sí, lo sé, tal vez el argumento tampoco esté desarrollado del todo, la peli es mucho más, pero dejad que me explique, no os quiero destripar nada. ¿Os acordáis cuando os he dicho que en la segunda parte desapareció la chispa? Pues aquí ha vuelto la chispa por partida doble, porque si Smith vuelve a molar mucho, Tommy Lee Jones y su homónimo sesentero interpretado por un genial Josh Brolin (¿Cómo lo hace para poner las mismas caras que Jones?) son la guinda del pastel, a parte de una trama muy inteligente, rodada con una soltura espectacular que nos muestra una época, unos personajes pero sobre todo nos muestra a dos hombres que se conocen más a fondo (sin mariconadas jeje) y que, como en el brillantísimo final se ve, están más que unidos.

También en esta secuela la saga recupera una seña de identidad muy suya, un malo con carisma, si la mala de la secuela anterior dejaba mucho que desear y su secuaz, un sosete Johnny Knoxville daba pena; aquí  el enemigo mola, aunque da cierto asquito en algunas escenas, mola, es parte de su encanto, tal vez no sea el malo de la primera (Azúcar, más! que mítico) que era impresionante, pero este también da el puntillo.

Y al final llegó el final y la última escena, simple como ella sola, dos hombres hablando en un bar, sería el punto final a una saga que ya ha hecho todo lo que tenía que hacer, en esta última escena, que redondearía al conjunto todo queda cerrado de maravilla y nos suelta, metafóricamente, en toda nuestra cara un: "Ya está, no hay nada má que explotar" que hace que todo el público lo entienda. Pues ya está.

7/10

MICROESPECIAL. SPACE BATTLESHIP YAMATO

Hablar de Space battleship Yamato no es solo hablar de un anime creado en la década de los sesenta, en pleno auge de la animación japonesa de robots y toda la pesca, hablar de esta serie y de su live action es hablar de space opera en estado puro, es hablar de la historia de un país, Japón, entregado por completo al fenómeno fan que despertó esta serie y que obligó a sus creadores a crear secuelas y secuelas para saciar el hambre de sus seguidores que eran reacios a creer que la aventura había terminado, fuck yeah!

Por eso, para hablaros de esta serie y de su live action no hay nada mejor que ponerme el Space Oditty de David Bowie, sentarme frente a los mandos de mí ordenador interespacial, apretar el botón de "velocidad de la luz" y que empiece el espectáculo.

SPACE BATTLESHIP YAMATO.  HISTORIA DEL ANIME QUE HIZO HISTORIA

La aventura espacial del Yamato empezó en el año 1974 de la mano de Leiji Matsumoto que, sin saberlo empezó una serie que cambiaría el rumbo del anime en Japón. La historia giraba en torno al acorazado espacial Yamato y su tripulación allá por el año 2199, los protagonistas Kodai y Mori, que protagonizaban una historia de amor que traspasaba la linea de la animación infantil, igual que los argumentos y las tramas de la serie que iban más allá de lo creado anteriormente por Osamu Tezuka y su Astroboy. Pues eso, que la serie iba sobre estos dos personajes y sus esfuerzos por salvar el mundo a los mandos del Yamato. Ahora, en pleno siglo XXI estos argumentos suenan a mil veces visto, pero el aire de space opera que despertaba aquella serie entusiasmó a la gente y caló tanto en los espectadores que cuando los primeros 26 episodios terminaron la gente reclamaba más y entonces Matsumoto decidió unir aquellos episodios en una película de 130 minutos llamada Adiós Acorazado espacial Yamato. Soldados del amor que causó tal impacto en la sociedad que fue el evento del año en Japón y la canción del opening se convirtió en un segundo himo nacional en el país y su cantante Isao Sasaki pasó a ser un ídolo. Aquello ocurrió entre los años 1975 y el 77.

Tal fue el exito que su creador y la cadena decidieron sacar una secuela de la serie con el nombre de Acorazado espacial Yamato 2 (originalidad al poder!) y que relataba más aventuras de la nave, esta secuela fue muy bien acogida entre la gente, aunque no tanto como la primera, pero gozó de mucho exito, en esta secuela Kodai y Mori morían estrellando su nave contra una nave enemiga para salvar el mundo, lo cual daba por terminada la serie.

Pero Matusmoto no vio el final y siguió creyendo en la gallina de los huevos de oro que había creado, así que en el año 1979 decide sacar un film sobre esta secuela de la serie llamada Acorazado espacial Yamato. El nuevo viaje, con mucho exito también.

Siguieron un par de secuelas más hasta que en el año 1981 Matsumoto y su compañero Yoshinobu Nishizaki empiezan a trabajar en la película que, de una vez por todas terminaría con el fenómeno Yamato realizando el film definitivo llamado Acorazado espacial Yamato. Capítulo final. Se estrenó en 1983 y fue un récord de audiencia que concluyó la serie para siempre.

