Tony Stark ha vuelto, mucho más oscuro, mucho más profundo, en fin, mucho más Nolan.
Hoy ha salido el trailer tras un enormñisimo hype de varias semanas en la que se anunciaba abombo y platillo el lanzamiento del trailer, incluso ayer mismo salió a la luz un teaser trailer el trailer, una moda emasiado estúpida que demuestra hasta que punto la desesperación d elos estudios enormífica una película para convertirla en un bombazo, bueno, que me voy por las nubes. Con todos ustedes el trailer:
Esta vez no es el creador de la saga quien la dirige, el tito Favreau se fue y ahora la película, que pinta tan espectacular y posiblemente tan vacía como las otras dos ha caido en las manos de Shane Black ¿es esa una buena elección? pues teniendo en cuenta que el tío escibió el guión de Arma Letal (nada más y nada menos) y debutó con la excelente Kiss, kiss bang, bang, también con Robert Downey Jr, pues es para confiar.
Pues nada, a esperar al 2013 a ver como le sienta a Tony esta nueva aventura y ver si pod´ra con el gran Ben Kingsley y su malísimo Mandarín.
Arrodillaos gente inmunda porque Takashi Miike ha entrado en la sala con la prueba definitiva de que es que el director más grande y bizarro de la escena cinematográfica actual y nosotros solo somos sus siervos.
Ace Attorney está basado en un videojuego que desconocía completamente, que ya de por sí era bastante bizarro y que comparte el planteamiento y parte de la trama con el film de Miike: en un futuro no muy lejano la criminalidad ha ascendido hasta tal punto que los juicios no son rápidos, son rapidísimos y se celebran en tres días que, tanto en el juego como en la película funcionan en forma de rounds al más puro estilo Street fighter.
La cosa se complica cuando uno de los abogados, el desastroso Phoenix Wright decide investigar el asesinato de su mentora y defender al único culpable del crimen, su amigo de infancia y enemigo acérrimo en la abogacía Miles Edgeworth, hasta aquí el planteamiento no va más allá de una novela de John Grisham, pero Miike le da la vuelta a todo y convierte esta trama en un circo lleno de frikadas a cada cual más gorda y gozosa para el hambriento espectador deseoso de carnaza freak para aplaudir y reirse agusto.
Miike se desmelena, como casi siempre que se mete en estos barullos, como ya hizo en la más que gloriosa Yatterman o en pelis como La felicidad de los Katakuris, verdaderas frikadas que no dejarían de ser una tontería mayúscula en las manos equivocadas pero que en las manos adecuadas, las de este director, funcionan como un reloj y son obras de arte.
Miike ha rodado, en mí opinión la más acertada y mejor adaptación de un videojuego jamás realizada, va más allá de la tontería seria de Resident evil o la olvidable y detestable Doom, sin olvidarnos de aquel clásico de la bazofia llamado Super Mario Bros, la película. El director japonés sabe en que terreno juega, más que nada porque no es un novato en él; se arriesga, como casi siempre y sale más que victorioso porque es consciente de lo que hace, esto no es 13 Asesinos ni Harakiri, aquí se deja de chambaras y yakuzas porque la adaptación de un videojuego igual que de un libro o un remake de una película te obliga a meterte en su mundo, aunque dejes pequeñas píldoras de tu personalidad cinematográfica en el film pero el mundo en el que estás es el que manda, por eso los momentos surrealistas como las pantallas bajando del techo, los zooms exagerados y las caracterizaciones de los personajes son obligatorias y Miike entiende eso y lo disfruta y nosotros también lo disfrutamos.
¿Es Ace Attorney la mejor película de Miike? No, ni falta que le hace, ninguna película de este director es realmente mala, sino que es extraña, Miike es un tío extraño que disfruta haciendo cine, de cualquier tipo, por eso es imposible de encasillar, porque sus films, como este, son diferentes, coge un concepto mil veces visto, el cine de juicios y le da la vuelta, lo transforma en una celebración de la exageración y del circo freak y por eso conquista a las decenas de fans que abarrotábamos el cine Retiro de Sitges cuando se proyectó este film, completamente inclasificable pero de obligada visión; los mismos fans que aplaudimos con las manos y los pies cada momento surrealista o divertido y al mismo tiempo estábamos más que enganchados a una interesante trama de crímenes, juicios y traiciones. Solo Takashi Miike consigue eso.
