LA INVENCIÓN DE HUGO

Esta declaración de amor al mundo del cine y sus orígenes que nos ha regalado Martin Scorsese es una deliciosa mezcla entre las novelas de Dickens y el libro de Roman Gubern "Historia del cine" y sí, el resultado funciona como uno de los relojes que arregla y da cuerda nuestro protagonista, Hugo Cabret.

Desde el plano inicial, en el que Scorsese te mete de lleno en esa estación de tren que será el escenario principal donde irán y vendrán esos personajes que, tanto en la novela de Brian Selznick como en el guión de John Logan están dibujados con un trazo muy fino; ya estás dentro, ya formas parte del barullo de gente y ya conoces a Hugo, descubres su día a día entre los relojes de la estación. Y justo en ese momento aparece el título, porque al tío Martin, que sabe más que los ratones "coloraos" le gusta dejar claro todo antes de contarte lo que tiene que contar.

Y entonces entramos de lleno en el Oliver Twist que es este Hugo Cabret, su historia, su drama: su padre (interpretado por Jude Law) muere y deja a medias con su hijo un proyecto, un autómata que encontraron en la basura y que será el macguffin que una a todos los personajes y tramas. Pero esto solo dura un rato porque esta historia que Scorsese teje como una vieja tejedora es una historia sobre personas que están un poco rotas, como el autómata que es un reflejo de cada uno de los personajes que habitan la estación: la dueña de la cafetería y el quiosquero, que viven una inocente y a ratos infantil y dulce historia de amor; el guarda de la estación (interpretado por el polémico Sacha Baron Cohen que hace aquí un papelazo deliciosamente cruel, muy Dickens, como la primera hora del film) con la vendedora de flores (interpretada por una dulce Emily Mortimer, veréis que la palabra dulce aparecerá mucho durante la crítica, es que esta película lo es); el vendedor de juguetes que es en realidad el verdadero protagonista de esta obra maestra.

Pero la historia que desata la bacanal de sentimientos que es este film es la historia de amistad entre Hugo e Isabelle, una Chloe Moretz muy alejada de su papel de fucker en Kick ass o de la vampira de Let me in (innecesario aunque entretenido remake de Dejame entrar) que interpreta aquí a la dulce niña que saca a Hugo de la estación en la que vive escondido para enseñarle el mundo y vivir la tan ansiada aventura que la niña quiere vivir. Es esta Isabelle, una niña que nunca ha pisado un cine y que es una apasionada lectora la que une la trama de Hugo y su autómata con el personaje del vendedor de juguetes interpretado por Ben Kingsley, que esconde un secreto, como casi todos aquí, que será desvelado por nuestro enternecedor protagonista llevándonos a un mundo muy cinéfilo que hará las delicias de todos aquellos que amamos el cine y los que no lo aman comenzaran hacerlo.

Porque el viejo vendedor de juguetes es Georges Melies y la historia de su vida es el cine, son sus películas, una vida feliz, llena de imaginación que se ve truncada por la 1ª Guerra Mundial que devuelve a la gente a la realidad y los saca de este mundo de fantasía que Melies creaba para ellos. Scorsese nos presenta a un Melies aburrido y desencantado del mundo que, de la mano del joven Hugo recordará su pasado, con el dolor que ello conlleva en un camino de redención, joder, esta película es mucho más profunda de lo que parece jeje.

Y si esta película es un gran homenaje al cine y sus orígenes y a la gente que trabajó en él creando sueños, es porque Scorsese ama lo que hace y se revela aquí, como se revela casi en cada film como el gran contador de historias que es, aunque en mi opinión esta sea su mejor película desde Casino, lo tenía que decir, algo me estaba comiendo por dentro si no lo decía. Martin es un tío inteligente como ya he comentado antes y por eso envuelve a su film con ese aura mágica, casi de cine infantil para contarnos una historia nada infantil, sobre personas que están rotas o estropeadas o que simplemente les falta una pieza para estar completos y que como un niño, con ilusión y tenacidad puede hacer que todos esos personajes encuentren lo que tanto ansían, la felicidad.

Estoy seguro que algún día se hará una película como esta sobre Scorsese, quizá yo no lo vea, ni mis hijos pero tal vez mis nietos un día vayan a ver una película sobre un tal Martin Scorsese, el fabricante de sueños.

10/10

MI SEMANA CON MARILYN

Que no os engañe la cara de dulzura e inocencia de Michelle Williams en la portada de este film que presagia una dulce y tierna película llena de amor al cine, porque no es así, que lo sepáis.

Nunca me han gustado las películas que tienen una idea chula en plan: "Vamos a contar el tortuoso rodaje de El príncipe y la corista y la relación de Olivier y Monroe, la vamos a petar en los Oscar ya verás" y continuan en plan: "Mira, la historia mola pero no se sostiene por ningún lado o metemos una trama de amor o esto no da para 90 minutos" y acaban siendo: "Vamos a ver, ¿tenemos a una actriz que haga de Marilyn de puta madre? porque la historia es una mierda como una catedral" Y así se gesta una película en pocas palabras. De repente te encuentras a Michelle Williams haciendo el papelazo de su vida fente a un guión distraído, que no se centra del todo en nada y que intenta ser mítico y no llega a mera conversación fumando un cigarro en la puerta del cine cuando sales de verla.

Y no es porque todo el mundo no se esfuerce en que la cosa salga bien, desde el veterano director inglés Simon Curtis que hace que la peli huela a flema y pastel de carne, todos con su acento y su elegancia; hasta Eddie Redmayne, el chico con el que Marylin mantiene un affaire/amistad/calientapollismo hace de puta madre su papel de chico ilusionado con una gran, aunque vulnerable actriz. Y luego, después de toda la gente que se esfuerza y lo hace muy bien y dotan a la película de su toque inglés está Kenneth Branagh que aún sigue pensando en cuando adaptaba como un loco obras de Shakesperare al cine y se le iba la pinza y sobreactuaba y todo en su cerebro era victoriano; el hombre mola, porque Kenneth es mucho Kenneth pero se le va a ratos la pinzaca un poquito interpretando a Laurence Olivier y tal vez sea por eso que se le va la pinza, por interpretar a un actor que sobreactuó hasta sin actuar, por eso se lo perdono, porque siempre será  un tío grande.