SPACE BATTLESHIP YAMATO. EL LIVE ACTION SOBRE EL ANIME QUE HIZO HISTORIA

Y así llegamos al 2010, el año en que la creación de Leiji Matsumoto cobra vida con actores de carne y hueso en una película que recupera el espíritu de las space opera sesenteras, de las radionovelas repletas de aventura y tensión y todo ello con unos efectos especiales, quizá mejorables pero con la calidad suficiente que merece esta adaptación digna de la serie que adapta.

La película cuenta, basicamente la lucha final del Yamato, con Kodai y Mori como protagonistas y con esa última batalla por salvar la tierra como telón de fondo. Nos metemos de lleno en esta historia que gana más por los personajes que habitan la nave espacial que por las batallas que, aunque espectaculares no tienen la fuerza necesaria para agarrarme a la butaca y hacerme gozar.

No digo que el film no tenga fuerza, la película tiene una personalidad y un carisma a raudales cuando los personajes que integran la nave interactuan, las relaciones entre ellos, la historia de redención de Kodai, la historia de amor con Mori y la admiración que siente con el Capitán son escenas admirables, la épica que se respira en la parte final de la película es envidiable, pero cuando por fin llega la cacareada batalla no es más que hype barato, la batalla no es tan vibrante y me parece una mezcla entre la batalla de la Estrella de la muerte de Star wars y el juego Lylat wars de Nintendo 64 (¿os acordáis? con Fox Mc Cloud jeje, que gran personaje) y que no me llegan porque no las veo creíbles, porque aunque en el cine asiático se curren mucho la ambientación de sus live action es en las escenas de acción donde pinchan y se ven sus flaquezas económicas para llevar el film a buen puerto, pero aún así se agradece el esfuerzo y el Yamato surca con verdadera personalidad y fuerza para mantenrme atento a lo que ocurre en la pantalla gracias a unos personajes que, como en el anime tienen la fuerza suficiente para llevar este acorazado por el espacio librando batallas para siempre.


Bueno, pues el tema de Bowie llega a sus últimos acordes, el Yamato se desvanece en el horizonte y su figura se recorta en el amanecer sabiendo que ha hecho historia y que, por muchas batallas que libre, el Acorazado espacial Yamato siempre será el icono de una generación.

8'5/10

SITGES Z, EL CORTO

Escribo este post para que os enteréis de un proyecto muy chulo que está circulando por la red. Es un corto, se llama Sitges Z y es un homenaje al Festival de cine de Sitges del que sabéis que me considero un fan empedernido.

La historia gira en torno a Tak, un chico normal que acude cada año, como buen seguidor, al Festival de Sitges a ver sus pelis, a aprender en las masterclass y a disfrutar de todo lo que pueda. El problema surgirá cuando descubra que los zombies que se encuentra por el pueblo no están maquillados sino que son reales... chan, chan, chan!!!!! Jaleo fino!

Bueno, pues el corto aún no está hecho y estos chavales están buscando financiación para que se pueda hacer a través de Crowdfunding, esta es la dirección donde se encuentra toda la información: http://www.verkami.com/projects/2188-sitges-z miradla y si participáis en el proyecto gozaréis de multiples ventajas, como asistir al estreno, participar en el corto como actor y muchas otras cosas.

Pues ya sabéis, si queréis que esta historia tan gore y bizarra se haga realidad solo tenéis que participar en él con lo que podáis. Saludos.

SOMBRAS TENEBROSAS (DARK SHADOWS)

El Titular: Tim Burton es un marica. Porque sí, porque lo tenía todo para volver a lo que mejor conoce, a esos mundos góticos con tramas surrealistas y divertidas envueltas de una atmósfera tenebrosa; porque ya le toca reconciliarse con su público más fiel, al que no da un film realmente Burton desde hace más de una década; porque se le nota demasiado que no se atreve, que ve al toro en la plaza y no entra a matar; porque se preocupa más en agradar a todo el mundo que en crear un mundo que de verdad aguante dos horas de film y no se derrumbe. Por todo eso y por muchas más cosas que ahora relataré, Tim Burton es un marica.

Se nota que estoy echando espuma por la boca ¿verdad? es que lo de este hombre ya es algo personal, llevo ya unos años dándole una última oportunidad y siempre me camela para que vuelva a caer y me vuelva a engañar. Aunque en esta película el chasco no ha sido completo, la verdad es que en este caso Burton sí se tira a la plaza, sí que coge las banderillas, sí que se coloca frente a este morlaco de adaptación de la serie sesentera Dark Shadows pero cuando debe atacar se esconde detrás del burladero porque no se ve lo suficientemente capacitado; es curioso el caso de este hombre que después de casi 20 y muchos años dirigiendo sea ahora, en la madurez de su cine cuando más problemas tiene para llegar a la gente.