Esta película es, al menos así es como se han empeñado en definirla y no van del todo desencaminados, como un film apocalíptico sobre la crisis financiera, Cronenberg tiene los huevos más gordos que el caballo de Espartero. Vale que el ritmo es muuuuuy lento, vale que desespera con cada decisión del protagonista, vale que los secundarios, TODOS sobran pero aún así la atmósfera de este peculiar director en un film rollo Inside job ¿mola? No.
Para hablar de este film y que creáis mis palabras deberíamos viajar al loco año de 1975, cuando Cronenberg estrenaba Vinieron de dentro de... y demostraba al mundo que en un mismo film es capaz de lo mejor y lo peor; la filmografía de este hombre desde aquello siempre ha oscilado entre lo brillante rozando lo absurdo (Scanners, Videodrome, La mosca, El almuerzo desnudo) y lo brillante a secas (Inseparables, La zona muerta, Existenz, Una historia de violencia, Promesas del este) pero aquí el tito David se relaja, se deja llevar a sabiendas de que es bueno, que tiene una legión de fans que lo van a seguir siempre y le van a lamer el culo y por eso da a luz este film imberbe que se queda a medias de todo.
¿Pero hay en el film algo de la esencia de Cronenberg? Tranquilos, lo hay, la atmósfera opresiva y los secundarios pasados de rosca están, pero dentro de la limousina. Fuera de la limousina la cosa cambia y las largas diatribas de los mismos secundarios quedan en ridículo porque no funciona en el espacio humano, rodeado de gente; funcionan a las mil maravillas en el espacio pequeño que Cronenberg domina muy bien, pero fuera solo parecen garabatos escritos por quinceañeros en la puerta del váter.
Porque es en el discurso donde la película pincha de todas todas ¿es este el mismo director que parió un relato sobe la violencia más pura y la redención más descarnada en Una historia de violencia? visto el film se podría decir que no, no hay la más mínima profundidad en los personajes, ni siquiera en el de Pattinson que, aunque se esfuerce muchísimo en darle algo de humanidad y personalidad a ese ejecutivo repulsivo a la par que cabroncete y simpaticón no lo consigue, porque Cronenberg está seguro de una cosa y es que el guión está tan bien escrito que no le importa si en lugar de actores tuviera a dos loros diciendo las frases.
Pero aquí también Cronenberg resbala, como ya he dicho antes se deja llevar y se relaja, porque no se empeña en defender las teorías y los largos diálogos de secundarios tan desaprovechados como Jay Baruchel o Juliette Binoche y no me tiréis de la lengua para que hable de la relación del personaje de Pattinson con su mujer porque es simplemente irrisoria; pero le da igual porque su cerebro funciona así: "Bueno, si la novela la ha leído tanta gente será porque es buena, lo dejo tal cual" y ese es un error que le pesará en su carrera durante años.
Pero Cronenberg, en el último acto del film intenta demostrarnos que está ahí y nos planta un poco de él mismo; la escena en el peluquero con el chófer es simplemente ejemplar y la moralina de la escena (antes todo iba mucho mejor) es brillante. Pero al final lo vuelve a hundir, con un final ambiguo como el que más con ese Pattinson sufriendo por la salud mental de su personaje y con un Paul Giamatti que, sobreactuado es poco en una escena horrible que tira por tierra todos los, diminutos logros que Cronenberg había hecho por hacernos simpatizar con su protagonista.
Como he dicho al principio, Cronenberg los tiene más gordos que el caballo de Espartero y lo vuelvo a decir, porque dejar este manchurrón en su currículum a sabiendas de que es un manchurrón no tiene perdón... bueno se lo perdono por Scanners jiji.
Tim Burton ha vuelto, ya era hora, pero no ha vuelto de cualquier manera, sino por la puerta grande, como los grandes. Ya era hora.
Este film es, ante todo un poema al cine de los años 40 y 50, un homenaje a esas grandes criaturas creadas por la Hammer, pero también es una historia de amistad, de esas grandes e inolvidables, la de un niño y su perro pero también la de Burton y su público, entre los que me incluyo y que lleva años llevándose chasco tras chasco (Alicia en el país d elas maravillas e sun claro ejemplo) esperando el chispazo que resucite al Burton de antes, el bueno y que como el perrito Sparky de la peli, vuelve siendo el mismo, pero diferente.
