RETROCRÍTICA. LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES

Hablar de La noche de los muertos vivientes es hablar sin duda de una de las mejores películas de la historia del cine y también es hablar de uno de los creadores más estrafalarios de la historia. Por eso, porque es #TheMotherOfAllClassics como he escrito hoy en twitter, le dedico una Retrocrítica a este film inolvidable.

Este film supuso el debut en 1968 del otrora gran director George A. Romero, posiblemente el hombre que mejor ha tratado el tema zombi en el mundo del cine. Con sus aspectos más gores y frívolos pero con esa personalidad de cine de denuncia Romero siempre ha utilizado a los zombies para agitar al sistema y eso, aunque nunca se note en demasía en sus películas es algo que está ahí y lo hace grande.
La noche de los muertos vivientes es, además de uno de los ejercicios de estilo más grande jamás parido una obra en contra del racismo que utiliza a los zombies como seres a los que odiar, como los negros en aquella época y, tiene gracia que sea un negro el que lidere a estos supervivientes en esa casa en Pittsburgh.
La película de Romero es ante todo un debut y como debut tiene esas pretensiones que a ratos sobran pero que en este caso redondean el film. Se nota que la peli está hecha con cuatro duros y con muchas ganas de hacer cine y como dijo el amigo que venía conmigo a verla: "huele a clásico" es una gran verdad porque tiene ese aire de opera prima super elaborada.

Porque esta película es un film de autor, tiene momentos de verdadera brillantez, el desarrollo de los personajes, la trama, que funciona como un crescendo de supervivencia es la madre, quizá la abuela de todo el cine de zombies que nos azota actualmente. Esta película tiene todas las claves sobre como hacer un film de zombies redondo y es que desde el principio la película hace que dejes llevar y casi sin darte cuenta estas dentro de ella, sintiendo verdadero pánico y, aunque lo he dicho alguna vez La noche de los muertos vivientes es, sin duda la única película de zombies que me ha dado miedo de verdad, porque el aire que se respira es de absoluta intranquilidad y a eso contribuye un maquillaje bastante simple pero que produce un efecto terrorífico en el espectador.

Y antes de terminar un consejo: si no la habéis visto debéis verla y si la habéis visto volver a verla pues cada vez que se revisiona un clásico como este uno descubre cosas que la hacen aún más maravillosa.

10/10

EL EJERCICIO DEL PODER

Este film nace como un gran ejercicio de cine político pero se desinfla rápido cuando no hay detrás un nombre de peso como Costa Gavras que de garra y contundencia a una historia tan tediosa como esta, a ratos bien rodada pero lenta y confusa la mayor parte del tiempo.

La nueva película del director Pierre Schöller empieza muy valiente, con una de las escenas iniciales más impactatntes y brillantes vistas en los últimos años. Hay vida tras este inicio tan prometedor, la historia del ministro de transportes francés con cierto accidente de autobús y la subida de las tasas de peaje en las autopistas empieza con garra, te coge del brazo y te obliga a mirar de frente a unos personajes muy bien escritos que danzan al vals que marca su director para poco a poco irnos soltando y al final dejarnos ir sin que lo que acabamos de ver nos interese demasiado.
Tal vez sea porque la película se pierde entre tanto tecnicismo o simplemente porque el guión se hace la picha un lío con el mismo metiendo mucha trama secundaria y dejando de lado una trama inicial con poca fuerza; pero el film no llega, los actores están perfectos y muy muy creíbles, de hecho a ratos llegas a temer por aquellos que nos gobiernan para luego llegar a la conclusión de que me cuenten lo que me cuenten son unos cabrones, no hay más moraleja que esa y el film no se esfuerza demasiado en rebatirla.

Y es que el film tiene cualidades para ser grande, a ratos me recuerda a la gran película de Paolo Sorrentino "Il divo" donde hablaban de un personaje tan potente como Giulio Andreotti. Aquí no hay un protagonista tan fuerte pero sí un ser humano cercano y brillante como es este Bertrand Saint-Jean con el que conectamos desde el minuto uno. Pero más allá de los tecnicismos, de una trama que avanza torpemente, de un golpe de efecto a mitad de film que no la ayuda lo más mínimo y un cierre bastante confuso, El ejercicio del poder es la historia de la amistad entre dos hombres, el propio Bertrand y su hombre de confianza Gilles y es al final lo que acaba importando más a Schöller, mostrar la amistad frustrada de dos hombres callados y serenos y eso se agradece pero si no sabes cerrar todos los cabos el resultado final acaba siendo una mera anécdota en mi memoria cinco minutos después de verla.

En fin, El ejercicio del poder no es una mala película, es un buen drama político hecho por un director no muy dado en estos lares que dirige muy bien, que perfila muy bien a los personajes pero que se pierde en tecnicismos que me hacen perder la atención y perder el hilo en un film de este tipo significa perderlo todo.

6/10

ON THE ROAD

Debo reconocer, para empezar la crítica que no he leído la novela que marcó a una generación de Jack Kerouac en que se basa la película, desconozco a la generación beat y no tengo un espíritu viajero y tanta curiosidad por descubrir cosas de la vida como los protagonistas del film. Pero aún así me ha gustado.