Y luego pues está Michelle Williams que es el pilar maestro de esta floja película que debía ser grande y épica y no lo es, no funciona como tal. Michelle, la viudísima de Heath Ledger es un portento sobrenatural de actriz desde que salía en Dawson crece y luego en Brokeback mountain y en otras pelis (ente las que se encuentra la muy laureada y que aún no he viste Blue Valentine) demostró un talentazo y ahora aquí interpreta a una frágil Marilyn que quiere ser una gran actriz y dejar atrás su faceta de estrellaca y hace que te la creas, Williams, con una mirada o una sonrisa embelesa al espectador y te dejas llevar de su mano por esta historia que desluce su actuación.

Pues como ya he dicho antes, no me gusta que una película dependa de una actuación porque el guión no sea suficientemente sólido y aquí esa debilidad está demasiado marcada aunque esta amada Marilyn sea aún mejor que la original.

6/10

NADER Y SIMIN. UNA SEPARACIÓN

El mundo del cine es un mundo muy complicado, a veces aparecen películas malas, a veces aparecen películas buenas, a veces aparecen películas muy buenas y a veces aparecen películas como esta, que no llamaré perfectas porque sería mucho arriesgar pero casi perfectas, redondas.

Porque por películas como esta, en la que nada va a trompicones, donde todo fluye y todo es tan real que duele vale la pena confiar en el cine. La historia de Una separación nos habla de Nader, un hombre que acaba de separarse de Simin y que debe contratar a una mujer para que cuide de su padre enfermo de Alzheimer. Un buen día Nader tiene un problema con la mujer que cuida a su padre y lo que viene después pues no os lo puedo contar porque sería entrar de lleno en una trama que es mejor descubrir a poquitos y disfrutrarla en su justa medida. Como habéis podido comprobar la historia empieza fuerte pero lo que se ve aquí son varias historias, la de Nader y Simin, sus problemas como pareja y como se unen para descubrir la verdad de un hecho insignificante que cambiará la vida de todos los personajes.

Luego tenemos a la cuidadora y a su marido por otro lado que defienden su verdad y su religión ante todo. Con las fichas sobre la mesa lo que deviene después es un guión estructurado de tal manera que te hará a ti también participe de los hechos y te hará posicionarte de un lado u otro conforme avance el film. Si algo ha hecho muy bien el director iraní Asghar Farhadi, entre otra muchas cosas es jugar con el espectador y hacer que durante el film cambies tu opinión sobre los personajes y te sorprendas en la parte final de hacia donde derivan los hechos que los personajes han realizado durante toda la película.
Son los actores otro punto fuerte del film, las dos parejas protagonistas que interpretan con la sobriedad necesaria unos personajes que luchan por defender una verdad y que hacen lo que pueden por que todo llegue a buen puerto mientras se pueda. Tanto la pareja formada por Nader y Simin que están separados, pero que se unen por una causa, transmiten de maravilla el amor que aún queda entre ellos; como la pareja de la cuidadora y su marido, que hacen lo suyo como una pareja que se ama y que quiere la verdad, sin ofender a su dios y apretados de dinero hasta el cuello.

Como no podía ser de otra manera, esta Nader y Simin es también la historia de Irán, un país que aún vive atado a la religión y a unas marcadas diferencias sociales que no hace sino enfrentar a su gente y que en este film se demuestra, porque los cuatro protagonistas son toda la gente de Irán, es una crítica feroz a un país que no da soluciones a sus ciudadanos que deben solucionar sus problemas de cualquier manera.

Esta película es un milagro, espero que os haya quedado claro durante la crítica, pero si no os ha quedado bien claro pues echadle un ojo porque vale la pena, más que cualquier otro film, mirad esta película que os golpeará hondo y que disfrutaréis intentando descubrir la verdad de estos personajes tan cercanos.

10/10

INFIERNO BLANCO

Esta es, sin duda la semana de los actorazos, primero una peli con Denzel Washington, luego Michael Fassbender y ahora Liam Neeson. Menudo papelón que se marca aquí Qui Gon Jinn en este peliculón digno del John Frankenheimer de los 70.

Y no ando muy equivocado al nombrar a Frankenheimer como motor de esta peli, ya que su cine, cuando hablaba de supervivencia y de hombres rudos era dios y aquí, Carnahan, me atrevo a decir que es un digno sucesor de este genio, hace lo suyo hablando de hombres, lobos y hombres, sobre todo hombres que están muy jodidos. Es curioso que haga una crítica sobre una película de hombres rudos escuchando el disco de Lana del Rey de fondo, resulta un poco gay, solo me falta estar embadurnado en aceite, es una reflexión personal jeje.
Bueno, la película nos cuenta la historia de John Ottway, el personaje de Neeson, que, junto a unos trabajadores de una planta petrolífera se ve atrapado entre las montañas nevadas de, de, de el culo del mundo que están repletas de lobos hambrientos, si esta película se hubiera hecho en los 70 con el ya mencionado Frankenheimer al mando seguro que la protagonizarían Jon Voight y Charles Bronson, al menos en mí cabeza sí.