La película, hasta los veinte minutos finales nos devuelve al Burton más fresco, con diálogos chisposos, con personajes, tanto secundarios como el potente Barnabas Collins bastantes divertidos que nos hacen reconciliarnos con el Tim de siempre y nos vuelve hacer disfrutar de un cine de calidad durante aproximadamente 75 minutos, es verdad que algún exceso hay, que alguna escena no cuadra y que la relación de Collins con los miembros de la familia tarda bastante en empezar a cuajar y eso se nota en algunas densas escenas de presentación que resultan un tanto agotadoras.

Al ver esto el bueno de Tim saca pecho y se siente orgulloso de si mismo, por un momento olvida que hizo un remake de El planeta de los simios que hundió su carrera para siempre y que, desde entonces necesita ir a Oz a buscar la magia que perdió por venderse como un animal y perder su originalidad al servicio de un blockbuster veraniego que se comió una mierda y que no gustó a nadie; ahora Tim está pletórico y fruto de esa alta autoestima el tío va y se casca un final que rompe toda el ambiente del film, ese aire de comedia setentera con escenas bastante tronchantes como la de Depp con los hippies; las tira por la borda para gustar a todos.

Entonces nos regala un final más en la onda de los films ochenteros de Ivan Reitman pero sin el dominio de aquel hombre para los tempos en la comedia y la acción. Burton se desmelena, empieza a eliminar secundarios a tuti y se marca una pelea final repleta de insensateces (mucho, pero mucho mucho ojo a como Burton da la vuelta al personaje de Chloe Moretz porque sí, porque le sale de ahí) y demuestra por enésima vez que no controla sus films, que el guión de Grahame Smith es un completo desorden y que Burton no llega, no porque no pueda, si no porque no le sale de los cojones, porque tiene miedo y hasta que no se quite ese miedo no volverá a sorprendernos de nuevo.

6/10

INFILTRADOS EN CLASE

Cuanto han cambiado Judd Apatow y compañía el modo de hacer comedias en casi la última década, algunas para bien, otras reguleras y otras para mal. Con esta Infiltrados en clase nos encontramos ante una muestra de la mejor cara de este subgénero de cine de acción/colegueo/Apatowiano, demostrándonos que las buddy movies han vuelto para que nos partamos el culo bien a gusto.

En este film, que funciona sobre todo por un potentísimo guión y una pareja protagonista que lo hace de maravilla, la historia gira en torno a dos agentes de policía que deben infiltrarse en un instituto para encontrar a unos narcotraficantes que comercian con una nueva droga muy peligrosa. Como punto de partida se podría decir que el asunto ya huele, pero aquí aparece el ingenioso guión que entre chistes de tetas, culos, pollas y gags en ocasiones mejor resueltos y otros peor nos mete de lleno en la relación de amistad entre estos dos agentes y de segundas oportunidades, es mucho más profunda y adulta de lo que pueda parecer a simple vista. Y si antes decía lo de Apatow no era por nada, desde Virgen a los 40, las comedias en las que participa este hombre o los que llevan sus comedias a su terreno hacen de la amistad entre hombres y la madurez su seña de identidad, se puede contar de mil maneras pero la conclusión será siempre la misma.

Que la comedia es un terreno pantanoso en el que es muy difícil innovar y llegar a la gente, eso está claro; se necesitan de muchos factores para llegar a calar en el espectador y que cuando salgas del cine no te acuerdes de lo que acabas de ver. Este film quizá no sea la cima de la comedia mundial pero te hace pasar un rato más que agradable y si ya vas con tus colegas a verla recordarás durante mucho rato escenas como la que Jonah Hill le reza al Jesucristo coreano o la parte en la que los dos protagonistas se toman la peligrosa droga y los efectos que esta tiene en ellos. Es curioso la sorpresa que me he llevado con Channing Tatum, este actor, al que solo veía como una cara bonita me ha dejado blanco con su gran capacidad para la comedia, está claro que el parte la pana es Hill pero este actor es el sorpresón al hacer de típico chulo de instituto que, en su vuelta al centro se ve obligado a convivir con los frikis y sus escenas son, sin duda las más divertidas del film.

Pero si alguien merece una mención aparte es Jonah Hill, este chaval, al que descubrí en Supersalidos, como todos básicamente, tiene un potencial espectacular para la comedia, solo con verlo callado ya da risa, pero cuando empieza a hablar y a gesticular como un  loco es el remate final. Este actor es una verdadera seña del cine de Apatow y su mundo y aquí aplica todo lo aprendido como fracasado que pasa de ser un friki a ser el chico más popular en su segunda oportunidad de volver a estudiar. Esta situación pondrá en jaque la amistad entre los protagonistas y el caso en el que trabajan y entre escena de acción que viene y tiroteo que va el film soluciona todos estos problemas y nos hace ver, como la mayoría de comedias de una década para aquí, que la amistad entre hombres es algo muy bonito y muy serio.