On the road cuenta la historia de un joven llamado Sal Paradise, un aspirante a escritor decidido a conocer el mundo a través de los ojos de Dean Moriarty y su novia Marylou. La historia ya nos la sabemos, tanto para los que han leído la novela, que por supuesto la idolatrarán, como para el resto de mortales que ya nos empieza a oler a film mil veces visto. La verdad que como película no es que vaya a buscar una originalidad rompedora pero lo que sí busca y sin duda logra es contar la historia del aprendizaje a la vida, del conocimiento de todo lo bueno y lo malo del modo más triste posible. Es un film delicado como una florecilla pero a ratos despistado como los pétalos de esa florecilla en una noche de ventisca otoñal. Sí, se me ha pegado algo de la poesía y el pesimismo de los beat's de los cuarenta.
Y no es que la película no cuente bien lo que cuenta, lo cuenta de maravilla, con gracia y estilo pero es hacia mitad del film cuando pierde un poco el rumbo y seceden demasiadas cosas en muy poco tiempo, sn profundizar en los personajes demasiado cuando la historia lo requiere. Es un fallo horrible de guión, un guión que, por otra parte huele a años cuarenta, huele a humo de cigarrillos y a la gasolina de este coche que atraviesa las carreteras americanas hasta México.

Porque la amistad entre Sal y Dean es sin duda el gran plato fuerte del film. Acompañados por unos secundarios que no hacen justicia a la grandeza de estos personajes tan bien perfilados; la actuación de Garrett Hedlund y Sam Riley es lo mejor de la película. Porque la Stewart, como es habitual no llega, aquí casi casi llega pero no; Kirsten Dunst no me convence y los personajes de Mortensen y Buscemi son meras anécdotas que no hacen avanzar nada la historia. Es la relación de los dos protagonistas, su viaje tanto físico como emocional, sus conversaciones y sus vivencias son lo que alimenta el film. Engrandecido, claro está por una dirección impecable de Walter Salles que, aunque repite la estética y casi parece poner el piloto autómatico de cuando dirigió Diarios de motocicleta, también dota de gran personalidad al film.

Como he dicho al principio no conozco la novela original de Kerouac pero después de ver este film, un poco despistado pero cuando se mete en faena verdaderamente genial, me han dado ganas de conseguirlo y ahora que hay tantas ferias del libro por ahí danzando a ver quien me lo regala, ahí lo dejo.

7/10

TO THE WONDER

Esto es más una advertencia que una crítica sobre el último film de Terrence Malick: CORRED INSENSATOS!!! La gente que la ha sufrido, entre los que me incluyo ya somos suficientes.

La nueva película de Terrence Malick es posiblemente el film donde más sentimientos por centímetro cuadrado se expresan y a la gente menos le importan. La peli va sobre una pareja en horas bajas, solo han hecho falta nueve palabras para definirla y no casi dos horas de voces en off, de planos de campo de trigo y de los protagonistas bailando. Esta película es uno de los casos más irritantes de película hecha de descartes y planos tontos y chorras de la historia del cine reciente.
En la película Malick juega a ser Jaime Rosales pero sin la chicha ni la cercanía de los personajes de Rosales, que si bien rueda como le da la gana y hace lo que quiere está convencido de la que la historia avanza sola porque hay unos personajes sólidos que la llevan a buen puerto. Pero eso no pasa con Malick, desde el minuto 1 los personajes de Kurylenko y Affleck nos caen mal porque no hacen más que reir y reñir y se miran y luego un plano de una ventana y luego se ríen y plano de un río, así no se puede hacer un film serio y desde luego la película no va a ningún sitio porque nunca llegas a darles la oportunidad a los personajes de que te caigan bien.

En cambio la película, al igual que El árbol de la vida tiene una fotografía hermosísima, con unos planos que aunque completamente vacíos son hermosos.
Y luego tenemos a unos secundarios que entran y salen según le conviene al tramposo guión de Malick, Rachel Mc Adams y Javier Bardem, ella, por lo que parece ejerce como amante del personaje de Affleck y el de Bardem es un sacerdote que no pinta nada en absoluto ni ayuda en nada a una trama ya de por si muerta; y mientras la Kurylenko baila y llora a su rollo.

Nunca he confiado mucho en este director y desde El árbol de la vida aún menos, pero ahora con este pastiche culebronesco con aires de epopeya metafísica sobre las relaciones de pareja me ha terminado por matar.

0/10

LA CAZA

Han pasado unas doce horas desde que vi esta película y aún se me sigue poniendo la carne de gallina al recordar algunas escenas además de lo crudo y descarnado de su trama.

Este film, La caza, es la nueva obra de uno de los directores que fundaron el ya olvidado movimiento de Dogma'95, una gafapastada como una casa con sus normas y sus historias que no llegó a ningún sitio en cuanto a los creadores se les vio el plumero. Pero de aquel movimiento salieron unos cuantos directores con un verdadero talento para contar historias, uno de ellos es Lars von Trier y el otro es Thomas Vinterberg, el director de la película que nos ocupa. Este hombre tiene talento, como von Trier, pero este de un modo mucho menos histriónico y desfasado, Vintenberg prefiere más una historia para paladares exquisitos que una ida de olla, con clase pero ida de olla al estilo del bueno de Lars.
Y este film es sin duda una clara muestra del talento de Vintenberg. La película que cuenta la historia de una mentira sobre un abuso sexual a una menor en un pueblo pequeño que destroza la vida de su protagonista es dura, muy dura. Tal vez el modo en que esta rodada recuerde a veces a esos telefilmes de Domingo por a tarde, pero más allá de esa imagen hay un drama muy profundo y muy difícil.