Bueno, pues en estas se encuentran los hombres fortachones con corazón y con sus miedos e instinto de supervivencia a flor de piel. Desde el momento que el avión se estrella te hueles la tostada, pero a eso juega Carnahan a que te creas que esto va de heroes cuando en realidad va de hombres que tienen miedo de los lobos y de ellos mismos. También cabe destacar que Neeson es el protagonista pero el plantel de secundarios que le rodean es así fino y el guionaco que se marca Ian McKenzie Jeffers con el propio Carnahan está tan lleno de momentos épicos y tristes que hacen que la historia cale hondo en la gente. Porque esto no empieza con un grupo de hombres que salvan a niños de casas ardiendo ni a gatitos de árboles, esta historia empieza con hombres con los huevos pelados de currar que sevan a su casa a ver a sus familias y quieren ver a sus familias y se encuentran con el avión estrellado en mitad de la nada y con lobos asesinos que los quieren matar y el guión nos muestra como reaccionaría gente real a ese terror.

Pero como esta crítica la estoy haciendo para hablar de Liam Neeson pues al lío. Liam Neeson no es un actior, es una puta escuela de actores en un solo ser humano, igual te hace de Schindler, que te hace de maestro jedi, que te mata lobos a cuchillazos al tiempo que te hace soltar más de una lágrima por lo muy jodido que está, no revelo ningún spoiler pero el pobre Liam está muy jodido y además tiene que ejercer de líder de este grupo de hombres a través de la nieve y los lobos. Vamos que hace papelón, pero papelón papelón.

Pues ya está, aquí me quedo con mi Lana del Rey y sus Video games recomendando mucho esta película que hará las delicias de cualquier persona que le guste el cine de aventuras de verdad, de género puro y duro con actuaciones y situaciones al límite.

8'5/10

SHAME

Michael Fassbender me pone palote, pero muy palote. Aunque esta frase pegue mucho con el argumento de la película es completamente cierta, ¿cómo lo hace el bueno de Michael para actuar como actua? pues ese será para siempre uno de los enigmas de la humanidad.

Shame es la historia de un hombre que es adicto al sexo y un buen día se le presenta su hermana en casa con una mano delante y otra detrás y se tiene que quedar a vivir con él. A partir de ahí las miserias de ambos hermanos que son las miserias magnificadas de todos nosotros salen a la luz y todo esto rodado con una excelencia única que un director al que conozco con este film solo sabe hacer, con una delicadeza y una elegancia que parece insólito en un trama como esta. Steve Mc Queen, el artífice, guionista y director de esta joya tiene el estilo de Steven Soderbergh en The girlfriend experience pero sabiendo lo que cuenta y contándolo de una manera coherente, lo que el director, supuestamente indie más sobrevalorado del cine actual no sabe hacer.

La película es dura y deja poso. La forma en la que está rodada es cruda y directa, además de elegante y estilosa, pero dura es bastante; la vida de Brandon, el personaje de DIOS es sin duda un personaje de estos que hacen época y la verdad que no veía un personaje tan completo desde que vi Drive, si en aquella Ryan Gosling interpretaba a un hombre seco, duro, directo pero con buen fondo; Fassbender aquí interpreta a un hombre que es pura fachada pero que tiene un demonio interior con muchos secretos que acaban por estallar en una escena de 6 o 7 minutos de noche de desvarío y locura que duele, de verdad que duele.
Otro punto tiene el film que me gustó mucho es una banda sonora minimalista, con temas de música clásica metidas de una manera excelente; ese momento con Fassbender haciendo footing de noche para huir de su hermana y sus problemas, con esa música sonando y ese plano sostenido de Fassender es genial.

Y luego está Carey Mulligan, que es la secundaria más protagonista y robaplanos del cine actual y aquí, como en aquella Drive es la que vuelve loco al protagonista y hace estallar todos sus secretos y problemas de los personajes que la rodean.
Y el final, no digo nada porque sería un sacrilegio hablar del final de esta joya pero es la explosión de un personaje más dolorosa que he visto en mucho tiempo. Me dolió en serio.

Bueno, pues como aún sigo con el impacto de esta obra maetsra pues aquí lo dejo, invitándoos a disfrutar de esta maravilla cinematográfica porque ya no se hacen muchas de estas.

10/10

EL INVITADO

El invitado es la película de Tony Scott que no ha hecho Tony Scott porque la ha hecho Daniel Espinosa al estilo de Tony Scott y ya está ahora que lo repita el que tenga huevos jeje.

Esta película es el proyecto para lucimiento de Denzel Washington que de vez en cuando aparece por la cartelera, con la única diferencia de que este film es de acción pero no una acción americana de exageración pura y dura, aquí las persecuciones, las ostiacas y todo suena a cine europeo, es la película americana más cercana a Luc Besson filmada en tiempo. Aunque las cartas que juega el film, la relación amor/odio de Washington y Reynolds, la huída de ambos personajes y la vida de ambos que se ve alterada por la situación en la que se ven metidos tal vez no sea lo más original del mundo porque ya lo hemos visto antes, pero aún así todo está muy bien llevado dando una especial importancia a las escenas de acción que harán las delicias de los fans del género.

La historia, pues aunque no muy rebuscada es bastante entretenida: un ex-agente de la CIA (Washington) que se dedica a vender secretos de la agencia a enemigos, es detenido y llevado a un piso franco donde está Reynolds que lo tiene que defender de un ataque y entregarlo a las autoridades aunque ciertos actos de sus superiores le harán cuestionarse las cosas. El tito Denzel que, entre tu y yo, es Dios solo tiene que dejarse llevar porque el papel se lo conoce de maravilla porque es la enésima vez que lo interpreta, ya que lo ha hecho mil veces con Tony Scott, el personaje atormentado que sabe cosas secretas y que se ve envuelto en una trama de acción a tuti y traiciones varias esta hecho a su medida, aunque lo mejor, lo mejor de su personaje es el peinado, lo tenía que decir, jeje.

El partenaire de Denzel es el bueno de Ryan Reynolds y yo a este pavo le tengo cierto cariño porque la primera vez que lo vi fue en una peli de instituto que se llamaba Van Wilder y me hizo mucha gracia y porque, desde aquel film de fumetas ha demostrado que tiene la cabeza muy clara y que sabe hacia donde quiere dirigirse y lo está consiguiendo, su papel en Buried de Rodrigo Cortés fue la repolla y aquí, en un papel mucho más fácil de interpretar pero que solventa sin ningún problema.
Bueno y después de hablar de los actores pues de la película queda poco por decir. Que esto ya lo hemos visto antes, tal vez no mejor contado que ahora pero que ya lo hemos visto seguro y es una lástima porque Espinosa hace lo que puede con el material que tiene y lo hace de maravilla.

