#Sitges12 "American Mary".

El film de las hermanas Jen y Silvia Soska es un experimento valiente y al mismo tiempo temeroso de su original punto de partida. Arriesga y gana gran parte del film pero solo cuando la Mary del título utiliza sus armas y sus conocimientos para la cirugía.

La película gira en torno a una estudiante de cirugía, Mary, interpretada a la perfección por una maléfica Katharine Isabelle, una chica que no tiene dinero y que un buen día descubre que sus talentos en la cirugía la pueden ayudar a sacarse unos dineros, aunque esas operaciones sean de los más desagradables. American Mary funciona porque el personaje de Mary es casi perfecto, está estupendamente escrito e interpretado y eso es lo que salva al film de ser uno más. Juega a la provocación para que el espectador caiga en sus redes, las operaciones en si mismas dejan mucho a la imaginación que es lo más repugnante pues la mirada penetrante de Mary y sus víctimas antes y después hacen pensar en lo ocurrido y eso duele.

No es un film redondo porque solo Mary tira del carro, la dirección es correctita y las tramas secundarias dejan mucho que desear, no tienen la fuerza suficiente para que lleguen a interesar, no se sustentan sobre una buena base y en eso el film adolece de falta de profundidad. Es una película muy sencilla, Mary mata y eso provoca consecuencias, unas consecuencias bastante flojas con respecto a las atrocidades de la protagonista. No hay más, los secundarios no funcionan por si solos, es Mary quien guía el camino de todos, incluso del guión y de los directores, una pareja que podái sacar mucho más jugo de una historia sobre la cirugía que daba mucho juego.

American Mary no es, como su título promete una historia sobre el crimen americano, no es una historia profunda, es la historia de un personaje excelentemente escrito e interpretado del que dependen todos los actos del film.

ROBERT RODRIGUEZ, EL REY DEL VIDEOCLUB

Siempre es un buen momento para hablar sobre Robert Rodríguez pero ahora aún más con el estreno de "Sin city, a dame to kill for" a la vuelta de la esquina y con este póster tan molón que se ha regalado el director a si mismo, porque sí, porque se gusta. Pero no quiero repasar la filmografía de este hombre alabando sus virtudes y hablando de sus films y tal, lo que quiero es reivindicar la figura de Robert Rodríguez como el gran director videoclubero que es en realidad, porque lo es y vosotros no sabéis verlo pero la esencia está ahí.

Desde su "Mariachi" de los noventa hasta su "Machete" de los dosmiles Robert Rodríguez ha creado una fauna de personajes, de situaciones y de películas muy de videoclub, muy de sesión golfa, que muchos han visto como exceso y tapadera para su nula creatividad pero que otros, como es mi caso hemos visto como un verdadero deleite de la chabacanería y la cercanía con el espectador de a pie, no quiero que esto suene reivindicativo ni nada en plan Rodriguez nos anima a alzarnos con su cine palomitero loquer, sino como el director que ama el disfrute de antaño, el de las pelis de Dolph Lundgren y Charles Bronson, el de productoras como la Cannon o la amada por un servidor Carolco. Robert Rodríguez es el director que mejor entiende el concepto de entretenimiento de los últimos años, sabe lo que gusta y lo explota hasta límites a veces excesivos, no porque no sepa contenerse sino porque no quiere.

Cojamos así al azar una película de este hombre, quizá su film más celebrado "Abierto hasta el amanecer", dentro de lo "elegante" que se puede considerar a esta película, debajo de un guión rápido de Tarantino subyace esa esencia de cine de taberna sudoroso, alcohólico y sexy que tan bien se le da a Rodríguez y que tanto muestra en sus films; una esencia de videoclub, de película cochambrosa de serie B con tiros, sangre, vísceras y sexo gratuito, no es el exploit al uso del que tanto se enorgullece Tarantino en revitalizar (que lo hace y muy bien) sino que es algo diferente, es brillante en sus homenajes y es brillante también en su energía y su ritmo, heredado del cine de John Carpenter o si nos queremos poner en plan cochambres, un Roger Corman con más presupuesto.