La historia es dura y necesita a un actor con carácter para interpretar a este profesor al que acusan falsamente de tan brutal delito y ese actor es el más que brillante Mads Mikkelsen. Este hombre, al que hemos visto siempre correcto y en ocasiones sobresaliente en films como Casino Royale o Un asunto real y ahora mismo en la serie Hannibal, sus trabajos son notables siempre pero aquí, con una interpretación contenida y dura que hace que el film aún te golpee más duramente, está perfecto, todos los méritos son pocos porque interpretar a un hombre con semejante empresa en sus manos puede ser muy duro.
Además de una buena historia y una gran interpretación la película consigue que reconozcamos a un Vintenberg que no veíamos en su máximo esplendor desde Celebración, sin duda su obra maestra. Siempre, en las películas de este señor se cuentan historias corales donde tanto el protagonista como los secundarios tienen máxima importancia y aquí no es un caso aparte, la película muestra como un pueblo se deja llevar por la histeria a través de una mentira horrible y las reacciones ante este profesor torturado.

Vintenberg ha vuelto para darnos donde más nos duele con una película notable con una dura historia que deja poso, un poso amargo.

8/10

DÍA EVIL DEAD. MICROESPECIAL. POSESIÓN INFERNAL ANTES, AHORA Y SIEMPRE.

Y para cerrar el día dedicado a "Evil dead" en Microcríticas nada mejor que terminarlo con un especial sobre el fenómeno que supuso este film entre la gente en los ochenta y repasar también las secuelas que de ella se hicieron.


EVIL DEAD. PELÍCULA DE VIDEOCLUB.

Cuando Sam Raimi y su productor Robert Tapert se presentaron de puerta en puerta en los estudios de cine más impotrantes con una película bajo el brazo titulada "El libro de los muertos" nadie confiaba en aquella pareja. Pero cuando al fin llamaron a la puerta adecuada se les abrieron las puertas del cielo. La película se estrenó en Estados Unidos en 1981 convirtiéndose en una must be de las sesiones de madrugada. Durante el año siguiente el film fue estrenado en festivales como el de Cannes, Londres o Sitges.
Pero fue en el mundillo de las sesiones golfas y en el mundo del videoclub donde "Evil dead" se convirtió en el clásico de culto que es hoy en día. La historia de Ash, interpretado por Bruce Campbell y sus amigos en aquella cabaña del bosque encandiló a la gente de todo el mundo, en Estados Unidos su edición en VHS llegó a vender casi diez mil ejemplares convirtiéndose así en el film más vendido y alquilado del año.
Y es que "Evil dead", que siempre ha despertado amores entre los fans al terror, nos gana por su amor al gore más sucio, nos gana a todos porque es un cine que libera, cuando te pones "Evil dead" no buscas darle vueltas a la cabeza, buscas liberarte y disfrutar. Se podría hablar de esta película como de una película de colegas y cerveza, un guilty pleasure espléndido que más allá de la chabacanería y la serie B es un film muy bien dirigido que consiguió meterse en el bolsillo al elitista público de Cannes.

Pero esta película de colegas no pudo librarse de la censura por su extrema violencia. En países como Suecia, Malasia, Singapur, Irlanda e Islandia prohibieron la película por su alto contenido violento y por lo explícito de sus imágenes. También en Londres el VHS fue retirado de la venta en 1984 y cuando al fin en 1990 salió de nuevo a la venta la comisión de censura había eliminado sesenta y seis segundos por su extrema violencia. Dicha comisión definió la película como "obscena" y es que el film del joven Raimi causó un gran revuelo, para bien y para mal. Pero a día de hoy sigue siendo un clásico inmortal que engancha a miles de fans de todas las edades y lugares, porque la sangre y el cachondeo es igual en todo el mundo.


EVIL DEAD. REBOOT, SECUELA Y REMAKE.

Y es que, como ya he dicho durante todo el día de hoy, "Evil dead" es historia del cine y como buena historia de exito las secuelas no se hicieron esperar.
Corría el año 1987 cuando Sam Raimi, apabullado por el exito de "Evil dead" y la buena acogida de su siguiente film "Crimewaves", decidió reiniciar la franquicia de "Posesión infernal" sacándose de la manga uno de los reboots más curiosos y originales de la historia del cine. A este reboot se le tituló en inglés "Evil dead 2" y en español tuvo el glorioso título de "Terroríficamente muertos". Aquel film contaba la historia de un joven llamado Ash que se llevaba a su novia a pasar un fin de semana romántico a una cabaña en el bosque, encontraba un Libro de los muertos y el resto es historia. Me gusta definir a este film como un "Evil dead" puesto de todo y no me equivoco demasiado en la definición porque con un presupuesto bastante más elevado que el del film original Raimi se sacó de la manga una comedia de terror enloquecida y excesiva en todo, a día de hoy sigue siendo un film único y brillante que sigue haciendo las delicias de los fanas de la saga tanto como el film original.