Pues todo eso con medio queso. Una película buena, para pasarse una tarde viendo ostias y persecuciones con estilo de la mano de un director y unos actores demasiado cómodos con lo que hacen porque saben que lo hacen muy bien.

7/10

PROMOCIÓN FANTASMA

Promoción fantasma o John Hughes se toma una birra (llámalo birra llámalo batido de vainilla) con Ivan Reitman mientras discuten sobre sus guiones en un bar de los ochenta y cuando menos se lo esperan entra Judd Nelson y se sienta con ellos; eso sería, exagerando bastante pero sin salirme un ápice de lo que es este film, esta agradable sorpresa.

Porque esta película vive porque existieron los ochenta y el cine de aquella época, y esta frase posiblemente sea la tontería más grande que me haya pasado por la cabeza en mucho tiempo, pero esperad, me explico. Promoción fantasma respira aire retro por los cuatro costados y las referencias a films como El club de los cinco, Porky's (por su humor de sal gorda) o, claramente Los cazafantasmas son innegables, pero olé sus huevos por hacer eso en España y que le salga tan de puta madre. Porque hacer pelis de adolescentes e institutos es muy fácil si eres americano y sabes dotar a tus historias de un toque inocente, pero si ruedas una peli de adolescentes en España posiblemente se meta por medio la mierda de la realidad social y los estudiantes sean unos drogadictos violadores que van a terminar sus vidas en la cola del paro o prostituyéndose, pero, y lo digo por una vez y sin que sirva de precendente, este género de películas lo hacen mejor los americanos y, sin copiar Javier Ruiz Caldera dota a su película de un estilazo y una elegancia que, de no ser por algún chiste o gag demasiado poco sutil, es digna de envidiar.

Porque, desde una banda sonora que hará las delicias de más de uno o una y una ambientación que te mete de lleno en aquella inocencia ochentera cuando solo se pretendía contar historias, nada más, divertirse sin intentar ser pretencioso, y eso Javier Ruiz Caldera lo sabe muy bien, si  en su anterior película, Spanish movie se mofaba a base de bien del cine  español a la manera estadounidense y de sus clásicas Scary movie, aquí hace lo suyo con el cine de instituto y con las situaciones divertidas que ocurren cuando un profesor que ve muertos debe ayudar a un grupo de estudiantes fallecidos en un incendio a solucionar sus problemas y abandonar el instituto de una vez por todas. La idea, como he dicho antes es el cruce perfecto entre el cine de John Hughes, los protagonistas mueren en un incendio en la sala de castigo, no puede ser más El club de los cinco; y también nombraba antes a Ivan Reitman por ese toque de cine fantástico tan dulce. Todo es muy inocente y precioso en esta película que hará las delicias de los treintañeros de la sala que se criaron con pelis como Todo en un día o Los Goonies, vamos esa época que está ahora tan de moda.

Pero si algo sostiene el film, aparte de una historia que engancha desde el minuto 1 por su ritmo ágil y rápido, es un reparto a la altura que cumple con nota. Desde Raúl Arévalo, que interpreta de maravilla a ese loco incomprendido que debe dar clase a ese atajo de muertos, perfectamente interpretados por esa nueva casta de actores salidos de televisión por los que no daba un duro pero que me han sorprendido bastante; también hacen de las suyas los chanantes Carlos Areces, interpretando al típico aguafiesta de peli americana que quiere joder el baile del instituto; y un divertidísimo Joaquín Reyes que junto a más de un cameillo completan un reparto que llevan el peso de esta historia que huele a chicle y borrador de pizarra.

En fin, entré con miedo a esta película y salí con una sonrisa de oreja a oreja al llevarme una sorpresa muy agradable y fresca que me hace confíar un poquito más en este director que asoma lentamente pero con pulso firme su cabeza en el panorama cinematográfico español.

7/10

LA MUJER DE NEGRO

Esta película se podría definir con una frase: "Tanto va el cántaro a la fuente del gótico que al final se rompe" y lo que en principio es una película tensa, intrigante y con una atmósfera tenebrosa se acaba convirtiendo en una película que da miedo, bastante miedito pero que no llega, no va más allá del susto.

Pues hala, ya lo he dicho todo en la primera frase jeje. Y no es una película mala ni mucho menos, se nota y bastante el sello Hammer detrás de todo el proyecto y eso es muy de agradecer porque si algo hacía la Hammer en su época mejor que nadie era meternos el miedo en el cuerpo y crear unos mundos Lovecraftianos que dejaban boquiabiertos. Y aquí esto ocurre, la cuidada atmósfera del pueblo, los personajes turbios y sombríos y la intriga que rodea a todo y a todos es digna de admirar y nos devuelve aquel cine gótico tan de aquella mágica y tenebrosa productora.

Pero algo no me cuadra, si esta película está tan llena de homenajes y huele tan a cine antiguo ¿por qué no sigue aquellas pautas? ¿por qué en la parte final, al menos en mi opinión el film se vuelve tan jodidamente tramposo y deja de lado al género que tan orgulloso homenajea? pues porque  no hay un pulso firme en un guión que sabe muy bien lo que cuenta pero no lo termina de redondear del todo. Como he comentado antes la parte inicial del film es muy Hammer y la sombra de aquel estudio sobrevuela todo el film pero la intriga de la película, resuelta de una manera bastante torpe y mil veces vista es lo que lastra el film, lo que la hace pasar de un nivel de cine con mayúsculas a cine para pasar unos sustos, simplemente.