Postdata: ¡Ojo! al cameazo final muy relacionado con la serie de televisión ochentera en la que se basa el film.

7/10

INFILTRADOS EN CLASE

UN LUGAR DONDE QUEDARSE (THIS MUST BE THE PLACE)

Sean Penn, Frances Mc Dormand, nazismo, estrella del rock venida a menos, viaje interior, madurez, redención, Paolo Sorrentino. Como suma suena de maravilla, como película funciona durante cuarenta y cinco minutos para caer luego en una densa redundancia de situaciones que este director, un verdadero portento natural, no sabe (o no le apetece) controlar porque se siente como en un deja vú.

El rollo de la peli es este: Sean Penn, una estrella del rock venida a menos, casado con Frances Mc Dormand y amargado con la vida, recibe un día una llamada de teléfono en la que le comunican que su padre ha muerto y entonces el señor Cheyenne (que así se llama el personaje de Penn) se va a buscar a un nazi que torturó a su padre en un campo de concentración en Austwichz porque sí. Punto y final. La trama a grandes rasgos es esto y nada más, pero esto le sirve a Sorrentino para mostrarnos la vida de un rockero retirado, la soledad del músico, el camino hacia la madurez, dejar atrás el niño interior que todos llevamos dentro y toda la ostia. Para todo esto el director de Il divo utiliza casi dos horas, para contarnos que un hombre está deprimido, pero si eso lo vemos durante media fucking hora al principio del film hasta que la trama empieza andar un poco. No me estoy quejando de que sea un film lento, solo me quejo de que tarda mucho en arrancar y que cuando lo hace no es tan jodidamente profunda como se supone que debería ser.

Estaréis de acuerdo conmigo en que Paolo Sorrentino es un gran director, un hombre que domina el tempo narrativo como dios, que sabe hasta donde debe llegar una escena para que sea perfecta, domina de maravilla las historias que elige para sus películas y sobre todo es un gran director (por no decir el mejor) de personajes, para ser más exactos, es un hombre que ama a sus protagonistas: el de Las consecuencias del amor era brillante y se tiraba casi media hora presentándolo, pero era diferente a este film, allí lo que le pasaba al prota molaba, entretenía; luego, en Il divo, todo el film era una crónica ácida y directa a Giulio Andreotti, pero el personaje estaba tan bien dibujado que te lo creías, además de la interpretación de Toni Servillo que era impresionante e impecable en los dos films. Pero aquí algo falla, poner al servicio de un protagonista tan débil como el Cheyenne que interpreta un pasadísimo de vueltas Sean Penn (que me recordó más al Penn de Yo soy Sam que al de Pena de muerte) no tiene la suficiente garra ni la fuerza necesaria para atraparme ni un segundo de la película.

Y luego, el gran fallo de Sorrentino en este film es algo que he alabado antes de este director: su tempo narrativo, la película está mal planificada desde el minuto uno y eso se nota en el transcurso del film. Lo que debería durar más tiempo, como la búsqueda interior de Penn es anulado y puesto al servicio de unos más que flojos secundarios, como el caza-nazis o la chica con el niño que le pide a Penn que toque la guitarra; sus tramas no me interesan y no dejan avanzar a Cheyenne que sobre mitad del film se estanca y solo reaparece en el tramo final para demostrarnos cuanto ha madurado. Luego tiene aciertos, como la primera parte del film, los travellings que se marca el amigo Sorrentino son envidiables, ejemplar y de escuela de cine es el que se marca en el concierto de David Byrne que deja en bragas al resto del film; o el personaje de la Mc Dormand que, aunque breve es brillante, tanto el personaje en si mismo, como la señora Frances que hace un trabajo espléndido, como siempre. Poco más que añadir, unos paisajes y una fotografía resultona que no esconden los grandes agujeros tanto interpretativos como narrativos de este film. Paolo, te lo paso por ser tu, pero espabila.

5'5/10

LOS DIARIOS DEL RON

Johnny Depp ha vuelto, esta vez sin las trapos de Jack Sparrow y sin dos toneladas de maquillaje a las órdenes de Tim Burton. Esta vez Depp ha vuelto con un proyecto personal que le ha dedicado a su amigo fallecido Hunter S. Thompson autor de la novela sobre las vivencias del periodista "Bonzo" Paul Kemp que da nombre al film ¿Etílica? sí, pero no demasiado.

Los diarios del ron debía ser la película perfecta para recuperar aquel espíritu gamberro y distorsionado de la muy brillante Miedo y asco en Las Vegas (también con Depp) en Puerto Rico, pero lo que le ha salido a su director Bruce Robinson es un film con muchos frentes abiertos que no ha sabido cerrar y que intenta contarnos con más o menos acierto las historias etílicas de este tipo, el tal Kemp en mitad de un clima de revolución en mitad de esta isla caribeña durante los sesenta.