Ahora hablemos de su penúltimo film estrenado "Machete kills" el concepto Machete ya es bastante videoclubero y bastante Grindhouse ¡que narices! de hecho nació en aquel proyecto lascivo y sucio que fue la sesión doble que rodó junto a Tarantino, un desparrame gratuito de sangre y diálogos bestias a más no poder que rememoraba las sesiones golfas setenteras. En ese contexto de dos amigos medioborrachos pero con mucho cine en sus venas que se montan dos películas geniales por excesivas y burras, nace el señor Machete, ya visto en la trilogía de "El Mariachi" pero aquí elevado a su máximo exponente, cine de explotación, eso era el tráiler, en lugar de blackexplotaition es mexicaexplotaition (ahí estamos, inventando nuevos términos) un jugoso divertimento para buscadores de rarezas, que se pudo quedar ahí, como una broma pero que Rodríguez convirtió en realidad y en orgasmo para amantes de la comedia más bizarra. El primer "Machete" no fue ni más ni menos que alargar la broma y le salió bien a Robert, estiró la gracia durante noventa minutos y le quedó un remedo de películas de videoclub de barrio, de producciones ochenteras de la Cannon y de su propio estilo muy molón, porque Machete solo se puede definir con la palabra "molona" porque lo es y mucho.
Pero entonces llega su secuela y lo que para muchos es un exceso desmesurado de un director que ha perdido el norte, para mi es la obra cumbre de un director en el punto álgido de su carrera. "Machete kills" como su predecesora han hecho más por el revival ochentero cinematográfico que toda la carrera de Tarantino y todas las tiendas vintage del mundo; todo es más grande, más loco, más sinsentido y más explotaition que en la anterior entrega, es más reivindicativa de un tiempo pasado y tiene más cine y más morriña en sus escenas que cualquier programa de deshechos televisivos de antaño. Si al final Robert Rodríguez termina su tilogía sobre Machete yo lo celebraré viéndolas del tirón porque es la carta de amor de un director al cine que ama y que echa en falta.

Pues por todo eso Robert Rodríguez es un director a reivindicar más allá de sus delirios con "Spy kids" o sus momentos artísticos con "Sin city", porque la verdadera esencia de este hombre radica en sus obras pequeñas, en Machetes que nos hacen recordar que cualquier tiempo pasado fue mejor y más si desprende ese tufillo a peli de acción cutre en una estantería de videoclub de barrio.

trailer de "EL HOBBIT, LA BATALLA DE LOS CINCO EJÉRCITOS"

Pues eso, el tráiler y el póster del capítulo que se presenta como el más épico de la saga:

Y el póster que si es más legendario se rompe:

trailer español de "50 SOMBRAS DE GREY"

Queridas mamás, señoras casadas, señoritas solteras, señoras ancianas, señoras divorciadas y todo tipo de señoras, de la novela que mojó sus bragas llega la película que mojará sus ragas again, es obsceno sí, pero es la mejor manera de presentar este desastre:

Si el fenómeno literario en todo el mundo me parecías ridículo solo por el mero hecho de que en una novela un tío que está bueno sodomiza a una mujer, que ahora se convierta en película me parece aún más ridículo. Mucho ojo a ese momento del tráiler en que pasa de ser una comedia romántica a convertirse en un "American pshycho" XDDDD la risión.

Y de postre un poster:

Entrevista a JOAQUÍN CALVO

Pocas veces tiene uno la ocasión de compartir la tarde con un amigo charlando sobre cine y más si se trata del director y guionista Joaquín Calvo y te cuenta tantas cosas interesantes sobre el séptimo arte. Pero no os preocupéis que a continuación podréis leer la charla completa que compartimos Joaquín y un servidor con fotos de Manuel López.