Y no es porque Daniel Potter o Harry Radcliffe no lo intente, el chico da empaque al film y por momentos recuerda aquellos personajes oscuros que quieren buscar la verdad, tan del cine de los 50 o 60 y que acaban envueltos en una oscura trama de terror.

La verdad que todo el mundo en el film se preocupa de que todo salga bien pero el fallo está en la base, en un guión sin la suficiente contundencia como para engancharnos y no aburrirnos, como ocurre hacia la mitad del film. Pero vamos a los sustos, al miedito, que lo da y, sobre todo en la parte final lo da mucho, los sustos están muy bien colocados, la oscuridad, las luces todo está muy bien puesto para que no te huelas por donde viene el golpe y cuando menos te esperas........PUUUUUUM aparecen los fantasmas, terroríficos por cierto, muy de época. Pero ya está.

¿Da miedo? Sí, ¿es intrigante? también, pero no lo suficiente. Cuando empiezas a confiar en la película todo se diluye por el río de lo obvio, porque la intriga se resuelve demasiado rápido aunque los sustos intenten solucionar la papeleta.

6'5/10

BAJO AMENAZA

Desde luego que es una amenaza, ¿cuántas críticas sobre esta película habrán empezado con esta frase? pero no se equivocan, esta película es un aborto, es el fruto no deseado de una relación malavenida entre Joel Schumacher y Nicolas Cage y con Nicole Kidman de voyeur, suena muy desagradable pero así es.

Bajo amenaza es un film que debería hacer reflexionar a todos los seres humanos que han participado en ella, desde el propio director hasta el del catering, deberían reflexionar sobre sus vidas y sobre si de verdad se quieren dedicar a esto del cine. Podría centrarme en cada uno de los aspectos negativos de la película pero eso sería muy largo y se lo dejo a los críticos de verdad, yo me quiero centrar en tres puntos que superan el adjetivo de negativo para llegar a lo nauseabundo: Nicolas Cage, Joel Schumacher y el risible guión de este despropósito.

La carrera de Nicolas Cage estoy seguro que en el futuro será una asignatura universitaria porque, de verdad es algo digno de estudio lo de este hombre. Al principio Nicolas Cage molaba mucho, porque hacía papeles buenos, serios y la gente, cuando se estrenaba una peli suya decían: "esta la voy a ver que sale Nicolas Cage", pero ahora, ahora cuando Nicolas estrena uno de sus truñacos la gente piensa: "esta me la voy a bajar, voy a pillar hierba y me voy a partir el culo con el Nicolas Cage" y yo ya no sé si el tío lo hace sin querer o con toda su idea, en plan David Hasselhoff riéndose de sí mismo. Lo que sí está claro es que a este jambo ya lo interesa hacer buenas películas, lo que le interesa es hacer películas aunque sea junto a una mierda de dos metros, le da igual y aquí nos lo demuestra, incluso, llamadme paranoico si queréis pero yo creo que en un plano de un segundo Cage se ríe de nosotros OJO SPOILER: El tito Cage en una escena casi al final, cuando los ladrones se pelean y tiran una pared falsa y detrás está el dinero, viene un flashback y vemos a Nicolas escondiendo la pasta y cierra la pared y sonríe AHÍ, justo ahí es cuando se parte la caja de todos los que os acabáis de tragar una escena tan superevidente que redunda en algo que ya le ha quedado claro a todo el mundo y es que la pasta está detrás de la pared. Ay! Nicolas, no sé si reírme o llorar. Mejor lloraré de risa.

Muchos pensaréis, ¿no habla de la Kidman? bueno a Nicole aún no la doy del todo por perdida aunque anda por el mal camino. Bueno, a lo que vamos Joel Schumacher, el tío Joel, este sí es un cachondo. Este director siempre será recordado, al menos para mí, por ser el tío que hizo gay a Batman con sus dos ridículas secuelas (Batman forever y Batman y Robin), y tal vez porque solo estuvo acertado de verdad en dos películas: Última llamada y Tigerland, las dos con un argmento que tampoco va a romper el espacio/tiempo de la historia del cine pero son originales, bien rodadas y con ritmo endiablado. Pero nada más, Joel Schumacher es el típico director de pelis que se ven rápido y se olvidan aún más rápido (siempre había querido escribir esta frase desde que empecé a leer Fotogramas a la tierna edad de 9 años) y aquí ha perdido del todo el toque, el ritmo de este film que es evidente y aburrido va a trompicones y eso, en un thriller es un fallo garrafal, si no tienes un ritmo fijo, en aumento a poder ser, que te ponga nervioso ni thriller ni ná de ná.

Pero todo este desastre no podría suceder si detrás no hubiera un guión que dirigiese a todos al infierno de sus carreras. El guión de esta película firmado por Karl Gajdusek es el artificio más tramposo y rastrero filmado en mucho tiempo y lo es porque a través de artimañas demasiado vistas y manoseadas nos quiere meter tensión en el cuerpo y una intriga que, por mucho que se esfuerce no está, no aparece por ningún lado. Los secuestradores con sus subtramas son ridículos y no producen ningún miedo en el espectador y la trama de la familia con sus mentirijillas da más risión que otra cosa, bueno todo da risión en este film.

Me hace gracia cuando en una crítica, al final el crítico de turno dice lo siguiente en plan socarrón: "¿una recomendación sobre esta película? no la vean" pues sobre este film esa recomendación es quedarse corto. Mí recomendación es: HUYAN DE ELLA porque cuando la vean los bisoñés de Nicolas Cage les perseguirán en sueños.

1/10

CICLO JACQUES TATI. PLAYTIME Y BREVE CONCLUSIÓN

Si este ciclo fuera un menú de un restaurante este sería el postre, el más dulce y exquisito plato de un menú que no tiene desperdicio.

Playtime es LA película imprescindible de Jacques Tati, sin Playtime no vale de nada haber visto todo su cine de antes porque este sería su trabajo de final de carrera, un trabajo delicioso y con tantos matices como personajes. Ojo, que no estoy despreciando a todo lo visto antes en este ciclo pero es que esta Playtime es, sin duda la joya de la corona.