Pero no contento con esta historia desquiciante y espectacular a Raimi no se le ocurrió otra idea que cerrar la saga con el film quizá más loco de todos. Porque si antes la saga o mejor dicho reboot tenía cierto sentido (jóvenes en una casa en el bosque) ahora la historia nos llevaba a viajar en el tiempo hasta el medievo en una lucha entre los humanos y los muertos con Ash como punto central.
Fue en el año 1992 cuando Sam Raimi, tras el enorme exito mundial de su film "Darkman" junto a Liam Neeson se ponía manos a la obra a trabajar de nuevo en el mundo de "Evil dead" donde lo dejó en "Terroríficamente muertos", con Ash en mitad de la era medieval con un muñón en una mano donde había insertado una sierra mecánica y en la otra una escopeta. A esta historia la llamó "Evil dead 3" y en España la conocimos como "El ejército de las tinieblas".
El film contaba como Ash debía cerrar para siempre el Libro de los muertos y evitar una gran guerra entre vivos y muertos y así volver a su época, por supuesto las cosas no le iban a salir bien y eso es lo que más nos divierte a todos. La película fue posiblemente la epopeya gore más cachonda que se ha hecho nunca y los que nos enamoramos desde el principio de esta saga la gozamos como enanos. Aunque aquí la violencia no fuese tan sangrienta, la batalla final entre humanos y esqueletos que se movían con cables y que a ratos, en los planos de pelea parecía un film de Harryhausen la convertían en un placer al nivel del resto de la saga. Una gozada inolvidable.

Pasó el tiempo y "Evil dead" se nos quedó en la retina a todos, las imágenes impactantes de sangre y amputaciones son parte de la cultura colectiva.
Pero entonces en 2012 aparece Fede Álvarez con un guión bajo el brazo que reinicia la franquicia con un remake, este guión llega a manos de Sam Raimi y Bruce Campbell que encantados ponen su pasta para financiar el proyecto y así, de la noche a la mañana nace un film que no desmerece en nada a los anteriores, quizá se echa en falta ese toque pícaro y cachondo, el film se toma demasiado en serio a si mismo, pero aún así recupera el espíritu y este que os escribe salió encantado de verla, por un momento recuperé la fe en que hay vida más allá de "Spiderman" y que tal vez Raimi algún día entre en razón y vuelva al universo que creó y por las últimas noticias que aparecen por ahí tanto el director de este film el uruguayo Fede Álvarez como el popio Raimi están trabajando en sendas secuelas de sus films, el primero en una secuela de este remake y el segundo en una cuarta "Evil dead", más concretamente una secuela de "El ejército de las tinieblas". Respiremos tranquilos, parece que aún hay "Posesión infernal" para rato.


Y es que Evil dead forma parte de nosotros, desde que Ash abrió por primera vez el Libro de los muertos todos entramos con él en este terrorífico mundo lleno de sangre y muertes diabólicas por doquier y ¿sabéis qué? que yo me quedo allí porque la realidad está tan mal que prefiero irme a una casa perdida en mitad de un bosque.

DÍA EVIL DEAD. RETROCRÍTICAS. POSESIÓN INFERNAL (1981)

Continuamos el día dedicado a Posesión infernal en Microcríticas. Ahora viajamos en el tiempo a uno de esos cines casi abandonados, compramos dos entradas para ver Evil dead de un director que está empezando y se llama Sam Raimi y nos sentamos en la mugrienta sala, en una de esas butacas con la tela rota y la esponja asomando por los rincones, nos acomodamos en ella y de repente las luces se apagan, la pantalla se ilumina y... empieza la Retrocrítica de Posesión infernal.

Si vamos hablar de Posesión infernal debemos hacerlo como dios manda, con una buena camiseta freak, unos vaqueros desgastados y a poder ser con un pañuelo en la cabeza a lo Josh Brolin en Los Goonies. Porque este film no es solo otra película de terror, es LA película de terror que marcó una década y que vista hoy en día sigue siendo tan disfrutable o más que la primera vez.
Evil dead trata sobre un grupo de jóvenes que se van a pasar un fin de semana a una casa en el bosque, allí descubren el Libro de los muertos y se desencadena la masacre. La historia no da para mucho y eso Raimi lo sabe, da para meter sustos y para poco más y eso a Raimi no le importa. No le interesa mostrarnos un tratamiento de personajes a lo Michael Haneke, no quiere que nos encariñemos con unas personas que van a morir de una manera bastante desagradable, para Raimi sus personajes son meros muñequitos que mueve por una casa endemoniada en un bosque endemoniado, no busca hacernos pensar.

Y es que el film lo tiene todo para cubrir las necesidades del más sibarita de los aficionados al gore: tiene mamellas, un par, tampoco hace falta ser excesivo, tiene sangre, más de la que te puedas imaginar, tiene amputaciones variadas y tiene un maquillaje que para la época no está nada mal. Pero Evil dead tiene cine, tiene mucho cine, la película se marca algunos planos, por ejemplo el de cuando el coche va llegando a la casa o el plano que Bruce Campbell va caminando por la casa y lo enfocan desde arriba con ese efecto de sonido chirriante cada vez que la cámara atraviesa una barra de madera del techo, que son pura cinefilia, porque Raimi puede amar el gore y saber rodarlo, pero sabe dirigir y dirige como Dios.
Las interpretaciones tal vez no serían de Oscar pero tampoco se busca eso, se busca el susto fácil y el chorretón de sangre in the face, nada más. Pero Raimi se guarda un as en la manga, porque ahí tenemos al grandísimo Bruce Campbell que merece mención aparte, es el único personaje que crece, no por el trabajo de guión sino por la actuación del actor, durante el film y eso es de lo más loable de la película.

Pues la pantalla funde a negro, hemos viajado a los ochenta, nos hemos reído, nos hemos asustado y de regalo tal vez nos hayamos llevado a casa alguna salpicadura de sangre en la camiseta. Propósito cumplido.