Microcríticas: Hola Joaquín, ha pasado un año desde que nos encontramos por primera vez para hablar sobre "El vínculo" ¿Cómo va ese proyecto?

Joaquín Calvo: El proyecto de "El vínculo" empezó con mucha ilusión en el año 2010, cuando acaba de escribir la historia. Para llevarlo a cine, la producción necesitaba un Teaser y para realizarlo estuve buscando a profesionales en diferentes compañías de Valencia que quisieran co-producir conmigo. Contacté con una que estaba interesada y rodamos el Teaser. Fue una experiencia interesante, estoy bastante agradecido a todos los que participaron en el Teaser. Gracias a ellos fue posible que se viera lo que iba a ser "El vínculo" visualmente, ayudó a ver ese nuevo universo de terror. 
Más tarde fui a Latinoamérica, con un equipo internacional que movería El Vínculo en distintos destinos. Con mi director de logística Andrés Nolasco y quien se encarga de mi imagen profesional, César Caracas director de Marketing. Estuve en República Dominicana, en Mexico y Nuevo York y allí hablé con Ángel Muñiz, entre otros contactos. Le comenté mis proyectos con el mercado internacional y me ofreció su apoyo. Viniendo de quien promovió el cine en República Dominicana, me sentí halagado. El Vínculo no es una película que se pueda hacer con un crowfunding ya que el presupuesto estimado ronda los 48 millones de dólares. No es un presupuesto tan elevado si vemos la producciones que se suelen hacer en Estados Unidos, la media allí está entre los 80 o 100 millones de dólares aproximadamente. Pero de todas formas el presupuesto podría bajar, claro que sí, dependiendo de los recursos y dependiendo también de lo que cómo se quiera producir. Si se pretende hacer "El vínculo" de una manera mucho más comedida se puede convertir en una película de diez o quince millones; en todo caso lo que yo entendí es que no era una película que se pudiera hacer con diez mil euros, que creo es a lo máximo que uno puede aspirar en un momento de gloria en un crowfunding.
Como en varios países ya se conocía la historia de El Vínculo, el guión tuvo que ser registrado internacionalmente para su protección intelectual. Teniendo en cuenta que este próximo año voy a emprenderme en la escritura del primer libro de esta historia, fue lo más apropiado siguiendo el consejo de mi equipo, que están trabajando para que el proyecto pueda hacerse de la mejor manera profesional. Hemos contactado con Del Toro Films en EEUU, la productora de Guillermo del toro, el director de "Pacific Rim" y "El laberinto del fauno" y les contamos la historia de la película, que roza mucho con el estilo de este director. Así que, bueno dejando a un lado esa producción que está gestándose y por la que otras productoras también se han interesad, la intención es llevar a cabo otras producciones que abran paso a la posibilidad del rodaje de El Vínculo. Ahora sigo trabajando en muchos otros proyectos, porque aunque lleve más de nueve años dedicado a esta profesión no me conoce nadie (risas) porque nunca he hecho un largometraje para cine. Sí me puedo jactar de haber trabajado en otros oficios dentro del audiovisual, de haberme formado en
Barcelona y haber trabajado con grandes profesionales, de haber hecho mucho teatro, de haber realizado trabajos para televisión y cine. Estoy entrando en esta industria poco a poco y con ilusión. Así que estoy muy agradecido a todos los seguidores que tengo, la cantidad de personas que me siguen de otros países, no solamente en España. Aunque lo importante es que uno trabaje, que se vaya formando producción a producción y vaya logrando un reconocimiento por su trabajo.