Es en este film donde Tati es más crítico con todo y con todos y es, otra vez a través de Monsieur Hulot, EL personaje, donde Tati canaliza toda esa curiosidad/crítica hacia el mundo moderno. No es muy diferente este film de sus otras obras pero si es esta mucho más artística y donde más claro y de una manera mucho más evidente se ve como Tati nos cuenta lo que le parecen los avances tecnoló gicos, un arma de doble filo que igual te hacen el más feliz y tu vida mucho más agradable pero que también te pueden hacer la vida imposible y convertirte en su esclavo.

Y ¿cómo hace Tati para contarnos todo esto? pues ni corto ni perezoso divide la película en dos partes muy bien diferenciadas, una mucho más artística y mucho más planificada, donde se ve la vida en un París diurno, que no dista mucho de un Nueva York o un Londres, ejemplificado en una escena en la que una turista se para a mirar carteles de diferentes países y todos ellos sale el mismo edificio con diferentes fondos, una forma brillante de demostrar que no hay diferencia, que el mundo se ha convertido en un lugar gris y aburrido donde la gente se dedica a trabajar y a no vivir ni saborear la vida. Y aquí es donde aparece Monsieur Hulot y trastoca esas vidas grises de todos los personajes que le rodean, es en este film donde Hulot danza sin oficio ni beneficio entre los grises y cuadriculados escenarios del film mareando a todo el mundo y haciéndoles ver la vida de otra manera con su entrañable torpeza.

Luego, en la segunda parte del film es donde la película se desboca por completo y el dulce sabor a locura que siempre nos da Tati en la dosis justa se vuelve contra ese mundo cuadriculado que tan bien fabricado se nos muestra en esta excepcional película. Y es a través de un restaurante que abre sus puertas por primera vez y, tanto su dueño como sus trabajodres se empeñan en que todo salga perfecto y al final, debido a la mezcla de idiomas y de deliciosos secundarios todo se va al garete y la película se vuelve una fiesta llena de color y luz.

En fin, como he dicho al principio, este exquisito menú llega a su fin con todo del revés, un Monseiur Hulot coronado como rey de este mundo deshumanizado que a través de risas y gags entrañables nos ha llegado al corazón y un cine para guardar y rememorar cada vez que tengamos un mal día, un cine para disfrutar y para olvidarse de que todo está muy mal, pero con una sonrisa todo cambia.

BREVE CONCLUSIÓN

Bueno, puesto ya está todo dicho sobre Tati, al menos por mí parte. Me quito el sombrero y lo cuelgo de la percha junto al abrigo de cuadros y guardo en mi estatenría de DVD's, en un lugar muy especial lo que ha sido sin duda una experiencia maravillosa y gratificante, volver a disfrutar de este cine tan inocente como crítico y cínico es algo que todos deberíamos hacer alguna vez y si es con Tati/Hulot pues mucho mejor.

CICLO JACQUES TATI. LAS VACACIONES DEL SEÑOR HULOT

Por el argumento del film y por ser, tal vez y a simple vista la película quizá menos trascendental de Tati podamos llevarnos a engaño. Las vacaciones del señor Hulot no es tan simple ni vacía, ni mucho menos, nos encontramos aquí a una película nominada a la Palma de Oro en Cannes y nominada al Oscar a mejor guión. Ahí lo dejo.

Bueno, como iba diciendo esta película que, a simple vista parece escrita para que Monsieur Hulot haga las delicias de los espectadores con sus momentos delirantes en las que la lía parda y se luzca, va mucho más allá y nos habla de la gente, de una manera que Tati maneja de una manera excelente, una manera que ya he comentado alguna vez en este ciclo, me refiero a la ternura y en eso Tati es un maestro. Aquí radiografía a la gente, a los veraneantes que no olvidan en ningún momento su vida laboral olvidando lo que están viviendo, las vacaciones. Pero ahí llega Hulot para vivir las suyas mejor que nadie, para él las vacaciones son eso, para descansar y pasarlo bien y su llegada al hotel donde suceden las hilarantes escenas cómicas del film hace cambiar la vida de los espléndidos secundarios que allí habitan.

Y he aquí uno de los puntos fuertes del film. Los secundarios. Desde la pareja alemana que simplemente pasea y nos enseña el hotel y la playa por donde pasan los personajes; el dueño del hotel demasiado preocupado porque todo vaya bien; el padre de familia al que siempre interrumpen cualquier momento familiar con una llamada de trabajo; el camarero del hotel que no soporta a Hulot y su comportamiento; los niños que se lo pasan pipa con las divertidas situaciones de Hulot o la hermosa chica rubia que descubre junto a Hulot unas vacaciones mucho más divertidas de lo que parecían en un principio.

Pero no me olvido de los gags, si antes he dicho que esta no era una película para el lucimiento de Hulot no era del todo sincero ya que es en esos momentos cuando Tati saca toda la maestría visual que tiene dentro y nos regala momentos divertidísimos que parten de las situaciones más tontas, ese es el Tati heredero de la mejor comedia muda.

En fin, este es el cine de Tati, el que me vuelve loco y por el que estoy haciendo este ciclo, para recuperar, en tiempos en que el cine es un negocio mecánico y las películas son todas iguales, como fabricadas en serie, vale la pena recordar cuando el cine era artesanía, algo digno de verse.

CICLO JACQUES TATI. MI TÍO

Continuamos para bingo con el ciclo sobre la obra de Jacques Tati. Me acabo de poner en modo repeat Rock the Casbah de The Clash para hablar sobre esta peli que es buena por muchos motivos, porque no es solo la historia de un chaval y su tío, es mucho más.