10/10

DÍA EVIL DEAD. POSESIÓN INFERNAL (2013)

Para hablar de este remake tengo que ponerme mi careta de Bruce Campbell enloquecido y dejarme llevar por lo que me ha parecido, más que un remake una reinterpretación con elementos similares de una despiporre ochentero tomado aquí demasiado en serio, si habéis entendido algo de lo que acabo de escribir enhorabuena.

Posesión infernal, la original, la de Sam Raimi es sin duda un film inigualable, una obra que casi se definía como el primer advenimiento de la más loca fiesta y la diversión, tenía su terror en buenas dosis pero el descacharrante sentido del humor y el desmesurado gore la convertían en una obra para disfrute y gozo del avezado cinéfilo comedor de palomitas y seguidor de la sesiones golfas. Pero aquello eran los ochenta.
Ahora, en pleno siglo XXI vuelve Posesión infernal, con más estilo, más elegancia pero con el mismo espíritu gamberro, espíritu que tarda veinte minutos en arrancar y es en esos veinte minutos en los que me quiero centrar ahora. Mientras que el original de Raimi iba de cinco jóvenes que se iban un fin de semana a una casa en el bosque se encontraban un libro de los infiernos, poco a poco iban muriendo y a nadie le importaba nada de donde venían; aquí el director Fede Álvarez se preocupa demasiado en crear unos personajes con unas historias y con una trama por la que los susodichos personajes llegan a la casa del bosque y esa trama es ayudar a uno de los jóvenes a dejar las drogas. Buena historia, no digo que no pero inservible, no me importa lo más mínimo su vida, me importa más verlos morir y de la manera más cruel posible. Y para eso, para contarnos toda esta trama de amor de hermanos y el mono de las drogas, que no molestan pero que hacen que el estallido de sangre y desparrame se demore demasiado Álvarez tira de charlas chorras sobre lo malas que son las drogas y lo bueno que es tener amigos.

Pero entonces el film entra en materia, tras los veinte minutos de cortesía para conocer a los que van a morir, es justo decir que ninguno de ellos le llegan a Bruce Campbell ni a la suela del zapato; empieza lo que viene siendo la sangría y aquí si que Álvarez pone toda la carne, nunca mejor dicho en el asador. Cuando la peli se pone las pilas va como un cohete y no deja títere con cabeza, ya a nadie le importa que un personaje quisiera dejar las drogas, ahora importan los brazos amputados, la sangre a borbotones, las posesiones demoniacas, en fin, lo que de verdad nos hace reencontrarnos con el cariño que le teníamos a la película de Raimi. En esta parte, que dura unos sesenta minutos los más goremaníacos vamos a disfrutar y lo vamos a pasar como enanos, porque la película aquí cumple con creces y da lo que promete y cuando lo ha dado sigue adelante llevándose todo lo que encuntra por delante.

Bueno, me quito la careta de Campbell, la miro, toda ensangrentada ella y suspiro, suspiro porque se agradece muchísimo el intento, está a un pelo de ser tan grande como su predecesora, pero tal vez porque ser tan buena como aquella sería un sacrilegio o porque a ratos se toma demasiado en serio lo que todos hemos conocido desde nuestra adolescencia como un verdadero desparrame sin sentido hacen que el film no llegue a ser tan grande como debiese, pero aún así es un film necesario, divertido, bestia como el que más y satisfactorio, muy satisfactorio.

8/10

LOS ÚLTIMOS DÍAS

Hablar de Los últimos días va a ser una ardua tarea, porque hay mucho que decir y quiero que todo quede claro. Para empezar y a modo de titular solo decir que Los últimos días no es la gran película que se cree pero aún así es una película decente.

Los Hermanos Pastor, directores del film son unos creadores que, aunque tienen buenas ideas y saben crear atmósferas tensas y curradas, luego no saben con que rellenarlas, porque sus historias no llegan al alto nivel que merece la atmósfera creada; saben crear mundos pero no saben poblarlos. Ese sería el primer gran problema de este film que tiene una factura técnica impecable y que se nota que se han trabajado en cada plano, se ve amor en la película, pero un amor mecánico, con unos personajes mecánicos que viven situaciones que solo sirven para rellenar los huecos de un guión que no da para un film de 100 minutos, de hecho dudo que diera para más de 20.

Y no es que el film no quiera que nos interesemos por lo que les pasa a José Coronado y a Quim Gutierrez, que cumplen con unos papeles que les quedan pequeños, es que lo que les pase nos da igual, porque son tan planos esos personajes que no llegas a conectar porque no llegas a sentir una empatía hacia ellos. Las dos mujeres, Marta Etura y Leticia Dolera también hacen lo que pueden con unos personajes vacíos completamente, que simplemente ayudan hacer que el personaje de Gutierrez vaya hacia algún sitio.
Porque sí, este es un film de pasear, de unas personas que tienen agorafobia y que no salen a la calle por si se mueren y se pasean por los túneles del metro de Barcelona en busca de sus seres queridos. Esto es así, como historia, como he dicho antes da para un buen cortometraje, pero para un largo es insuficiente, se necesita llenar a la película de escenas chorras que simulan tensión y de momentos de colegueo entre los dos protagonistas que también dejan mucho que desear, porque esta es una película de andar y si solo andaran sería más interesante que los relamidos tópicos que usan cada vez que abren la boca.