En el film hay mucho de todo, hay revolución, como he dicho antes, hay un periódico apunto de irse a la quiebra, con un más que brillante Richard Jenkins como director; hay tramas inmobiliarias, con Aaron Eckhart interpretando un personaje oscuro y sucio sacado de los mejores culebrones venezolanos y hay también en la película una historia de amor que funciona a trompicones entre Depp y Amber Heard que ejerce aquí de mujer florero a más no poder. Como os decía hay mucho de todo, muchos puntos de interés que podrían hacer de Los diarios del ron una película muy potente y que acaba desinflándose rápido cuando Robinson se empeña en meternos por los ojos cuanto bebe Depp y lo mal que le sienta. Es un film en contra del alcohol, eso está claro, pero es también un biopic un tanto edulcorado sobre un hombre que era mucho más arriesgado y aventurero de lo que sale en el film, rones aparte.

Y no es porque Johnny Depp no lo interprete a la perfección, por una vez este actor aparca sus exagerados gestos y su obsesión por la sobreactuación y nos ofrece una actuación contenida que le va que ni pintada a este Kemp descafeinado que no muestra del todo lo grande que era este tío. Funcionan también de maravilla algunos de los muchos secundarios que habitan esta película/resumen (la llamaré así porque en esencia eso es lo que es) entre ellos destacan el amigo fotógrafo de Kemp que actúa como un Pepito Grillo, una pequeña voz en su conciencia que le invita a beber en exceso pero que la mismo tiempo le avisa de los riesgos que conlleva esa "amistad" con el personaje de Eckhart; también destaca, como he dicho el gran Richard Jenkins que, aunque aquí su personaje se limite a pegar cuatro gritos y a expresar su opinión sobre la situación de la isla, como todos, está a la altura y dota de una personalidad, entre ridícula y temible a este director de periódico no muy bien dibujado pero genialmente interpretado. Pero si hay un secundario que da la talla y sobrepasa a todos los demás ese es Giovanni Ribisi, con ese aspecto "cripy" total, puesto de todo hasta las cejas es casi el vivo reflejo del propio Depp en la película de Terry Gilliam que he mencionado antes.

Pues bueno, si la peli funciona bien con estos ingredientes, unos mejores y otros un tanto agrios, en la parte final todo se va al garete y la película pierde todo su cinismo azucarado y su ambiente más o menos canalla ofreciéndonos a un Kemp mucho menos etílico, con unos principios a los que hacer justicia que no cuadran con su actitud durante el resto del film. Los secundarios desparecen de un plumazo y al final solo quedan Depp y sus dos fieles escuderos que intentan salvar el barco con escenas bastantes ridículas (el momento del brujo sobre todo) que no dan la talla y hacen que el film, en su punto álgido no llegue y no sea esa gran radiografía de una época y el señor que la marcó y acabe siendo una redacción de alumno de primero de bachillerato.

6/10

BLANCANIEVES (MIRROR MIRROR)

Cejas, guardad este concepto en vuestras cabecitas locas. Tarsem Singh, el único director de todos al que llaman visionario que de verdad me lo parece, ha dado la vuelta por completo al clásico cuento de Blancanieves y... Fuck yeah! Mola.

Si el director indio domina algo es la dirección artística, sus películas son hermosas de ver aunque a veces no sean tan gozosas de oír, pero siempre cumple en lo visual y si bien aquí se le ve un poco contenido y ceñido a la historia, en ocasiones también le salen esos arrebatos de explosión de tarta de fresa con unicornios dentro y en esos momentos, cuando el ritmo del film decae un poco él nos despierta con un golpe de color impresionante.

Pero aquí la historia también es interesante. Siempre se intenta dar la vuelta a algo que ya existe envolviéndolo en un papel de colorines muy vistosos para que el populacho pasemos por caja y los productores y guionistas con cerebros vacíos se llenen los bolsillos. Pero aquí no (del todo), ya que el film, reinvéntandose a si mismo no se hace la picha un lío, hace a la Reina malvada (Julia Roberts) la verdadera alma mater de esta bacanal de locura y desenfreno que en ocasiones es absurda como ella sola y es en esos momentos cuando la película nos demuestra que tiene la suficiente personalidad como dominar esta historia sin irse por las ramas.

Si bien he dicho antes que Tarsem estaba aquí un poco más contenido que en films anteriores suyos como The fall o Inmortals, donde parecía una puta loca desmelenada con sus piruetas visuales y su pamplinería barata, aquí es expresionista, como siempre a ratos, él sabe que su puesta en escena llama a la gente y aquí la pone al servicio de la historia que le indica en cada momento hasta donde debe llegar la locura visual; en la parte del castillo de la Reina todo es muy colorido, el bosque un poco más oscuro, la cabaña que representa estar dentro del "Espejito, espejito mágico..." es oscuridad ya que es el espejito el que le dice a la Reina lo que no quiere oír; por eso Tarsem mola, porque solo con una escena (cien por cien digitalizada, eso sí) nos presenta a un personaje y nos traslada a su mundo.