MC: ¿Cómo fue el rodaje del teaser?  J.C: El rodaje del teaser fue muy bien, me gustó mucho porque fue como una superproducción pero en pequeño, hubo un despliegue impresionante, más de 30 personas trabajando de un lado para otro. La verdad es que estoy muy orgulloso tanto de los actores como del resto del equipo. Trabajé con Pepe Mediavilla, doblador del personaje de Gandalf, entonces qué puedo decirte, a mi cuando Pepe me llamó por teléfono, bueno, el estudio SonoDigi de Barcelona donde Pepe dobló las frases de Válvadron en el Teaser, me pregunta si me gusta cómo estaba quedando. Y yo pues le dije que estaba estupendo, qué le vas a decir, es un profesional y lo hizo perfectamente. Su humildad era tanto como su grandeza; estoy muy contento porque salió rodado, también estoy agradecido al ayuntamiento de Aldaia y al de Gilet que apenas les pedimos los permisos de rodaje nos abrieron las puertas en las localizaciones. El rodaje en los bosques de Gilet fue bastante duro porque trabajamos todo el día: por la mañana rodábamos, comíamos, seguíamos trabajando y por la noche hasta las 4 o 5 de la madrugada, y eso después de los tres días de rodaje. Utilizamos máquina de humo, para el rodaje en el pero no gustó y se volvió a rodar sin humo, pero tu imagínate que a unos pocos metros hay casas y estarían viendo salir humo entre los árboles, lo que podrían pensar; pero bueno, que teníamos todos nuestros permisos y estábamos allí legalmente. El rodaje fue muy interesante para mí como autor de El Vínculo, fue un primer encuentro con ese universo que había creado, fue una primera toma de contacto con ese mundo y que nunca imaginas realmente como va a quedar y el Teaser fue algo mágico. Quedé muy contento porque era muy fiel a lo que había creado y a como había dirigido la trama, el estilo, el ritmo, la fotografía durante el rodaje y la postproducción, aunque hubiese puesto más oscuridad en muchas escenas, pero eso a Edu Esteban, que fue el director de fotografía del Teaser, le chirriaba pero yo soy muy lúgubre para esas. Finalmente quedó perfecto.

MC: Bueno, ahora te quiero preguntar sobre la obra de teatro en la que estás trabajando "3 poemas de mujer" ¿cómo surgió y qué tal va?