En fin, es una lástima que un planteamiento prometedor y una escenografía tan interesante se hundan por un guión vacío que no llega a ningún sitio. Otra vez será hermanos Pastor y ya será la tercera oportunidad que os doy.

4,5/10

SITGES 2013 CARTEL Y MIIKE

Ya está aquí, ya ha vuelto esa pequeña pizca de paraiso antes de llegar al verdadero paraiso, hoy ha aparecido el cartel de Sitges 2013.

Y así, de esta manera a los pies de La Punta y con un carrito de bebé ardiendo el homenaje a "La semilla del diablo" vuelve el festival de festivales para que paseemos por sus calles otro año más celebrando que el buen cine ha vuelto a las costas catalanas para satisfacer nuestros instintos más terroríficos.
Además este año viene a presentar su nuevo film "Leson of the evil" y se hará una retrospectiva sobre el mismísimo Takashi Miike, el gran director de cine japonés de joyas como "Harakiri, death of a samurai",  "Ichi the killer" o "La felicidad de los katakuris". Orgasmo en 3, 2, 1...

MICROESPECIAL. RUROUNI KENSHIN.

Hablar de Rurouni Kenshin es hablar sin duda de uno de los más queridos y aclamados personajes de la animación japonesa, porque Kenshin es uno de los personajes de culto de la historia moderna del manga y el anime, por eso y con motivo del lanzamiento en DVD en nuestro país del live action Rurouni Kenshin se merece un microespecial como una casa.


RUROUNI KENSHIN. EL MANGA.

Rurouni Kenshin aparece allá por el año 1994 y termina en el año 1999 con 255 capítulos a sus espaldas divididos en 28 tomos editados por Shueisha y creado por el dibujante Nobuhiro Watsuki. Kenshin cuenta la historia de un espadachín, Himura Kenshin que en su juventud sirvió a los Ishin Shishi como hitokiri; durante aquella época se le conoció como Battössai y la leyenda decía que era un gran asesino. Después de servir a los Shishi, Rurouni se dedica a vagabundear por el mundo en un camino de redención ayudando a toda la gente con problemas en los pueblos por los que pasa.
Pero es al llegar a Tokio cuando conoce a Kauro Kamiya y decide proteger a ella y a su dojo de la amenaza de enemigos y mientras intentar liberar a la ciudad de una potente droga, en este camino Kenshin se topará con viejos enemigos del pasado a los que deberá enfrentarse.
Pues esta es la historia de Rurouni Kenshin. Un manga que hizo historia y que se conoció fuera de Japón como Rurouni Kenshin, el guerrero samurai.


RUROUNI KENSHIN. EL ANIME.

Y como manga que ha hecho historia por su calidad y su buen hacer, era cuestión de tiempo que apareciese el anime y que se convirtió en una serie de culto para los más cafeteros en el mundo de la animación japonesa. Fue en 1996 cuando Kazuhiro Furuhashi inició la serie de anime que duraría 95 capítulos y terminaría en 1998, el último capítulo fue lanzado directamnte en vhs y tuvo un gran exito de ventas. Como la producción del anime ocurría durante la producción del manga, este hecho hizo que la serie solo ocupara, durante los primeros 62 capítulos los 18 primeros volúmenes del manga y el resto fuera relleno aparte del manga.
La serie cosechó una gran fama mundial y fue comprada por Estados unidos y exhibida por Cartoon Network en el 2003 aunque la retiraron al final d ela segunda temporada. Aún así el lanzamiento en DVD de la serie completa fue un absoluto exito de ventas y convirtieron a Rurouni Kenshin en una gran serie de culto para sibaritas del anime, aunque también resultaba una serie cercana que, más allá del manga también consiguió multitud de fans.


RUROUNI KENSHIN. EL LIVE ACTION.

Y, como todos los fans reclamaban a gritos al final llegó el aclamado live action de Rurouni Kenshin. Dirigido en 2012 por Keishi Ohtomo el film protagonizado por Takeru Sato llegó a las pantallas de Japón y se convirtió en un abrir y cerrar de ojos en número uno de taquilla. En el pasado Festival de cine de Sitges levantó una gran espectación y tras la proyección grandes aplausos y comentarios positivos por las calles del pueblo catalán.
Porque Rurouni Kenshin es una película en si misma, más allá del simple live action sin alma, Kenshin tiene ese alma de chambara clásico, casi de western que la convierte en un film muy digno. Quizá la película decaiga un poco hacia la mitad y algunas tramas secundarias tengan poco fundamento pero el film siempre se mantiene a la altura ofreciendo un más que digno espectáculo que hará las delicias de los fans del manga y el anime, porque ante todo la película es un live action y el amor al material original se nota en cada plano y en cada escena, y a lo cinéfilos más expertos que busquen un film asiático que tenga fuerza y garra suficiente para mantenernos atentos durante sus 130 minutos que no se hacen nada pesados.
La película tiene ese aire de gran superproducción que la convierte en un gran film de género y tanto si se conoce al personaje como si no el film es amable con todos y tiene la suficiente personalidad como para conseguir gustar.


RUROUNI KENSHIN. CONCLUSIONES.

Rurouni Kenshin es un manga y una serie de culto que tiene ahora su gran film. Una de las grandes obras de la animación que retrata a la perfección un periodo histórico a través de una historia de venganza y redención a la altura del mejor Miike o Kitano.

8/10

MICROESPECIAL. DEATH NOTE.