En esta película, nuevamente Burton se lanza a un territorio que ya conoce, el de el stop motion para regalarnos un film entrañable y posiblemente el más personal de su carrera. Retoma aquí el director uno de sus primeros cortos, el Frankenweenie del 84 rodado en imagen real en la que un niño, tras perder a su perro lo resucitaba cual Frankenstein y que ya por aquel entonces dejaba ver lo grande que Burton iba a ser.
No es, de todas formas esta la mejor película de su director, pero sí la que nos reconcilia con él desde los tiempos de Sleepy Hollow, tiene todo lo que ha de tener un film de Tim Burton: la atmósfera oscura, los personajes "rarillos" pero encantadores, el mundo infantil y la magia, todo eso está ahí y eso es bueno y malo; porque es la marca de la casa y por eso se le perdona y también se le perdona porque llevaba tiempo queriendo huir de sus propios clichés y fracasando en el intento (el último de ellos la nefasta Dark shadows) para darse cuenta que si eres bueno en algo (y en este caso es el mejor) para qué ir más allá.
El film funciona cada segundo como un gran cuento de terror y magia que evoca aquellas películas de la Hammer (la gran productora de cine de terror de los años 40) con esas criaturas maravillosas, que no entran en escena de una manera forzada, de hecho nada se ve forzado en la peli, todo avanza de manera natural, casi mágica. El film tiene la potencia y personalidad suficientes para que te dejes llevar y simplemente goces.
Técnicamente la película también es espectacular, el stop motion funciona de maravilla y le da un aire muy retro mezclado con el blanco y negro; siempre me ha impresionado mucho esta forma de rodar y me parece que aquellos que lo hacen aman mucho el cine para dedicar tantísimo tiempo a este trabajo tan laborioso y por eso son dignas obras de arte. En mí opinión.
En fin, que Tim Burton ha vuelto, como he dicho al principio y que quien escribe esto se siente muy feliz de este regreso, que películas como esta, tan maravillosas y preciosas se echan mucho en falta, como el talento y la personalidad de este gran director, ojalá este sea el principio de una nueva amistad, Tim.
Debo reconocer que este era, sin duda uno de los films que más ganas tenía de ver en el Festival de cine de Sitges. Pero ahora que lo he visto no me honra decir que arrastré a mi novia al Auditori a verla a las 10 y cuarto de la mañana, pobrecilla, menudo esfuerzo ver semejante despróposito.
The lords of Salem, o lo que es lo mismo: el mayor monumento a la mente perturbada y falsamente provocadora de Rob Zombie es una peli de terror que funciona en un crescendo continuo, que empieza de maravilla, con un ritmo lento que te introduce poco a poco en la trama y que cuando te tiene dentro te zarandea hasta dejarte exhausto, pero no en el buen sentido de la expresión "dejar exhausto" si en el sentido en que acabas de ver Two girls one cup, así de exhausto.
Cuando la peli hace que confíes en ella, el vinilo de The Lords suena, el mal rollo aumenta lentamente y la mente de Heidi, la protagonista, se va deformando a paso de caracol, llegas a pensar que si esto continua así la peli apunta maneras, que puede llegar a ser buena y la realidad es que esa parte es envidiable, recuerda mucho al cine de terror de los setenta, con esos rellanos de fincas de apartamentos, esas puertas entreabiertas y esa música malrollera. Hasta aquí todo bien. Hasta aquí.
Entonces, toda la trama que seguías con cierto interés, el rollito ese de las brujas, que llega a enganchar, el escritor del libro sobre Salem y todo lo que, hasta el momento en que la protagonista entra en el apartamento de al lado, todo convence. Pero entonces la peli da un giro de 180 grados y es cuando Rob Zombie pone las cartas sobre la mesa y la verdad que tiene una mano horrible, nada queda ya en la filmografía de este hombre/director/cantante de su debut allá por el 2003 en La casa de los mil cadáveres, aquel circo freak que recordaba muy mucho a la La matanza de texas y molaba. Nada en este film recuerda aquel, mucho ha llovido desde entonces y lo que en aquel debut era original y fresco, todo le salía de dentro, aquí está impuesto por una mente provocadora que sacrifica un más que disfrutable film casi de terror noir por meter imágenes pretendidamente sucias e impactantes. Eso es trampa Rob y lo has pagado.