J.C: La verdad que el título "Tres poemas de mujer" ya dice mucho. Este proyecto me llegó a través de Gemma Sánchez, que está dentro del sector jurídico en Madrid. Da la casualidad que en mitad de una de las producciones en las que estaba trabajando En Alicante, contactó conmigo a través de Facebook y me ofreció la dirección de una obra de teatro de Fernando Alonso Barahona, un prestigioso analista cinematográfico con más de 40 publicaciones, y yo acepté al leer la obra de este señor; "Tres poemas de mujer" supune un regreso a mis inicios porque yo empecé en el teatro, me formé en Barcelona en la compañía Lluna Plena, trabajando en el arte de la escritura, interpretación y dirección, así que fue muy bonito esta dirección para mí, además de que la obra me apasiona, vuelvo a mis inicios; el cine está muy bien, pero yo pienso que la magia, ese duende, en el teatro cobra más vida tanto para el actor como para el director. Es una obra muy compleja, no solo porque sea un drama sino porque hay que mostrar el amor de una madre que es el caso de Alfonsina Storni, el amor de una joven de 1980 como es Alejandra Pizarnik y el amor de una mujer hacia su marido como en el caso de Delmira Agustini y mostrando en todo esto, suspense, acción y violencia. Las tres poetisas del siglo XX cuentan su historia al mismo tiempo. Como director no quería caer en la extravagancia del decorado para contar algo tan efímero, ya sabemos que eso en el teatro es habitual pero tampoco quería caer en una escenografía tan simbólica, porque pretendía acercar a un público más amplio, fue muy difícil. Enfocar esta obra de una forma femenina sin caer en el pastelón, fue un reto, leer la obra y después de esos lazos de conexión con el autor todo salió exitoso. Ahora mismo estamos hablando de varias posibilidades para esta producción, como dónde la estrenamos para poder representarla. Sí que hemos hablado ya con algunas actrices reconocidas para que interpreten a estas tres poetisas y, evidentemente, tener un mercado aún más abierto pero de momento no se pueden decir nombres de estas artistas y en cuanto a la posibilidad de teatros, pues sí que hay teatros que se han interesado por la obra pero también debemos pensar en el presupuesto con el que podamos contar. Yo estoy segurísimo, como director, que esta obra va a ser una explosión social, un éxito. Es nueva, es fresca, no son remakes de otras obras y no olvidemos que hablamos de una poetisas que tuvieron una repercusión mediática dentro del ámbito literario mundialmente; las tres transmiten lo mismo, no les importa morir porque no son felices con su vida. Yo pienso que hoy en día nadie es feliz en su totalidad, creo que todos nos acostumbramos o nos aferramos a una vida que más o menos nos gusta, pero ellas no eran felices en su vida porque no las dejaban vivir su poesía. La poesía o el arte en sí ha tenido mucha represión antaño para quienes lo practicaban y eso muestra la obra de F.A.Barahona, entre otros temas; como yo lo concibo es que ellas acaban convergiendo en un mismo punto al final de la obra, como
yo lo reflejo en mi adaptación del guión es que ellas pretenden ser inmortales con su obra, es decir: “nosotras vamos a morir pero la poesía nos hará inmortales” y de hecho es así porque "Tres poemas de mujer" es la búsqueda de la inmortalidad, si no hubiese existido la poesía de estas tres poetisas no hubiera existido una memoria de ellas en obras o en libros biográficos. Creo que la literatura provoca eso, provoca que se reflejen grandes personajes de la historia y ese también sería una especie de resumen de la obra, que va más allá de la historia de ellas tres. Estos personajes van más allá del materialismo, nos morimos pero “en realidad los que están más muertos que nosotros son los que no crean arte” y creo que esa frase sirve para definir muy bien el carácter de la obra. Y yo en su momento estaré encantado a de invitaros a ver la obra y a que veáis una escenografía que, sin ser tan estrambótica, remarca muy bien lo que las tres poetisas querían transmitir en sus poesías.

MC: Y ¿cómo ha ido la gira por Latinoamérica buscando financiación para tus proyectos?

J.C: Hombre, buscando tampoco. Desde luego yo no haría diez horas de viaje en avión sin tener nada concreto. Da un poco de miedo. He viajado el año pasado a Amsterdam, Venecia, Praga, Polonia, he ido también a la India pero nunca había atravesado el Atlántico y nunca me había parado a pensar que sería como si estuviera dando la vuelta al mundo, como Willy Fog (risas). Es sorprendente, es grandioso, porque yo creo que uno nunca se piensa que vaya a encontrar lo que yo pude encontrar allí y lo que encontré, muy a mi pesar por mi tierra, fue las posibilidades de la industria que aquí no encuentro, allí yo tenía unas reuniones previas, otras las conseguí a través de algunos contactos que tenía previos, pero realmente, cuando llegué a América me abrieron las puertas y pude presentarles muchos proyectos, no solo "El vínculo", llevé dos o tres guiones de comedias, un par de terror, una o dos de acción, es decir, que llevé varios proyectos y estuvimos hablando de grandes producciones porque son películas importantes que requieren un gran trabajador; aquí en España estuve hablando con un compañero de la profesión, un gran profesional de modelaje para cine, y me dijo algo que me gustó; me dijo que en España hay muchas ganas de hacer cosas en cuanto al cine, al arte. Eso hace que estemos, creo yo, como años atrasados en cine. No quiero desprestigiar a nadie porque hacer una película conlleva mucho trabajo y mucha ilusión, pero hay películas cuya fotografía parece estar ausente y eso me impresiona. En Latinoamérica me he encontrado con mucho trabajo y he venido a España con mucho más trabajo aun, con grandes metas y casi sin tiempo para realizarlas. Trabajando por la noche hasta las seis de la mañana, día sí y día también; entonces yo creo que en definitiva se trata de mejorar en la medida de lo posible, porque todos estamos en el mismo barco, todos podemos beneficiarnos en gran medida si trabajamos más allá de nuestra tierra. Pienso que el cine es un arte mundial que requiere que se eliminen las barreras o el patriotismo, el cine debe transmitir el enfoque de las vivencias del director, juntos con los actores que luego
vuelcan en sus personajes esa realidad. En México me he reunido con grandes empresas de televisión, en República Dominicana me he reunido tanto con empresas de televisión como de cine y ha sido muy gratificante, podría decir que Latinoamérica es la tierra para el nuevo artista, porque allí se fomenta mucho el arte en general dentro de un concepto empresarial.