Y ahora volvamos al concepto del principio de la crítica: Cejas. Si miráis con atención, o sin atención la foto de arriba veréis que algo destaca en la foto más allá de la capucha amarilla; algo hay que eclipsa la visión de Lily Collins; algo, algo que no acabo de tener claro, a no ser que sean esas dos torres de Mordor que lleva tumbadas sobre sus ojos. La chica no es mala actriz, en ocasiones se da un aire muy enternecedor a Audrey Hepburn y su Blancanieves es potente, valiente y guerrera; pero esos dos gatos acostados que se gasta la amiga la hacen perder toda la gracía. Aunque si yo fuese el hijo de Phil Collins probablemente me dejaría crecer las cejas hasta que me taparan toda la cara para que nadie supiese que soy hijo de ese hombre, buf! se me pone la carne de gallina de pensarlo jeje.

Pero si alguien se lleva la palma en el reparto esa es la Roberts, que los secundarios molan, que Armie Hammer hace gracia, que Nathan Lane parece sacado del imaginario Disney, pero la Roberts es mucha Roberts y se los come a todos con patatas con un papel escrito para ella; es cierto que tenía ciertas reticencias a la hora de aproximarme a este film porque salía esta mujer que no me hace mucho la verdad, pero es verla aparecer en pantalla y como suelta sus lineas de diálogo y simplemente te dejas llevar y disfrutas de este film loco, una reinvención del cuento con el que todos hemos crecido y que en su escena final, con ese momento baile Bollywood culmina un espéctaculo que difícilmente será igualado en lo que queda de año con las otras dos adaptaciones del cuento.

Postdata: De Sean Bean no digo nada pero cuanto me reí cuando lo vi aparecer con la corona, veredicto: encasillado XDDDD.

7/10

FESTIVAL DE CINE DE SITGES. UNA CARTA DE AMOR

Permitidme que hoy me ponga romántico y le dedique una carta de amor al Festival de cine de Sitges ya que, con motivo de la presentación la semana pasada del leit motiv de este año y un primer póster me ha entrado la morriña:

Querido Sitges:

Apenas faltan 5 meses para volver a pasear por tus calles, para volver a bajar del tren de cercanías que me lleva desde la estación de Barcelona-Sants hasta este pueblo que durante diez días respira cine, habla el idioma del cine que solo el cinéfilo que ama el séptimo arte hasta el extremo entiende.

Apenas faltan cinco meses para dejar la mochila en el apartamento/habitación de hotel y salir a disfrutar otra vez de esas puestas de sol haciendo cola en el Auditori fumando un cigarro o de esas madrugadas comiendo Pelotazos y bebiendo Red bull en el Retiro o en el Prado con esas sesiones golfas que nos preparáis.

Apenas faltan cinco meses para despertarse por la mañana y ojear el planning del día, arreglarse un poco, lavarse la cara e iniciar el camino al paseo marítimo a visitar los stands de camisetas frikis, de material oficial del festival o mi muy amado stand de Cineasia donde siempre caen tres o cuatro novedades en DVD.

Apenas faltan cinco meses para ver a los maquilladores bajo la atenta mirada del Brigadoon maquillando a los participantes de la Zombie walk y que mientras camines te ataquen zombies carniceros. Faltan cinco meses para volver a visitar lugares comunes de cada año como el "famoso" Superpollo o el bar restaurante Can Xavi donde hacen unos bocadillos deliciosos y unas bravas picantes picantes XD.

Apenas faltan cinco meses para críticar de manera sucia en indecente las películas nada más salir de verlas; para acribillarlas mientras, tal vez su ilusionado director espera la reacción del público a la salida de la proyección. Eso es lo que más risa me da, soy malo en el fondo jijiji (risa maligna).

Apenas faltan cinco meses para que la sirena del Auditori suene tres veces, se apaguen las luces y en la pantalla como un dios vigilante y clemente aparezca la silueta de ese King Kong gigante que nos saluda lanzándonos aviones mientras oímos de fondo esa voz grave que  nos dice: "Senyores i senyors, Benvinguts a la cuaranta cinquena edició del festival de cinema fantàstic de Catalunya" (al menos eso dirá este año y perdonad mi catalán jeje) y los pelos de todo el cuerpo se me ericen al saber que con esa frase siento que he vuelto a casa.

Bueno Sitges me despido con una mirada triste mientras el tren de cercanías se aleja de tus calles, de tu paseo marítimo y vuelvo a Valencia, a la realidad de cada día y a esperar porque entonces solo quedarán doce meses para una nueva edición.

LOS JUEGOS DEL HAMBRE

Esta crítica la tengo que empezar admitiendo que no he leído Los juegos del hambre, así que voy hablar de Los juegos del hambre como película y como película Los juegos del hambre no es tan brillante como nos habían hypeado los medios.