Pero permitidme que me explaye un poco hablando del último tercio de esta peli, cuando no es que su director pierda el rumbo, sino que destroza el timón y deja que su barco vaya a la deriva; aquí la trama ya no importa, da igual que ciertos aspectos del film que hasta entonces quedaban escondidos para dotar de intriga a la historia se pasen por el forro para llegar a este tercio con la trama lo suficientemente destrozada como para que nada importe y todo quede al servicio de Zombie y de su mente perturbada. Preparaos para el desparrame, la parte en que la prota entra en la habitación esa y suena el Requiem de Mozart y sale el enano ese y toda la pesca, duele, pero todo la ida de pinza final, cuando su director mete todo lo que se le pasa por la cabeza que de mal rollo y que por momentos parece una pesadilla casi Jodorowskiana con mujeres desnudas con cabezas de toros, casi nada el tío! es insufrible y exageradamente desagradable.
En fin, el claro ejemplo de un egomaníaco que es capaz de sacrificar un film que, tal vez no llegara a ser la leche pero si que iba por el buen camino para serlo, que termina siendo un ridículo espectáculo a mayor gloria de la mente estropeada de su creador un Rob Zombie más pasado de rosca que nunca. Una lástima.
Llevo un buen rato pensando en como puedo empezar esta crítica para que os enganche. Creo que ya lo tengo: Lo imposible es la mayor comida de tetas de la historia del cine moderno ¿he creado cierto hype? Me alegro.
Esa frase tan poco apropiada tiene una explicación y esa explicación, como crítico vuestro que soy os la voy a dar jeje.
Estamos todos de acuerdo en que este es el estreno del año de todas todas, pero ¿es la película del año? no, no porque no lo intente, sino porque no llega, porque J.A. Bayona no arriesga por miedo a no ganar, se resguarda bajo el tejadito de la espectacularidad, la sensiblería y esa obligación que mata por completo su personalidad al querer gustar tanto a todo el mundo. Bayona no se lanza al toro, no deja atrás ese tejadito en el que tan seguro se siente, no sale y se moja, no nos da unos personajes con garra, más allá del de Naomi Watts que es el único que de verdad está trabajado y bien construído; el director, que ya no es un principiante, en este su segundo largometraje debería dejar atrás esos miedos del debut e ir más allá, no le pido que no me hable de su tema más recurrente que es la familia, que lo haga, pero que no cargue tanto las tintas, que no vaya hasta el exceso y no busque tanto la complicidad del público, por eso Bayona no llega, no llegaba en El orfanato y no llega en Lo imposible, tiene miedo a que le salgan mal las cosas, pero tampoco desea descubrir que pasaría si saliera a matar, que probablemente cortaría las dos orejas y el rabo, porque tiene talento para ello.
Y mucho ojo a la historia, que es potente como ella sola, no ya porque esté basada en un hecho real, que eso ya le da un mas 5 de complicidad, sino porque la manera en que están rodados los primeros 40 minutos de peli es espectacular, por momentos piensas en estar viendo la obra épica que Bayona algún día nos dará, pero no, si al principio del film, durante 15 minutos, el director se piensa que por decirnos: aquí hay una madre, aquí hay un padre y aquí hay unos hijos ya está todo hecho está muy equivocado, no hay profundidad, no le preocupa saber de donde vienen los personajes ni donde van, joder tío! tienes un testimonio de primera mano para completar ese hueco, curratelo un poco para que conectemos con ellos y me importe lo que les pasa. Pero no, otra vez el miedo arriesgar.
Pero de repente llega el tsunami y la película coge una velocidad y una fuerza arrolladora, ahí es cuando te dejas llevar y gozas, ahí es cuando Bayona es un director como la copa de un pino, durante el tsunami y lo que viene inmediatamente después del tsunami, todo funciona como un reloj hasta que Naomi Watts y su hijo, perfectamente interpretado por un soberbio Tom Holland llegan al hospital y la peli baja el ritmo, se mete bajo el tejadito que he mencionado antes y deja que los acontecimientos, mil veces vistos y para nada trabajados hagan su faena. Mal.