MC: He leído que estuviste en México en el I Certamen de cine internacional Vitascope. ¿Cómo fue esa experiencia?
J.C: Fantástica. Estuve arropado por ellos desde el primer momento, ya habíamos mantenido conversaciones desde mucho antes y estaban interesados en que fuera porque les interesaba el proyecto en el que estaba involucrado. Era su primera edición como certamen internacional por lo que les doy mi enhorabuena. Han sido muy profesionales y ha sido un evento muy interesante, van haber más eventos por lo que tengo entendido y estaré allí apoyándoles. De hecho, puede que lo esté de una manera más especial en un futuro. Durante estos nueve años me he desarrollado dentro de la industria y también creo que la juventud que me caracteriza me ha ayudado en esa época de aprendizaje que ahora espero dejar atrás, en una nueva etapa ya como profesional y empezar proyectos que son muy interesantes para muchas productoras. Vitascope pues, como te digo, me pareció un evento muy necesario, que no es por desmerecer a festivales europeos o españoles, aquí tenemos San Sebastián, Sitges, Cannes que yo creo que se fomenta mucho el cine pero que al final no se apuesta por él, por eso en el Vitascope además de fomentar el cine también se apuesta por él, de hecho allí llevaron a Amat Escalante que fue galardonado en el festival de Cannes, un profesional de los pies a la cabeza y para mí fue un lujo poder compartir la experiencia con ellos. 

MC: Y para terminar, después de todas las reuniones y encuentros que has tenido supongo que habrás sacado muchas cosas en claro ¿qué podemos esperar de Joaquín Calvo en los próximos meses?

J.C: Lo primero que se puede esperar de mi es un momento de desconexión en Agosto para poder disfrutar de mi y de mi tierra que amo y que tengo gente aquí que me quiere y quiero mucho. Y lo que se puede esperar pues es trabajo, estoy trabajando muchísimo con los guiones, ahora mismo estoy en la etapa de guionista. Mi viaje a América fue mi etapa de empresario que es lo que toca, un director muchas veces tiene que tener su etapa de empresario y ahora sí que estoy en mi etapa de guionista, pero muy pronto espero arrancar con proyectos de teatro e incluso proyectos de televisión y cine que tengo a la vista. He ido a Barcelona y he estado allí hablando con algunos contactos del sector televisivo y viendo proyectos. Ya en Latinoamérica están esperando que les mande mis primeros borradores de un par de guiones de películas, así que posiblemente se pueda ir viendo el trabajo que estoy realizando muy pronto. En principio no sé si en Septiembre ya estaré en Madrid con la obra de teatro, no sé, tengo varios destinos de interés profesional como Atenas, Marbella, Madrid por supuesto, Cantabria, mi vuelta a República Dominicana y luego pues también a Nueva York posiblemente y puede ser que a Los Ángeles. Así que por el momento estoy en Agosto en mi tierra, descansando porque yo no sé cómo voy a plantearme todo esto, no tengo nada en claro de cual va a ser el primer proyecto que se va anteponer a los demás. La incertidumbre de la producción no te deja saber qué proyecto va por delante de otro, pero eso forma parte de la vivencia del arte y del cine en particular que es a lo que me dedico yo. Por el momento me lo paso genial en este mundo con estos altibajos, con estas emociones, que de momento puedo disfrutar porque aún soy joven pero que con el paso del tiempo y con la edad pues ya veremos (ríe).