Es muy fácil decir que esta película no va solo de unos chavales que juegan a matar y que eso es un reflejo de la sociedad actual y una acida crítica a los medios de comunicación y a los gobiernos que nos oprimen, que lo es cuidado, pero pasa tan de puntillas por todos esos asuntos, intentando huir de los prejuicios de este tipo de films para adolescentes innovando y entreteniendo bastante en la primera parte de la película que al final se deja llevar, se cansa de innovar y va a lo tradicional, haciendo que la segunda parte, los juegos del hambre propiamente dichos sean aburridos y redundantes.

Sé que ahora mismo hay miles de fans que estarán afilándose los dientes esperando a que acabe de escribir para lanzárseme a la yugular y morderme hasta que no que de rastro de mí. Esperad. No he dicho que sea una mala película, ni mucho menos, funciona muy bien durante la primera hora y cuarto de su denso metraje, la historia inicial, cuando Katniss se presenta voluntaria para ir a los juegos y proteger así a su hermana es emocionante y toda la parte en la que buscan patrocinadores, vamos la parte de Woody Harrelson (que poco trabaja este tío y como mola verle en escena) y Lenny Kravitz (sí, el guitarrista no el panadero jeje) se pasa en un suspiro, la película en esta parte huye de esos topicazos del cine de aventuras con frases relamidas, que sí, que tal vez le queden bien a Nick Furia porque tiene porte para decirlas, pero aquí nadie tiene ese porte. También el film en esta parte adquiere una personalidad al enseñarnos que no estamos frente a unos personajes estereotipados y que la sobada relación de amor entre los protas, ese triángulo no es tan típico. Hasta aquí todo mola bastante y la película no decae en ningún momento. Hasta aquí.

Porque entonces empiezan los juegos del hambre y la película tira por tierra todo lo que había conseguido y lo que debería ser un Battle Royale con moralina es un Crepúsculo con demasiado azúcar. Noto vuestras zarpas acercándose a mí, fans enloquecidos. Cuando el film debería alzar el vuelo y culminar esa celebración de la libertad, de la ruptura con los sistemas dictatoriales y la opresión, que ese es en realidad el verdadero mensaje del film y olé por él; se deja llevar por los tópicos de los que huía antes y no llega. La película necesita ser dura, si en la primera parte todo resultaba bastante real a pesar de los esfuerzos de Gary Ross de meternos por los ojos un futuro bastante hortera con demasiados colores que recuerdan un poco a El quinto elemento hasta arriba de coca; en la segunda parte es un quiero y no puedo, el pesimismo deja lugar al optimismo de pensar que se pueden ganar los juegos y que una nueva realidad es posible; aparece la sobada historia de amor y aparecen los defectos de Ross como director rodando un final torpe y rápido para terminar la peli porque no sabe por donde salir y eso se nota.

En fin, que no es una mala película ni mucho menos como he dicho antes, pero debería ser mejor, porque se lo debe a los espectadores que confiaban en un nuevo cine para adolescentes y que se han encontrado con algo tan visto que deja bastante mal sabor de boca y hambre, sobre todo mucha hambre.

6/10

LOS VENGADORES

Debo avisar que no conocía a Los vengadores antes de que empezaran a salir después de los créditos en las películas de Marvel y la verdad que este proyecto, hasta que vi el trailer me la pelaba bastante, un refrito de superheroes todos dando ostias a una sin una historia lo suficientemente relevante como para interesarme no me gustaba. Olvidad lo que acabáis de leer.

Los vengadores del señor Josh Whedon es LA peli de superheroes, con permiso del señor Nolan y su hombre murciélago. Este film ha captado a la perfección lo que es un cómic y lo ha trasladado a la pantalla grande tal cual, no hay un momento muerto, no hay tramas añadidas que lastren el conjunto, la película funciona como un reloj y eso se ve desde el principio. Desde que Nick Furia pone el pie en el suelo para bajar del helicóptero hasta la gran batalla final (dura casi una hora) la película es un chute de adrenalina en el corazón tipo Crank que te deja sin aliento y esperando más como un yonqui del cine con mayúsculas.

Porque Los vengadores han entrado en el mundo del cine a poquitos, con pequeños spin off, algunos más acertados (Iron Man, Capitán América o Thor) y otras menos (lo mal que ha tratado el cine al personaje de Hulk) que nos adelantaban en sus escenas postcréditos lo que llegaba, un Nick Furia reclutando a estos personajes uno a uno para salvar al mundo. Mola. Desde entonces todos los fans se empezaron a relamer y a sacar las uñas, sí porque los frikis somos así de contradictorios; pensando en lo podría salir de este film. Y entonces, pasado el tiempo y las sucesivas noticias sobre el director, el reparto, la trama y todo el rollito que lleva una macrosuperproducción como esta llega el estreno, o en mí caso llega una semana después, entro a verla con muchas ganas y salgo ojiplático perdido.