Este microespecial es bastante especial, valga la redundancia, porque esta serie, tanto el anime, como su adaptación cinematográfica son lo mejor que he visto en el panorama del live action junto con la reciente Ruroni Kenshin de la que hablaré mañana. Death note es para los aficionados al anime y al manga una de las series de culto más grandes que se han parido y con razón. A continuación desmembraré este fenómeno desde sus cimientos.


DEATH NOTE. EL MANGA.

Death note nace allá por el 2003 en formato manga de la mano de Tsugumi Öba, tras ser lanzada como un one-shot (capítulo piloto para los no leidos) que tuvo bastante exito. Este manga contaba la historia de Light Yagami, un joven estudiante de derecho que un día, desencantado con el sistema jurídico y con la sociedad se encuentra un cuaderno de muerte o Death note y descubre que si escribe un nombre en él la persona en cuestión muere. Al principio Light lo usa para hacer el bien pero luego la historia se torna mucho más oscura cuando Yagami se convierte en un verdadero Dios y utiliza el cuaderno para su propio beneficio.
El manga, que se convirtió en toda una revolución por tratar un tema así, que mezclaba a la perfección lo policiaco con lo fantasioso y que jugaba con el lector proponiéndole tramas y soluciones cada vez más rebuscadas para Light consiguió miles de adeptos en Japón y en el resto del mundo. Cuando el manga llegó a su fin allá por 2006 sus seguidores se contaban por cientos de miles en todo el mundo y las buenas críticas hacia el manga lo convirtieron en un clásico instantaneo.


DEATH NOTE. EL ANIME.

Y visto el exito del manga era lógico y necesario que Death note se convirtiera en anime. Fue en Octubre de 2006 cuando las desventuras de Light Yagami, L y el cuaderno de muerte pasaron del manga a la animación en movimiento de la mano de Tetsuro Akari. Los fans se volvieron locos con el anime y la verdad, que como opinión propia el anime fue increible, las tramas, ahora llevadas a la pantalla pequeña eran aún más adictivas y los personajes mucho más completos. Se podría decir que el anime de Death note era un complemento necesario para que la experiencia estuviese completa.
La serie, animada por Madhouse y producida por, entre otras Nippon Television tocó a su fin en Junio de 2007 con 37 capítulos en su haber. Los fans que ya por entonces se contaban por millones en todo el globo no quedaron saciados y así, Madhouse, para seguir exprimiendo a la gallina de los huevos de oro se sacó de la manga dos capítulos especiales que servían como resumen de la serie pero contadas desde el punto de vista del shinigami Ryuk, el primero se llamó "Death note rewrite: The visualizing god" y que contaba la primera parte de la serie hasta la aparición del personaje de L y un segundo capítulo titulado "Death note rewrite: L's sucessors" y que relataba lo ocurrido en la segunda parte de la serie. Y hasta aquí dió de si el anime.


DEATH NOTE. LOS LIVE ACTION.

Y como a la gallina de los huevos de oro aún le quedaba sangre en las venas para seguir exprimiendo llegaron los live actions de Death note. Era de esperar.
De esta serie se han sacado tres películas, la primera, que se estrenó en los cines de Japón en 2006 y que fue un exito encabezando durante dos semanas las listas de taquilla contaba la primera parte del anime: desde que Light encuentra el cuaderno de muerte, conoce a Ryuk y se convierte en Kira. El film logra llegar al nivel de la serie y el manga, haciendo que el live action no sea otra rutinaria adaptación sin chicha ninguna. Este live action funciona de maravilla y consigue meterte, como ya conseguía el anime, dentro de la acción del film de una manera envidiable jugando con ese aire policiaco fantasioso que desde siempre ha reinado en la franquicia.

La seguna película llegó también en 2006 titulada "Death note, el último nombre" aprovechando el tirón del primer film y fue también un rotundo exito. Aquí la historia giraba en torno a la investigación por parte de L, de Misa Amane y del segundo cuaderno de muerte mientras Light, jugando a ser Kira debe superar las pruebas de L. Esta secuela es mucho más completa que la anterior, tal vez porque los personajes están más perfeccionados y se cierran las complejas tramas, no sé muy porque pero esta segunda parte me llegó mucho más que la anterior y como film la verdad que sabe llevar muy bien esa trama policial.

Pero no contentos con los dos films que cerraban la serie y el anime por completo a los avispados productores se les ocurrió estirar aún más a la gallina que la pobre ya no daba para mucho y sacar un tercer film, este inspirado en la personalidad de L y titulado "L, change the world", la historia que se nos contaba era la de una nueva investigación de L durante los 23 días que le quedaban antes de morir ya que su nombre había sido escrito en la Death note.
Este film, que no aportaba nada nuevo a la serie si rellenaba los huecos sobre el personaje de L que encandiló tanto a miles de fans de todo el mundo que imitaban a este personaje en salones de cómics de todo el planeta.

DEATH NOTE. CONCLUSIONES.

Para terminar este microespecial y a modo de conclusión solo queda decir que Death note es historia viviente del manga y el anime en Japón y en todo el mundo. Pocos peros se le pueden poner a una serie que toca todos los palos en su universo propio y que tantos ratos deliciosos y misteriosos nos ha hecho pasar, ya sea leyendo el manga, viendo el anime o disfrutando de los live action.