Y si antes he mencionado el papelón de la Watts y del actor que interpreta a su hijo, Tom Holland es porque en el reparto está la gran baza del film, cualquiera que pase por ahí y cuente algo está de puta madre, sobre todo los protagonistas que hacen creíble el film en todo momento, Ewan Mc Gregor está espléndido, como siempre y hace lo suyo con su parte del film, de calle un gran personaje desparovechado, un padre y marido coraje que, y redundo con el miedo, Bayona no explota. Y es que hasta los secundarios, con sus subtramas nada pero nada nada explotadas están de maravilla aunque sus historias, muy pero que muy jugosas no tengan cabida en el juego de lágrimas del director.
Bueno, pues ahora es cuando os explico el porque de la frase del principio, por si aún no os ha quedado suficientemente claro: J.A. Bayona es un como un quiceañero pajero que está apunto de perder la virginidad con una macizorra salida y que cuando debe entrar a matar se entretiene demasiado en comerle las tetas, lo hace de maravilla pero ambos se quedan con el calentón porque ese quinceañero con miedo a la penetración que es Bayona se siente agusto ahí fuera, viendo como otros mojan y él no. Pero algún día mojará y ese día, ese día me comeré mis palabras y mi odio hacia él y me quitaré el sombrero, a ver si llega pronto.
Manolete es la mayor violación cerebral que un ser humano puede sufrir viendo una película. Hala, ya lo he dicho, necesitaba empezar diciendo esto para quedarme tranquilo.
Si a este film al que se le ha denominado "maldito" le han ido tan mal las cosas desde que se gestó es porque en España hemos querido filmar una historia épica y romántica sobre la más grande figura del toreo y nos ha salido una obra de cartón piedra digna de Cine de barrio. Y no es que el film no se esfuerce por intentar hacer bien las cosas, lo intenta, pero en ningún momento llega, ni por asomo a conseguirlo. Se esfuerza en ofrecernos un retrato crudo y desgarrador de Manolete, su relación con Lupe Sino, su miedo a la muerte, sus amigos, su familia; vamos que esto tendría que haber funcionado de haber estado bien escrito, bien interpretado, bien dirigido y bien montado, pero como está hecho con tanta desgana y se nota tanto, la película no te deja entrar en su universo y solo ves actores como Juan Echanove o Santiago Segura maquillados como los de La hora Chanante y doblándose a ellos mismos dando mucha gena.
Pero si de algo hay que hablar al hablar de este film (valga la redundancia) es de la interpretación más que deficiente de Adrien Brody, que lo más seguro es que no supiera ni quien era Manolete pero como Andrés Vicente Gómez, el productor de productores del cine español pensó como todos: "Joder, como se parece este tío a Manolete" pues sacó la idea para un film, pero es una mala idea. Brody no se esfuerza lo más mínimo por dotar de vitalidad, garra y fuerza a su personaje, más que la vida de un torero me parece estar viendo, no sé la vida de un escritor o un filósofo.
Y luego está Penelope Cruz, de acuerdo que corría el año 2006 y de acuerdo que por aquel entonces aún no había despertado la verdadera Penelope que lo hace bien, tampoco demasiado, pero lo hace bien ahora en 2012; pero su interpretación como Lupe Sino, la amante/actriz/fulana de Manolete es, como todo en este film poco inspirado, mil veces visto y desganado. La Cruz no está muy interesada en hacerlo bien tanto como en llevarse a Brody a la cama, como que hacía muy bien por aquel entonces, eso de llevarse al catre a sus compañeros de reparto y posiblemente, al igual que Brody con su personaje, ella tampoco se esforzara mucho en averiguar nada sobre la vida de Sino.
Pero si ellos como pareja no funcionan nada, tampoco los decorados ni la ambientación acompañan. Como llevo diciendo un buen rato, nada está hecho con ganas en este film, Menno Meyjes, el director parece estar dirigiendo el film por encargo y eso se nota mucho a la hora de planificar unos planos casi de película independiente, en los que no se ven reflejados los 27 millones de euros que costó la película y que la convirtió en la más cara del cine español, pero también en el mayor desastre jamás filmado. No se ve ni una corrida de toros en condiciones, ni una plaza de toros en todo su esplendor, no hay ni un solo plano general donde se note que se han gastado el dinero, no hay nada que haga grande a una película que nació para convertirse en un clásico de nuestro cine más castizo y se ha terminado convirtiendo en una vergüenza y el despróposito con mayúsculas.