Con Mi tío nos encontramos con la película posiblemente mejor tratada por la crítica de Tati y lo es porque Mi tío es la película más completa de este hombre, nos habla de personas, de lugares, de la modernidad frente a lo antiguo, de la madurez, de todo y de una manera tan entrañable como solo el bueno de Jacques sabe hacerlo. La historia gira en torno a un niño que vive en una casa muy moderna con unos padres que son unos snobs y que siempre que sale por ahí con su tío, Monsieur Hulot se lo pasa de maravilla, ya que Hulot vive en un edificio humilde en un barrio humilde de Francia, por cierto el plano en que Tati nos presenta el edificio en que vive Hulot de una manera casi de película de dibujos animados con Hulot subiendo los escalones de un piso a otro y nosotros lo vemos desde fuera entrar y salir de un rellano a otro hasta llegar a su casa en lo más alto del edificio es fantástico.

A través casi de los ojos de ese niño, el sobrino de Hulot vemos como son los mayores (y con mayores me refiero a gente adulta no ancianos, aunque sobre la aclaración jeje) hacen su vida de una manera casi ridícula, porque si algo hace muy bien Tati es contarnos como somos, ridiculizarnos y nosotros tan felices viendo un reflejo grotesco y deformado de nosotros mismos en la pantalla, pero claro, como es tan maravilloso y delirante pues te dejas llevar.
De esta manera Tati analiza en esta película (y se ríe a gusto) de los inservibles artilugios de una casa exageradamente moderna ensalzando la figura de la humildad en la que vive Hulot y que finalmente sale como ganadora; vemos también la historia de Hulot y el padre del niño y de como el padre siente celos de Hulot porque pasa mucho tiempo con su hijo y este lo ve como un segundo padre, problema que se solucionaría si el propio padre dejara de lado su trabajo para atender a su hijo y ser cariñoso con él, cosa que Hulot de manera inconsciente sí hace.

Otro tema que trata la película es el de querer encerrar a Hulot en un trabajo privándole de su libertad, esto lo quiere su cuñado, el padre del niño para alejarlo de él y para que sea alguien. Es muy de admirar lo mucho que Tati quiere a Hulot y como hace que su personaje sea el eje principal de una historia de padres e hijos, de familias y de saber lo que de verdad importa, más allá de casas muy modernas o de cuanto dinero puedas ganar.

Cierro aquí esta crítica recordando esa imagen final en la que el niño coge la mano a su padre tras hacer una travesura recordando a su tío Hulot y haciendo que el niño al final vea en su padre a la persona que quiere. Gracias Tati.

CICLO JACQUES TATI. BREVE INTRODUCCIÓN y DIA DE FIESTA

¡Rápido! Enfundémonos el sombrero torcido de medio lado y el abrigo de cuadros hasta las rodillas, coloquémonos la pipa en la boca y convirtámonos en Jacques Tati. El director que hizo de lo entrañable su arma para contarnos como estaba el mundo, el más digno heredero de Buster Keaton o Chaplin, no solo por su forma de actuar sino por su forma de dirigir, haciendo un cine tan entrañable y delicioso que, al mismo tiempo que te hacía soltar una sonrisa te hacía pensar en el mundo, en el modo de vida americano que cambia el mundo, en el la inoncencia de un niño que mira a su tío con admiración, en las vacaciones de un admirable torpe llamado monsieur Hulot o como a través de los ojos de ese mismo torpe observamos el cambio y el modernismo que inunda las ciudades hasta el punto de no saber en cual se está.
Haced como yo, reclinaos en vuestra butaca favorita y disfrutad del cine con mayúsculas, disfrutad de Tati.



DÍA DE FIESTA.

Debo confesar mi admiración por esta película desde la linea uno de esta crítica. Me parece la mejor película francesa de la historia junto a la obra magna de Godard, Al final de la escapada, casi ná!

Nos encontramos en 1949 y ante la primera película de Tati tras aquel mediometraje filmado en 1935 llamado Gai dimanche; el maestro rodó esta película en color pero finalmente se estrenó en blanco y negro, pero en 1994 se restauró la copia en color y se estrenó de nuevo en cines. Ya os he situado en el tema, pues ahora a la crítica propiamente dicha, que será más homenaje que crítica.

La historia de esta película gira en torno a un cartero de pueblo, más concretamente del pueblo de San Severe que, tras ver una película sobre los carteros americanos, una exageración divertidísima donde los carteros se tiran en paracaídas y entran a incendios solo para entregar la correspondencia a tiempo; decide convertirse en uno de ellos e intenta hacer su trabajo "a la manera americana", imaginaos, todo eso aliñado con el hilarante humor de Tati y mientras nos enseña la vida cotidiana de un pueblo durante un día de fiesta popular.

Desde el principio, donde vemos a una feria que llega al pueblo y a los caballitos de plástico del tío vivo que asoman por encima del camión nos metemos de lleno en un mundo de humor inocente y blanco que va directamente a la esencia misma de la comedia y de las personas, como los niños siguen al camión a la ciudad y esa anciana con su cabra nos habla de tal o cual personaje del pueblo es entrañable y hace que te coloques en pocos minutos dentro de la historia que, desde que aparece el divertido cartero se la lleva con él.

Es en el humor a lo Keaton (el momento de Tati colocándose la mochila con el correo es tan cine mudo) donde la película se siente más agusto y donde Tati se deja llevar, no sin golpear conciencias haciéndonos ver que el estilo americano, la forma de vivir o trabajar que nos dictan desde fuera no es la adecuada, tal vez sí, pero no para ese cartero de pueblo que entrega su correo y que conoce a todo el mundo y al que todo el mundo quiere.

Esto es solo el principio del ciclo, mañana Mí tío y más Tati, me ha encantado empezar con esta película que adoro y que nos devuelve a la esencia del cine que, como decía Godard: "son 24 fotogramas por segundo" pero en el caso de Tati ¡Vaya fotogramas tan bien aprovechados!

LOS MUPPETS

Me siento en la obligación de empezar esta crítica diciendo que estoy contento, mientras escucho The suburbs de Arcade fire y recuerdo el buen rato que pasé el sábado por la noche viendo esta película que es lo más parecido a un caramelo hecho film.