Crítica "EL ABUELO QUE SALTÓ POR LA VENTANA Y SE LARGÓ"

Tenía toda la pinta de ser la peli buenrrollera del verano y SORPRESA así es, un "Forrest Gump" sueco con aires de realismo mágico a lo Jean Pierre Jeunet, muy bien, todo muy bonito pero inofensivo.

"El abuelo que saltó por la ventana y se largó" a parte de tener un título eterno resulta mucho menos graciosa y loca de lo que se cree, que sí que algunas risas se sueltan pero no porque la película meta el dedo en la llaga en ningún momento. La historia de Allan Karlson tenía mucho más jugo del que le han sacado, un anciano de cien años que ha vivido los momentos más trascendentes del último siglo y que ha pasado por todos ellos, según la película de puntillas y sin molestar, porque eso es la película, tan inofensiva como un pezqueñín y tan preocupada por gustar a todo el mundo que pierde una oportunidad de oro para ser una crónica cínica y divertida de los acontecimientos que marcaron el siglo XX.

El viejo Allan que paralelamente a los flashbacks sobre lo que ha sido su vida vive una aventura que huele a Barón Dandy y que no resulta nada interesante ni intrigante, inicia un viaje loco y senil en el que conoce a unos dispares personajes que le acompañan en sus aventuras y que solo sirven de entradilla a sus batallitas buenrrolleras, tan buenrrolleras como que Franco bailaba flamenco o que Stalin era un enfadica, en fin que se deja la mala leche en el cajón de los calcetines a favor de una historia facilona que gustará a todo el mundo por inofensiva y vacía.

Crítica "EL AMANECER DEL PLANETA DE LOS SIMIOS"

En uno de los momentos cumbre de esta epopeya épica uno de los simios aparece montado a caballo con dos metralletas en las manos disparando a cascoporro ¿cómo se llega a eso? pues descomponiendo el blockbuster de toda la vida y vitaminándolo para hacerlo más grande, más vistoso y más atontante, porque si una sensación provoca esta película es la de dejarte atontado con su pirotecnia excesiva que esconde un guión con huequecitos que sí, que complementa el viaje hacia "El planeta de los simios" de Heston pero no tanto como la primera parte, aquí se lleva la hostiaca y mola.

La historia, al menos en los primeros tres minutos va como un tiro, demasiado como un tiro, porque el tránsito de la anterior entrega a esta es tan interesante que bien se merecería una trilogía a parte, pero no es así, se lo saltan a la torera y se centran en una historia más convencional, que no molesta pero podrían ser simios igual que podrían ser ñues. El honor, la jerarquía militar, la familia, la venganza, la raza, la batalla, la épica, todos estos puntos en "El amanecer del planeta de los simios" están perfectamente desarrollados, el film funciona como un más que entretenido e interesante crescendo que estalla en una escena de acción que me dejó boquiabierto. El factor humano de la película pues son personajes de tinta gruesa que van de aquí para allá siguiendo los parámetros de sus estereotipados caracteres, tan solo un Gary Oldman recordando tiempos mejores (en plan: "una vez fui "Dracula"") buscando discursos emotivos, que podrían ser una mezcla entre los de Leónidas y un coach en plena motivación que quedan bien pero que el simio César resume en un "familia" y en un "humanos fuera" o sea que no tiene mucha profundidad.

Una película que atonta por saturación, por momentos emotivos entre simios, con escenas de acción espectaculares y con un CGI para el recuerdo (Oscar para Andy Serkis ya) con esa escena inicial en la que los simios persiguen a un grupo de ciervos, solo ese momento tiene más nervio que todo el cine de acción de los últimos diez años. Cojea con un guión demasiado predecible y típico pero triunfa caminando con paso firme en un ritmo y un sentido del espectáculo como no veía en muchos años.