10/10

 

RETROCRÍTICAS. LA CASA DE LOS MIL CADÁVERES

En esta sección que empieza hoy he decidido recuperar del pasado grandes films olvidados o no tan olvidados y hacer una pequeña reseña sobre ellos, clásicos de lo absurdo y bizarro, films únicos en su género que han creado escuela. Obras maestras ocultas que bien merecen una revisión. Y para empezar la sección no puede haber una película mejor que La casa de los mil cadáveres de Rob Zombie.

Rob Zombie es, aparte de un director de cine al que se le va la pinza demasiado, un roquero de heavy metal que con su grupo White zombie es conocido en el mundo entero. Pero es su faceta como director de cine lo que lo trae hoy aquí. Su debut en la dirección fue este film, La casa de los mil cadáveres y la verdad que fue un debut que hizo historia, Rob, con su arte distorsionado rodó un film único, que a ratos bien parece un videoclip heavy grotesco y a ratos es un ejemplar slasher que recuerda muy mucho a la grandísima y madre de todos los slasher's La matanza de Texas.
La historia gira en torno a un grupo de chavales que, tras una visitas a la gasolinera del Capitán Spaulding deciden ir en busca del árbol donde fue ahorcado un científico loco llamado Doctor Satán, en su camino pincharán una rueda y terminarán en una casa de lo más peculiar. El argumento no es lo más original del mundo, pero eso Zombie lo sabe y pasa de largo de él, lo que le importa de verdad es la sangre en todas sus formas, de la más espesa a la más líquida y en eso se esfuerza durante los ochenta minutos que dura el film.

Pero no es solo la típica película sangrienta y nada más, Rob Zombie nos presenta también un gran circo bizarre que hace las delicias de los más sibaritas en este género. El Doctor Satán es una institución dentro del terror actual con su aspecto de cadáver putrefacto; pero es sin duda el Capitán Spaulding, interpretado por un enorme Sid Haig el que se lleva la palma con su aspecto de payaso macabro, en su gasolinera podemos encontrar los artículos más grotescos y desagradabes, pasear por un túnel del crimen espeluznante y a la salida llevarnos el coche con el depósito lleno y una ración de pollo crujiente. Es sin duda este personaje lo que atrapa al espectador desde el minuto uno y, aunque su aparición se reduce a tan solo quince minutos de film es lo que se nos queda grabado en la retina.
Y es que La casa de los mil cadáveres es un dantesco espectáculo, una celebración de la mutilación y lo horrible, es lo que la hace grande y es lo que la convierte en un clásico instantaneo del cine de terror, porque es tensión constante y porque nunca decae. Por eso este film memorable de un director más que curioso se merecía inaugurar esta sección.

10/10

UNA NOCHE CON EL CHICO EN LA CABINA

Ayer por la tarde noche pude asistir a un evento más que curioso e interesante. El festival internacional de mediometrajes La cabina (aquí os dejo el link: http://www.lacabina.es/ ) que se celebra cada otoño en Valencia y que muestra lo más interesante en lo que a mediometrajes se refiere, celebró anoche un evento llamado La cabina Classics frente a la biblioteca pública de la ciudad, allí proyectaron la película de Charles Chaplin "El chico" y para rizar el rizo la música del film era en directo con un pianista y un guitarrista. Todo un lujo.

La película, que nunca había visto (sí, me podéis matar) me decepcionó un poco aunque debo reconocer que es un gran clásico de la historia del cine. La organización del festival se portó de maravilla con todos los que asistimos a la proyección y la verdad que ver el film de esta manera, con la música en directo y al aire libre fue simplemente sensacional. Yo ya espero el siguiente evento de este festival y como no el mismo festival allá por Noviembre porque en estos tiempos de crisis estas iniciativas tan arriesgadas e ingeniosas son muy de alabar.

Aquí os dejo el cartel de la pasada edición:

SOMOS LA NOCHE

Somos la noche nace con un solo propósito el de mostrarnos como se lo pasarían las chicas de Sexo en Nueva York si fueran vampiras y nada más, NADA MÁS.

Este film alemán del director Dennis Gansel nos cuenta la historia de unas vampiras que llevan demasiados años viviendo en el mundo y han aprendido a pasárselo bien, como le demuestran a la recién llegada al grupo, una ladroncilla marginada que pasa de ser la fea con pinta de sidosa a convertirse en una sex symbol del este, osea en un callo para el resto del mundo; entre medias de fiesta y fiesta hay una trama criminal que no interesa a nadie. Esa sería la sinopsis de este film que no promete mucho y da lo justito para rellenar noventa minutos.
No es que el film esté mal rodado, en ese aspecto la película se aleja bastante de la fotografía típica del cine alemán que recuerda tanto y tanto a la serie Rex, un policía diferente, ahí Gansel se lo curra bastante y los efectos digitales también cumplen pero es la desgana reinante en una trama demasiado típica y aburrida lo que hace que tanto la fotografía

como los efectos estén al servicio de un argumento que no da para llenar más de los treinta segundos de un anuncio de perfume o de alguna bebida alcohólica.
Luego está la trama policial, una desganada serie de crímenes en los que los cadáveres aparecen con unas marcas de colmillos en el cuello (¿really?) y el policía guapete de turno, que se lleva de calle a la vampira patita fea no me cala lo más mínimo porque cuando parece que te empieza a contar algo a Gansel le preocupa más que veamos como las vampiras se hacen coca y se ponen borrachillas. Todo muy torpe.
En fin, que la idea ya daba poco por si sola para que además le sumemos el deficiente talento de su director que lo intenta pero no llega.

3/10