Empieza Ready to start y el gozo por este disco que antes odiaba crece por segundos. Los Muppets es la película que el fallecido Robert Altman hubiese hecho si no estuviese muerto, porque todo en esta peli nos recuerda y mucho aquel directorazo. Los personajes pasados de moda, porque si algo se transmite durante toda la película es que Los Muppets están tan pasados de moda como sus chistes y eso es un gran logro de la película, hacer que veamos a estos personajes de nuestra infancia como viejas glorias venidas a menos que deben reunirse para salvar sus estudios y su pasado. Ese es el gran acierto del film un blanco, aunque puzante en algunos momentos guión de Jason Segel y Nicholas Stoller que hace que tras cada número musical haya una crítica a la televisión, a los empresarios e incluso a los propios Muppets que han destrozado sus carreras por seguir siendo estrellas, aunque se les apagó la luz hace mucho.

Y si antes he mencionado a Jason Segel es momento de volver hablar de él, no hay más que ver a su Marshall de Como conocí a vuestra madre para darnos cuenta de que ESTE TÍO ES DIOS! es un cachondo que dota a la película de ese humor hilarante tan Muppet, a este tío le molan Los Teleñecos de toda la vida, eso se nota, el guión trata con verdadro cariño a los personajes y hace que esos muñecos de trapo actúen mucho mejor que el 90% de actores de carne y hueso. Y no es solo eso, el guión sabe dar cuando ha de dar, no es oro todo lo que reluce en el mundo de Los Muppets y ahí nos encontramos con la carrera, muy venida a menos del oso Fozzy o la relación de amor de Gustavo y Peggy o el personaje de Gonzo (nunca supe que animal era esta personaje jeje) dueño de una empresa de productos de fontanería que ansía volver aquella vida de locura que era actuar con los Muppets.

Y si por algo era famoso el show de Los Muppets era por las estrellas del mundo de espectáculo que pasaban por allí y que pasan también por esta película sin parar. Desde el más que divertido y surrealista Jack Black hasta Whoopi Goldberg, Neil Patrick Harris, Selena Gómez y muchos más pero si hay un cameo que me hizo levantar de la butaca y aplaudir como un loco es el de Jim Parsons (Sheldon en The Big Bang Theory) interpretando junto a Segel la que es en mí opinión LA canción del film.

Bueno pues me marcho con mi Suburban war a seguir disfrutando de Arcade fire mientras guardo, como guardaba aquellos shows televisivos en mi memoria esta maravillosa película que habla sobre la gente, famosa o no que encuentra su lugar en un mundo deshumanizado, algún día expertos verán esta película y se reirán de nosotros, estúpidos humanos que vimos en ella una estúpida peli de muñecos de trapo para pasar la tarde, porque aquí hay oro en cada fotograma. Un milagro.

9/10

LA CHISPA DE LA VIDA

¿Tú estás enfadado con el mundo? ¿y tú? ¿y tú, aquel de allá? Pues Alex de la Iglesia está muy enfadado con el mundo y eso juega en su contra.

Y juega en su contra a base de bien. La película parte con una idea original pero aquí la historia a de la Iglesia le importa más bien poco, a él le importa dejar claro que la peli va de la crisis, de los medios de comunicación y de que todos estamos jodidos. Y eso perjudica mucho al film. Los personajes de trazo grueso, las situaciones exageradísimas, el final, vaya final, que lástima.
Todo está demasiado forzado y demasiado al servicio de don Alex, él hace y deshace, para algo es el director, pero no tiene la mente clara en este film. Si en Balada triste de trompeta estaba enfadado con todo el mundo, ya fueran de izquierdas o de derechas y le daba igual todo, porque dejaba claro de manera muy poco sutil que todos son iguales y que España es una víctima y sus ciudadanos también; pues aquí vuelve otra vez a estar cabreado, esperad, esperad que ahora os lo cuento.

Y os lo cuento ya. Alex de la Iglesia esta enfadado como un quinceañero de los que firman con la A de anarquía y llevan palestina y eso, en un director de su talla que ha hecho tanto y sabe tanto de este negocio no es digno, no. Y ya lleva dos films metiéndonos la idea en la cabeza de que el país va mal, ya lo sabemos, hay crisis, pobreza, corrupción pero parece que él se acaba de enterar ahora y reacciona de esta manera con un cine poco sutil, jugando a ser Fernando León de Aranoa aún menos sutil que aquel (que ya es decir XD) pero con cierto estilo.
Si algo se puede decir es que, aunque de la Iglesia nos lleve por donde quiera, utilizando las artimañas más sucias del melodrama telefilmesco, aún así lo cuenta bastante bien y aunque ya no queda casi nada del toque de genio creador que parió El día de la bestia y La comunidad, lo que queda se nota, se nota cierta mano que es lo que hace que me deje llevar, aunque me cueste bastante.

Bueno, en lo que actores se refiere, la película vive por y para José Mota y el humorista (que no es santo de mi devoción ni mucho menos) defiende muy bien su personaje y es, sin duda el mayor atractivo de la película; porque en lo que a secundarios se refiere la película pincha, no por los actores sino por los personajes, actores de la talla de Salma Hayek, Fernando Tejero, Juan Luis Galiardo, Juanjo Puigcorbé (hay vida después de interpretar al Rey, aunque lo interpretara del culo) hacen lo que pueden con el material que tienen pero aún así todo queda demasiado fingido, demasiado exagerado lo cual juega en contra del film ya que no llegas a conectar en ningún momento, al menos eso fue lo que me pasó a mí.

¡Ea, ea, ea Alex se cabrea! Espero que se le pase pronto el cabreo y vuelva a llevarnos de la mano a su mundo de personajes increíbles y caricaturescos en películas donde encajen y no en films, supuestamente serios, aunque no me llegue.

5/10