Lo que pensaba que iba a ser topicazo sobre topicazo es una explosión, un clímax final de dos horas y media que ultiliza una hora para presentarnos a los personajes que amamos, porque los amamos, haciendo especial hincapie en los más fuertes, porque Whedon no es un tío tonto aunque hiciera Buffy, él sabe que el carismático Iron Man, el monstruo Hulk y el fortachón Thor son los heroes que la gente más desea ver, tal vez el Capitán América también esté muy bien tratado aunque no de primera mano como los otros tres. La presentación de todos los personajes y la trama que van cogidas de la mano durante aproximadamente una hora y media son el puntazo porque vienen unidas a escenas de acción impecables y se pasan volando.

Pero lo que queremos al ver una peli así, lo que soñábamos en nuestros sueños húmedos no eran los discursos que se marca Nick Furia de medio perfil sobre lo que significa ser un heroe, que son la repolla tocando la pandereta y que dan al film un +10 de carisma; en realidad queremos ver a todos contra todos dando ostias y lo que exigimos es que esté bien rodado para que me pueda regodear en el momento y el calzoncillo acabe tan mojado que haya que tirarlo a la basura. Pues la película lo consigue, cuando por fin Los vengadores dejan atrás sus egos y luchan en equipo el film alcanza altas cotas de flipación que dejarán a más de uno boquiabierto; aquí el ritmo no importa, la trama ha pasado ya a mejor vida, todo lo que nos habían adelantado sobre este momento es solo un teaser trailer de lo que es en realidad, la última hora de este magnífico film es de lo más espectacular que ha parido el cine moderno.

Bueno, ya me he desmelenado y me he quedado muy agustito hablando de este film del que estaría hablando mucho tiempo porque me ha llegado al alma, porque el mega plano secuencia de todos luchando me ha tocado el corazón y porque aún queda esperanza en el cine de superheroes.

9'5/10

THE TURIN HORSE

Anoche cuando terminé de ver esta película escribí el siguiente tweet: "Acabo de ver THE TURIN HORSE... la película definitiva. Bona nit." Pues eso, que bona nit y buena suerte para lo que venga después de este film.

Para hablar bien hablado de esta peli necesito ponerme una canción acorde con ella, así que me pongo "Negroni" de Extraperlo y a escribir. Podéis pensar que hablar de este film como el techo de la historia del cine, decir de ella que ninguna película va a ir más allá y que todo ha terminado es exagerar hasta el extremo, pero posiblemente no habéis visto The turin horse con mis ojos.

Hablar de la película definitiva y quedarse tan pancho no es ninguna exageración, para mí esta película es a donde tenía que llegar la historia del cine, todo el cine, ya sea de acción, dramático, de terror o cómico confluye en este mar y viajan libremente hacia el horizonte, se giran, nos saludan y nos dicen: "Ya está todo hecho" y no se equivocan.

La historia de esta obra maestra de referencia mundial para cualquier director es tan simple que no os la voy a explicar yo, os la va a contar Film affinity: "Libremente inspirada en un episodio que marca el fin de la carrera del filósofo Friedrich Nietzsche. El 3 de enero de 1889, en la plaza Alberto de Turín, Nietzsche se lanzó llorando al cuello de un caballo agotado y maltratado por su cochero y, después, se desmayó. Desde entonces, dejó de escribir y se hundió en la locura y el mutismo. En una atmósfera preapocalíptica, se nos muestra la vida del cochero, su hija y del viejo caballo" y no hay nada más que contar, a partir de esto la más absoluta transparencia, no hay maniqueísmos, solo 30 planos secuencia, 2 actores y la dirección de fotografía más increíble que jamás he visto.

También admito que es un film en el que hay que entrar desde el principio, porque Béla Tarr no ha hecho una película fácil, ni con un ritmo espectacular, solo ha descrito la rutina de dos personas y un caballo, nada más. Y por eso me parece que el cine no puede contarnos nada más, porque si entras en la peli estás atrapado para siempre y la amarás, no querrás que termine porque no querrás salir de este universo en blanco y negro y estos 145 minutos te habrán parecido un suspiro cuando apagues el ordenador y vuelvas a la realidad.

Si eres capaz de llegar hasta el final y ver que esta historia no es solo un vacío en el que no pasa nada, sino que refleja la indiferencia, la tristeza, la pobreza, el desamparo y todo ello envuelto en una atmósfera preapocalíptica con mucho viento y mucha niebla, descubrirás que el cine sirve para contar historias, aunque la historia sea la rutina de dos personas y si lo haces el bien y entras en este mundo entenderás que el cine se ha terminado, que no se puede ir más allá y en lugar de ponerte triste y pensar que lo siguiente es un fondo blanco y nada más; te alegrarás, sonreirás y tu, como los géneros que he citado antes te despedirás del cine y lo dejarás ir porque verás que todo ha terminado bien, que el cine como algunas películas también puede tener una final feliz.

10/10